CinemaX

Carnage

2012-01-06T15:24:00.000-08:00

Roman Polanski já havia se aventurados por muitos gêneros do cinema, mas um ainda faltava para completar seu talento multifacetado na direção: a comédia. Embora "Carnage", seu mais recente filme, não seja um entretenimento de fazer o espectador dar gargalhadas, a produção cumpre seu papel com um belo exemplar do gênero ao criar situações cômicas entre dois casais de classe média/alta, que retratam a atual sociedade ocidental.

A narrativa se passa em apenas uma locação: o apartamento de Penelope (Jodie Foster) e Michael (John C. Reilly), cujo filho brigou com um colega de classe e teve dois dentes quebrados. Os pais do agressor, Nancy (Kate Winslet) e Alan (Christoph Waltz), encontram-se com os pais da "vítima" para conversar sobre como lidar com a situação. A reunião aos poucos foge do controle, transitando do civilizado para a baixaria.

Os personagens passam por uma catarse durante o processo, revelando suas intimidades e visões de mundo. Os posicionamentos ganham mais intensidade pelo elenco afiadíssimo, com atuações no timing perfeito do time feminino, principalmente, de Jodie Foster. Aliás, as duas protagonistas foram indicadas ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Atriz - Comédia ou Musical.

O estilo e até mesmo o desenrolar da história, construído praticamente no diálogo, assemelha-se muito ao clássico "Quem Tem Medo de Virginia Wolf?" (1966), de Mike Nichols. Porém, Polanski imprime uma identidade própria ao seu projeto, através de tons mais urbanos e realistas, com uma crítica à sociedade norte-americana (país que baniu sua entrada) e também fazendo com que o público possa rir de si mesmo. O diretor apenas não conseguiu fugir da estrutura teatral - o que seria muito difícil nesta adaptação da peça de Yasmina Reza, mas mesmo assim saiu-se muito bem em mais um gênero cinematográfico.

Nota: 8

Like Crazy

2011-12-02T12:45:00.000-08:00

Qualquer encanto que “Like Crazy” possa provocar deve-se consideravelmente a Felicity Jones. A atriz de 28 anos está hipnotizante como Anna, uma estudante britânica de passagem pelos Estados Unidos que se apaixona por seu colega de faculdade. É ela que traz emoção e autenticidade a um amor que, em um segundo momento, deverá sobreviver à distância: Anna é banida do país porque não renovou seu visto.

“Like Crazy” explora o relacionamento de um jovem casal com um olhar romântico e intenso, valorizando momentos íntimos que são essenciais para desenvolver a intimidade dessas duas pessoas que acabaram de se conhecer e, seja pelo destino ou não, terminam se apaixonando. Enquanto Feliciy confere toda essa paixão ao projeto, o seu par, Anton Yelchin, em alta por filmes como “Star Trek”, “Um Novo Despertar” e “A Hora do Espanto”, não demonstra tanto envolvimento com o personagem e fica no campo da apatia.

Contornando esse detalhe, o diretor Drake Doremus confere um ponto de vista quase documental para a história, como se uma câmera estivesse escondida gravando um acontecimento real. Porém, se por vezes o cineasta investe na simplicidade, o que deixa o ritmo lento, por outras, utiliza truques para não deixar o interesse diminuir, como passagens de tempo em cortes acelerados. É o caso da bela sequencia dos vários dias em que o casal não sai da cama.

Essa jogada com a trama de certa maneira funciona e até confere uma personalidade ao projeto. “Like Crazy” torna-se uma mistura de romance adolescente com drama alternativo. O ponto negativo disso tudo é que seu desenrolar vem a ser cansativo e não atinge com tanta força a mensagem final que busca transmitir. O fôlego apresentado no início fica mais escasso quando aproxima-se do encerramento. Mas, isso não chega a ser um problema para o trabalho de Doremus e, principalmente, de sua musa Felicity Jones, que, mesmo com essa suposta decaída, consegue até o último segundo deixar o espectador vidrado na tela. Like crazy.

Nota: 7,5

Ganhar ou Ganhar - A Vida é Um Jogo

2011-11-25T08:58:00.000-08:00

Paul Giamatti é o cara mais chato do planeta. Disso não há dúvidas. Salvo “Anti Herói Americano” e “Sideways”, em que ele ainda era “fresh” no mercado, os seus filmes são tão apáticos como ele. Basta assistir “A Dama da Água”, “Almas à Venda”, “A Minha Versão do Amor” e este “Ganhar ou Ganhar – A Vida é Um Jogo”.

Para não variar nem um pouco, Giamatti interpreta o mesmo personagem de sempre: um homem fracassado e sem esperanças. Dessa vez, ele é Mike Flaherty, um advogado que vê seus clientes diminuírem semanalmente e, para não entrar no vermelho, solicita ser tutor de um vizinho com problemas mentais. Ao invés de deixar o velho em sua própria casa, despacha- o para um asilo. Em seguida, o neto, um rapaz de uns 15 anos, vem procurar auxílio com o avó depois que sua mãe é internada em uma clínica de reabilitação.

A partir desse momento, o filme ganha fôlego. O garoto é amparado pelo advogado e sua esposa Jackie (Amy Ryan) e revela-se um promissor lutador de wrestling, motivando a equipe do colégio onde Mike tira um ganho extra como treinador. E, assim, quando a narrativa parece estar tomando um rumo interessante, surge a mãe do jovem para complicar a situação e tornar tudo banal.

“Ganhar ou Ganhar” encerra sem chegar a lugar algum. Fica bem longe desenvolver uma mensagem válida sobre o jogo da vida. Pior que isso, não apresenta nada de novo para o gênero drama/indie/alternativo. O que o filme tem de bom é a presença de Amy Ryan, que, apesar de ter sido indicada ao Oscar por “Medo da Verdade, ainda não ganhou um papel à sua altura. As melhores cenas são dela com o garoto.

Nota: 5,5

30 Minutos ou Menos

2011-11-23T09:30:00.000-08:00

Depois de “Zumbilândia” emplacar como uma comédia divertida e inteligente no universo dos filmes de zumbi, o novato diretor Ruben Fleischer apostou em uma trama curiosa para o seu próximo projeto: filhinho de papai e seu amigo seqüestram um entregador de pizza, colocam na vítima um colete explosivo e mandam o garoto roubar um banco. Se ele não conseguir a grana em dez horas, a dupla aciona a bomba.

O “pizza boy” é Jesse Eisenberg, que trabalhou com o cineasta em “Zumbilândia” e recentemente foi indicado ao Oscar por “A Rede Social”. Ele tem como melhor amigo Chet, interpretado por Aziz Ansari, que segue no automático tal qual seu hilariante Tom Haverford de “Parks and Recreation”. Os dois até possuem certa química como parceiros, mas os personagens são unidimensionais e não despertam a esperada torcida do público.

O argumento interessante que chama a atenção no início não sustenta o filme por completo. As piadas raramente funcionam e o emaranhado da trama (à todo momento alguém está em vantagem) torna-se cansativo já nos 50 minutos de duração – e olha que são apenas 83 minutos ao todo. Sem risos e uma ação capenga, “30 Minutos ou Menos” não engrena como deveria e termina como um filme apenas “ok”.

Nota: 6,5

Sucker Punch - Mundo Surreal

2011-07-08T11:04:00.000-07:00

Reunir uma porção de referências à cultura pop, às vezes, pode dar certo, vide os filmes de Quentin Tarantino e Robert Rodrigues, porém, em outros casos o resultado pode repercutir de forma insatisfatória, como uma junção bagunçada e sem sentido, conforme o que aconteceu com o ambicioso projeto de Richard Kelly, “Southland Tales – O Fim do Mundo”. Em “Sucker Punch – Mundo Surreal”, o diretor Zack Snyder consegue ficar no meio termo. Mistura samurais, dançarinas de cabaré, robôs e um dragão medieval com destreza, mas, por outro lado, peca em um terceiro ato cansativo e com encerramento simplório.

O caldeirão pop de Snyder tem um motivo. “Sucker Punch” é um projeto pessoal. Depois de remakes (“Madrugada dos Mortos”) e adaptações de quadrinhos (“300”,“Watchmen”) e livros (“A Lenda dos Guardiões”), o cineasta optou por embarcar em uma história integralmente de sua autoria. Essa viagem inicia com a jovem Babydoll, que após a morte da mãe, passa a ser assediada pelo padrasto e, em uma das investidas dele, termina acidentalmente matando a irmã. O padrasto convence a polícia de que a menina enlouqueceu e a mandam para um hospício fazer uma lobotomia. Até a chegada do médico responsável pelo procedimento, que deve ser em cinco dias, ela cria um universo fantasioso para sobreviver aos horrores do local.

Nesta nova realidade, Baby Doll se junta as demais paciente para bolar um plano de fuga: precisam conseguir cinco elementos (uma chave, uma faca, um isqueiro, um mapa e um item não revelado). A partir de então ocorrem cinco cenas de ação na tentativa de obter tais “objetos”, cada batalha em um cenário diferente: Japão feudal, Primeira Guerra Mundial, castelos medievais e um futuro tecnológico. Todas com tomadas surpreendentes e repletas de efeitos especiais fantásticos, em um estilo semelhante ao videogame. Dá vontade de pegar um controle e sair jogando.

O problema é que, apesar de serem sequencias visualmente deslumbrantes, não são tão interessantes quanto o restante da narrativa, ambientada no hospício (mundo real)/cabaré (surreal). As cenas de batalha não possuem adrenalina e emoção suficientes para provocar torcida e envolvimento do público, o que acarreta em um terceiro ato cansativo. Se no início a ação era impactante, passa a ser tediosa (e até previsível).

Ao contrário, tem-se afinidade com o que acontece fora das batalhas, nas aulas de dança de Madame Gorski (Carla Gugino), nas ameaças do vilão Blue Jones (Oscar Isaac) e nas discussões sobre como escapar do centro psicológico. Uma das cenas mais belas da produção acontece logo no início, quando o trágico caminho que leva Baby Doll à internação é mostrado sem diálogos, apenas ao som de uma versão alternativa de “Sweet Dreams”. Quase como em um videoclipe. São nesses detalhes que Snyder acerta.

O pacote de referências certamente é melhor apreciado pelos viciados em cultura pop, mas o longa também contempla os fãs de filmes de ação e ficção científica. Além do mais, mostra as beldades de seu elenco (Abbie Conish, Jenna Malone, Vanessa Hudgens e Jamie Chung) como guerreiras duronas, vestindo roupas curtas e lutando de salto alto. É com esse girl power que elas enfrentam os orcs, robôs, dragões e monstros. E convencem. Com exceção da protagonista, Emily Browning, que no papel de Baby Doll está tão expressiva que um pires.

Mesmo com o frágil terceiro ato, arrematado ainda com a revelação de auto-ajuda do quinto item, “Sucker Punch” é um filme que explora a linguagem visual, utilizando paletas inspiradas no soturno de “Edward Mãos de Tessoura” ao colorido futurístico de “AI – Inteligência Artificial”, e assim, demonstra uma pluralidade de conteúdo bastante interessante. E, apesar de leves tropeços, também é muito divertido.

Nota: 8

O Vencedor

2011-04-07T08:59:00.001-07:00

“O Vencedor” veio para David O. Russel conquistar o respeito na indústria cinematográfica. O diretor de comédias como “Procurando Encrenca” e “Três Reis” estava parado desde 2004, quando lançou divertidíssimo “Huckabees – A Vida É Uma Comédia”. O hiato de seis anos serviu para produzir o filme que iria colocá-lo entre os diretores do primeiro time. Após o lançamento de “O Vencedor”, indicado a sete Oscars, o cineasta adquire maior confiança para seus próximos projetos e contribui a fortalecer o poder de astros como Mark Walhberg, Christian Bale, Amy Adams e Melissa Leo.

O desenrolar deste drama é centrado na disfuncional família do boxeador Micky Ward (Wahlberg). Para chegar à consagração com o título mundial de peso levo, ele terá que passar por inúmeras lutas sob o controle do irmão drogado (Bale), da mãe interesseira (Leo) e da namorada pulso firme (Adams). Mais que um filme sobre o esporte, “O Vencedor” aborda os conflitos dos personagens e as aspirações de cada um deles sob o aspirante lutador.

A trajetória de Ward é real e muito curiosa, mas ganha força graças as assombrosas interpretações do quarteto. Christian Bale e Melissa Leo, principalmente, estão possuídos pelas figuras controversas de seus papéis. Os dois utilizam o boxeador como um trampolim para se autopromover e lucrar em cima das lutas. Amy Adams como a namorada é quem vai contra essa “exploração” e provoca a fúria da matriarca. O protagonista, Wahlberg, é o mais prejudicado, com um personagem linear e sem tantas nuanças – deve ser por isso sua lamentável ausência na disputa pelo Oscar.

Nota: 7,8

Reencontrando a Felicidade

2011-02-09T09:06:00.000-08:00

Um trágico acidente tira a vida do filho de quatro anos do casal Becca (Nicole Kidman) e Howie Corbett (Aaaron Eckhart). O sofrimento da morte é sentido de diferentes formas pelos pais: enquanto ele permanece assistindo vídeos do garoto e decide integrar um grupo de ajuda para pessoas que perderam seus familiares, ela prefere doar o cachorro do filho e mudar de casa, desfazendo-se de tudo que lembre a existência do pequeno. No desenrolar deste drama, o roteiro busca ir a fundo nas dores dos personagens, definindo como fio condutor um tom de veracidade e melancolia impressionantes.

O diretor John Cameron Mitchell opta por iniciar sua narrativa após o incidente, desprezando a “vida feliz” da família antes da tragédia. Assim, abre-se as cortinas e o espectador é arremessado diretamente no olho do furacão, imerso em um turbilhão de sentimentos - todos altamente expressados em desempenhos viscerais do casal protagonista. O destaque é para Kidman, que mais uma vez encara uma personagem de maneira intensa, expondo gradativamente a complexidade de Becca.

No mais, “Reencontrando a Felicidade” (tradução desprezível) é uma história linear, sem surpresas, com uma abordagem sensível que dá razão para as atitudes de quem foi abalado por uma perda. O impacto da trama vem ao final, quando percebe-se que o tom de tristeza sem fim realmente não irá acabar.

O inusitado do projeto é o envolvimento de um diretor tão irreverente como Mitchell (“Hedwig”, “Shortbus”) realizando um drama convencional. O cara se saiu bem.

Nota: 7,9

Um Lugar Qualquer

2011-01-11T15:58:00.001-08:00

Um carro andando em círculos. O novo filme de Sofia Coppola abre com esta cena simples para definir a atual etapa da vida de seu protagonista: Johnny Marco (Stephen Dorff), um astro de cinema cuja rotina é sexo casual, cigarro e bebida. Os três elementos de solidão são acompanhados durante a exibição de “Um Lugar Qualquer” até o momento que surge a encantadora filha de 11 anos do bem sucedido ator (Elle Fanning), exercendo na trama a força motivadora para a transformação do jovem e perdido milionário.

O pequeno conto, como pode ser reconhecido este projeto de Coppola, vem depois do pretensioso “Maria Antonieta” justamente para mostrar o retorno às raízes da diretora. “Um Lugar Qualquer” é um filme lento, de poucas falas, com fotografia sutil e uma filmagem certas vezes amadora. Aqui, o transcorrer da narrativa não tem pressa, concentrado em explicitar como a vida de Johnny é vazia, apesar de possuir tudo ao seu alcance. O caminho é conhecer o personagem até ele realmente se enxergar como aquela figura sem forma, vista na cena em que utiliza maquiagem para ficar envelhecido.

O filme é indicado para os apreciadores da filmografia da diretora. Caso contrário, provavelmente não passarão dos dez minutos iniciais da projeção. Em meio às críticas controversas, a produção vem recebendo alguns elogios e foi melhor no 67° Festival de Cinema de Veneza, onde levou o Leão de Ouro de Melhor Filme. O quarto filme de Sofia Coppola também tem sido acusado por ser praticamente uma releitura de “Encontros e Desencontros”, a obra-prima da cineasta. Algumas semelhanças são inegáveis.

Nota: 7,4

Uma Noite Fora de Série

2010-07-16T11:44:00.001-07:00

O encontro dos astros das séries mais engraçadas da televisão só poderia render um filme divertido. Tina Fey, protagonista e criadora de “30 Rock”, e Steve Carell, de “The Office”, formam um casal comum do subúrbio que de tanto que trabalham e cuidam dos filhos, acabam não tendo tempo para realizar programas românticos. A solução é marcar um dia por semana no qual contratam uma babá e saem para ir ao cinema e jantar em restaurantes chiques. Cansados da rotina, tomam a atitude de roubar uma reserva em um dos bares mais badalados de Nova York e acabam sendo confundidos com outro casal que está chantageando um chefão do crime organizado.

A história pode não apresentar muitas novidades, mas a química entre Tina e Steve funciona - não como um par romântico, mas como um time de comediantes em sintonia. A dupla reinterpreta os personagens dos seriados que estrelam e conseguem, ainda assim, render boas risadas. O clima leve de comédia misturado com aventura mantém o interesse pela trama manjada, que se fortalece pelo timing característico dos atores. Por vezes é possível ter a sensação é de que estamos assistindo um episódio estendido de “30 Rock”, só que sem a trupe do Rockfeller Center.

Nota: 7,5

Fúria de Titãs

2010-06-09T13:15:00.001-07:00

Zeus, Medusa, Perseu, Hades. Até poucos meses atrás, os personagens da mitologia grega pareciam ter sido esquecidos pelo cinema. O retorno começou com o juvenil “Percy Jackson e o Ladrão de Raios”, que deu uma nova roupagem para as histórias dos deuses do Olimpo. Ao invés de renovar, a superprodução seguinte, “Fúria de Titãs”, utilizou do clássico de 1981 – de mesmo nome – e injetou muitos efeitos especiais, doses de ação e elenco estelar para atrair as platéias mais jovens.

Começa a refilmagem com Perseu, o filho de Zeus, tendo a missão de salvar a princesa Andrômeda para proteger a cidade de Argos, que está sob ameaça de destruição por parte de Hades, deus do inferno. O vilão pretende libertar o monstro Kraken para punir os humanos que deixaram de adorar os deuses. A saga de Perseu segue por diversas conquistas e leva o espectador a uma aventura empolgante com direito a cavalos voadores, escorpiões gigantes, bruxas, deuses e monstros.

Em comparação com o original, a mitologia deixa de ser a base do roteiro e se transforma em suporte para uma produção típica do verão norte-americano. Sam Worthington visto recentemente em “O Exterminador do Futuro: A Salvação” e “Avatar”, convence como o filho dos deuses, transmitindo suas motivações e firmeza nas batalhas. O filme apenas peca na representação computadorizada da Medusa, que na verdade é uma mulher e não uma cobra, e na recriação dos deuses, principalmente Liam Neeson, que aparece prateado e brilhante.

Nota: 7,5

Daybreakers

2010-05-30T13:44:00.000-07:00

Numa época em que os vampiros são classificados como seres sem presas, que brilham na luz e não se alimentam de sangue humano, a produção “Daybreakers” surge, ao menos, para tentar honrar a originária fama dos sanguessugas. A história se desenrola a partir de uma situação nova no gênero: quase totalidade da raça humana se transformou vampiro. Os poucos que sobraram vivem escondidos e sob a constante ameaça de servirem como alimento para a população dos dentuços. Na escassez de sangue puro, a expectativa de vida torna-se mínima, reduzindo os morto-vivos em subespécies horrendas, que, desesperadas matam os demais vampiros para se alimentar.

A situação é de caos e medo na cidade em que se passa a trama. Cartazes com figuras das Forças Armadas promovem a captura dos humanos. O governo prevê que o estoque de sangue deve terminar em menos de um mês. Essa atmosfera é retratada com imagens azuladas e escuras, pouca utilização de trilha sonora e alguns sustos. A produção inicia com a tensão necessária para se tornar um ótimo exemplar dos filmes de vampiros.

“Daybreakers” não sustenta o argumento inicial porque decide transitar através de desdobramentos comuns, sem aproveitar o diferencial do projeto e direcionando a narrativa até uma matança de vampiros chata que ao invés de assustar dá sono. Ethan Hawke e Sam Neil – sem comentar a péssima Isabel Lucas - estão ali para pagar o aluguel, já que não se esforçam para aparentar que são sugadores de sangue. O reduto do filme é aproveitar que o gênero está em alta e tentar descolar um espaço ao lado de “Anjos da Noite” na locadora. Até porque as diferenças entre os dois não são muitas.

Nota: 5

Alice no País das Maravilhas

2010-05-28T11:27:00.000-07:00

“Alice” foi apenas o primeiro. Pode ir se preparando para uma enxurrada de produções cinematográficas em 3D que irão recontar as clássicas histórias infantis. Os anúncios começaram a ser divulgados após a confirmação do novo recorde do filme: em três meses da estreia mundial, ultrapassou a marca de 1 bilhão de dólares e está atrás apenas de “Avatar” e “Titanic”. Descartando as arrecadações de bilheteria, o longa-metragem é indiscutivelmente um banquete visual, reproduzindo exatamente o que foi proposto pela extasiante divulgação. Assim, a experiência de assistir no cinema, aliado com a tecnologia 3D, é para deixar o público maravilhado com o universo grandioso criado por Tim Burton.

A história homônima de Lewis Caroll é recontada e transformada em uma aventura fantástica, com a introdução de uma guerra entre dois reinos, monstros, cavaleiros do mal, dilemas amorosos e muito mais. Não dá para esperar fidelidade ao original – até porque o roteiro condensa o livro do título e sua continuação, “Através do Espelho”. As primeiras cenas exibindo uma Alice adolescente sendo pedida em casamento já demonstram que estamos frente a frente a uma nova proposta. Para aproveitar a viagem, é preciso mergulhar no universo lisérgico do conto e não se preocupar com suas origens.

O chapeleiro maluco, a lagarta que fuma narguilé, o coelho serelepe e o gato risonho estão no filme, cada um com suas excentricidades adoráveis. A produção consegue valorizar esse punhado de personagens bacanas, embora sempre tenha alguns que se destacam mais, como é o caso dos gêmeos gordinhos com suas façanhas humorísticas e a Rainha Vermelha, de uma maldade divertida – mérito da perfeita atuação de Helena Broham Carter. Já a jovem Mia Wasikowska, que tem o perfil ideal para interpretar a protagonista, fica apagada perante os seres de Wonderland, que são infinitamente mais atrativos.

A base do filme pode ser “Alice no País das Maravilhas”, mas definitivamente essa não é a história contada na tela. Tim Burton utilizou o ponto forte do conto original - a situação atípica de uma menina cair em um buraco, diminuir de tamanho e conviver com seres bizarros em uma terra desconhecida - e esculpiu para a sua musa um universo novo com maior desenvolvimento dentro e fora do mundo fantástico, sem deixar de lado o seu toque gótico inconfundível. A tradução rendeu uma aventura deslumbrante, que, assim como o original, encanta em suas particularidades.

Nota: 8

Tudo Pode Dar Certo

2010-05-24T19:22:00.000-07:00

O som do jazz começa a tocar antes mesmo do início dos créditos. A tela permanece escura e as primeiras palavras são apresentadas em branco. Segue o nome do filme e logo depois a lista de atores em ordem alfabética. O modelo continua até o encerramento com o nome do diretor, que certamente também será atribuído ao cargo de roteirista. Essa sequencia é uma marca registrada dos filmes de Woody Allen, que desde o início da carreira utiliza como abertura de seus projetos o mesmo padrão. Aquele espectador bem informado já reconhece o artifício e pode ter uma ideia do que virá a seguir: essencialmente dramas cômicos e adultos sobre o sentido da vida.

Nesse ano, a novidade é que depois de bandas pela Europa, o cultuado cineasta retornou aos Estados Unidos - mais precisamente à sua querida Nova York - para contar uma de suas típicas comédias. Em “Tudo Pode Dar Certo”, Boris (Larry David) é um senhor arrogante e pessimista que dá abrigo a uma garota do interior (Evan Rachel Wood) que estava vivendo nas ruas da cidade como um mendigo. A afinidade entre eles não demora para acontecer e, aos poucos, a menina se torna pupila dos ensinamentos distorcidos do velho.

A história dessa vez é levemente previsível, mas não deixa de ser curiosa. O sabor de seus filmes, como sempre, está nas sutilezas do roteiro, que opta por altas doses de sarcasmo e ironia muito bem articuladas. O protagonista que profere a maior parte desses desaforos é Larry David, o comediante de “Crub Your Enthusiasm”, que encara com perfeição o alterego do diretor. São dele os melhores e mais engraçados momentos da produção. A neura característica dos personagens de Allen encaixa-se na trama com maestria e é explicitada através das reclamações e teorias particulares de Boris.

Woody retoma temas abordados em trabalhos anteriores como “Crimes e Pecados”, quando refere-se ao universo indiferente ao qual estamos inseridos ou à “Manhattan”, no momento em que aborda o relacionamento entre uma jovem menor de idade e um homem maduro. A visão cética do diretor está refletida no próprio título do filme, “Wathever Works”, uma clara menção à teoria defendida por Boris sobre o amor. Para ele, esse sentimento não é tão puro: o amor é reduzido a “qualquer coisa que funcione” e que seja boa para ambas as partes. E de certa forma, como observamos no longa, ele tem razão.

Como muitos diretores, Allen segue o seu estilo de forma fiel e apresenta mais do mesmo. O inusitado é que esse repeteco é muito mais gostoso do que a lista de produções descerebradas lançadas ultimamente. Embora seu novo exemplar não apresente tanto frescor, o roteiro inteligente já rende um entretenimento muito acima da média. De “defeitos”, pode-se queixar do desfecho conferido ao pai da menina e o tratamento raso e artificial dado ao seu possível namorado. E mais detalhe: não seria nada ruim se tivesse menos entradas de coadjuvantes. Assim, o melhor do filme, Boris (ou Woody personificado), comandaria o projeto do início ao fim. Nada mais justo.

Nota: 8,2

Lembranças

2010-04-27T20:10:00.000-07:00

O burburinho em volta de “Lembranças” deve-se apenas pela presença de Robert Patinsson. Se não fosse por ele, essa produção batida estaria sendo lançada e esquecida nas prateleiras da locadora.

O jovem astro realmente atua nesse filme – ao contrário da saga “Crepúsculo” - e até manda bem no papel de um adolescente atormentado que perdeu o irmão e passou a culpar o pai pelo ocorrido. Através de uma aposta, ele conhece uma garota igualmente revoltada que também sofreu uma perda familiar: a mãe foi assassinada na sua frente quando era menor.

O drama romântico investe na química do casal, que ao menos funciona, mas deixa de lado o aperfeiçoamento do roteiro. A relação entre os personagens é tão enrolada que pouco se desenvolve. Alguns diálogos são vergonhosos, como aquele presenciado no primeiro jantar da dupla. O clímax do filme é de uma obviedade incrível, podendo ser previsto no momento que se descobre que a garota é filha do policial – não teve spoiler. Fora o encerramento, que os roteiristas introduzem um fato histórico perdido e sem contexto algum apostando que os espectadores iriam achar original. Bem longe disso.

“Lembranças” acaba se importando mais com as fãs do galã vampiro, ao tentar provocar as lágrimas das “crepusculetes” com um final supostamente surpreendente e termina perdendo o foco. Com a direção voltada para questões menos relevantes, a trama não chega a ganhar a profundidade pretendida, e deixa o resultado não mais que insosso.

Nota: 4

A Estrada

2010-04-24T07:51:00.000-07:00

“Está tudo bem. É apenas mais um terremoto”. Assim, com a face calma e serena, que o personagem de Viggo Mortensen acalma o seu filho nas primeiras cenas de “A Estrada”. Em um mundo devastado pela tragédia, onde a comida é escassa, a gasolina um bem precioso e o canibalismo algo normal, os terremotos representam ameaças mínimas. Afinal, nessa situação, a morte não é o pior dos males.

Acompanhamos a narrativa através do olhar desse pai, que luta para proteger o filho e sobreviver em uma terra sem humanidade. “A Estrada” não explica o real motivo do cenário de destruição – até porque este não é seu propósito. A realidade vista na tela mostra um ser humano primitivo, que sem as normas da sociedade se vê matando por comida e estuprando para satisfazer necessidades. A forma crua como encara os temas lembra “Ensaio Sobre a Cegueira”, que, por sinal, apresenta muitas outras semelhanças.

A visão apocalíptica proposta por Cormac McCarthy, autor do livro do qual o filme se baseou, é de total desolação. Os dias são cada vez mais frios, os incêndios se alastram com rapidez e as árvores enfraquecidas se desprendem e vão ao chão. A luta pela sobrevivência levou a formação de gangues armadas, que invadem as casas em busca de comida, matando as famílias que esperam pelo pior. Os suicídios em massa já se tornaram comuns.

O tema pesado é intensificado pela abordagem tensa do diretor John Hillcoat, que mostra-se bem sucedido em trabalhar com uma trilha sonora angustiante e sem apelar para cenas de ação. Como de costume, Viggo Mortensen entrega uma performance firme e competente. Mesmo aparecendo em pequenos (e elucidativos) flashbacks como a esposa e mãe nos primeiros momentos pós-catástrofe, Charlize Theron contribui para sensibilizar de maneira pontual na história.

Em uma realidade como essa, com o mundo definhando e sem qualquer perspectiva de um futuro decente, a razão de existência daquele pai se torna treinar o filho para que este possa sobreviver sozinho. A luta dos refugiados é corajosa e triste. Uma proposta de ‘apocalipse’ como essa não pode ser comparada aos espetáculos vistos em produções como “2012”. O que “A Estrada” oferece é muito mais crítico e relevante.

Nota: 8

Preciosa - Uma História de Esperança

2010-04-22T00:01:00.000-07:00

Claireece “Precious” Jones é uma adolescente de 16 anos, negra, pobre, obesa, violentada pelo pai e maltratada pela mãe. Ela também tem um filho portador de síndrome de Down e foi suspensa da escola porque está novamente grávida de seu pai. Na primeira cena do filme, Preciosa aparece fora de foco, caminhando no meio de uma multidão. Apesar de ser um artifício comum no cinema, essa imagem desfocada descreve exatamente a personagem: uma garota como qualquer outra, diluída nesse mar de gente que luta diariamente por dignidade.

Mesmo com todos esses problemas, ela não deixa de ter sonhos típicos da adolescência: quer ser famosa, ter um namorado e ganhar bastante dinheiro. As fantasias de Preciosa são apresentadas em cenas quentes, coloridas e exageradas, que quebram o dramalhão que o filme poderia atingir. Esse intercâmbio de sonho e realidade rivaliza com a direção pesada de Lee Daniels, contribuindo para uma maior agilidade no andamento da história.

Gabourey Sidibe, cujo perfil é perfeito para interpretar a sofrida Preciosa, perde espaço quando entra em cena Mo´Nique como sua mãe. O desempenho poderoso da atriz é um dos trabalhos mais impressionantes de atuação dos últimos anos – não por menos, venceu os principais prêmios na categoria. A relação entre as duas se torna o grande conflito da produção, logo após a garota ser aceita em uma nova escola e receber a ajuda da professora e de uma funcionária do serviço social.

“Precisa” não é tão deprimente como sugere. O filme retrata a existência penosa de uma jovem, que aos poucos, vai conseguir lidar com as desventuras que aparecem em seu caminho. E, ao contrário do subtítulo nacional, “Preciosa” se descobre um filme sobre mudança e determinação.

Nota: 7,4

Os Melhores Filmes de 2009

2010-04-20T11:42:00.000-07:00

Como já é tradição no CinemaX, chegou a vez de divulgar os melhores filmes do ano que passou. 2009 foi marcado por muitas promessas e poucos resultados satisfatórios. As produções investiram bastante em marketing, tentando promover o retorno das massas ao cinema, e esqueceram de valorizar o mais importante: um bom roteiro. Foram poucos os filmes que se destacaram durante o ano. Geralmente, a lista dos melhores engloba cerca de 40 longa-metragens, dos quais é feita uma triagem para selecionar os top top. Dessa vez foram menos de 20 na disputa. É, a situação não foi das melhores em 2009.

Veja abaixo os filmes que mereceram integrar o ranking:

500 DIAS COM ELA

O que poderia ser uma comédia romântica comum não atinge esse nível de obviedade porque subverte os clichês do gênero, aproximando-se dos dramas realistas de Woody Allen somados ao universo pop do autor inglês Nick Hornby.

ABRAÇOS PARTIDOS
Almodóvar estabelece uma embalagem refinada para o seu cinema, centrando a história naquele universo pessoal e único que é tão bem conhecido e admirado.

AMOR SEM ESCALAS
Jason Reitman explora o ser humano e suas relações sociais em um filme adulto com roteiro brilhante e atuações no ponto.

AVATAR
O mundo criado por James Cameron é um universo impressionante, que mescla elementos gráficos de cair o queixo com a densidade filosófica de crenças de um povo poderoso.

BASTARDOS INGLÓRIOS
Quentin Tarantino reinventa a história da Segunda Guerra com muita violência, humor negro e, obviamente, uma infinidade de cultura pop. O Coronel Landa nunca vai ser esquecido, assim como Brad Pitt e seu ‘buongiorno’.

DISTRITO 9
‘Distrito 9’ é uma ficção científica adulta, tremendamente atual e eletrizante. A angústia do protagonista após a contaminação ainda ecoa na mente do espectador por muito tempo.

JULIE & JULIA
A gastronomia continua dando bons frutos no cinema. A diretora Nora Ephron concilia duas linhas narrativas, passado e presente, dando consonância para as histórias das Julias - além da majestosa presença de Meryl Streep.

MARY AND MAX
Baseado em uma história real, ‘Mary and Max’ é sobre dois seres solitários, uma menina de oito anos e um homem de 44, que se correspondem à distância e se tornam amigos. A animação exalta a amizade e termina como uma linda história de vida.

NINE
Mesmo com um ritmo irregular, ‘Nine’ consegue ser sexy, contagiante, belo e emocionante. Um espetáculo do início ao fim. Basta deixar-se levar pelo ritmo da música.

O SOLISTA
O diretor Joe Wright já se tornou sinônimo de qualidade. Com ‘O Solista’, ele realiza um filme humano, que não insiste no modelo básico da história de superação. Ao todo, representa uma lição de aprendizado e amizade.

UP – ALTAS AVENTURAS
Mais um acerto da Pixar. ‘Up’ é uma aventura infantil que consegue ser divertida e tocante. Os dez minutos iniciais já valem todo o filme. Um primor de entretenimento para toda família.

WATCHMEN – O FILME
Adaptação considerada impossível, ‘Watchmen’ revelou-se um longa-metragem feito de um fã para outros fãs. O filme de super-heróis é mais profundo do que do que se espera, apresentando camadas interessantes que elevam o teor do projeto.

Menções honrosas: O Fantástico Sr. Raposo; Preciosa; Zumbilândia; Arraste-me Para o Inferno; Amantes; Duplicidade e Inimigos Públicos

Cadê os Morgans?

2010-04-17T11:19:00.000-07:00

Esta é terceira parceria de Hugh Grant com diretor Marc Lawrence. Os dois já trabalharam juntos em “Amor à Segunda Vista” e “Letra e Música”. Nesse sentido, “Cadê os Morgans?”, assim como os demais filmes do cineasta, é uma comédia romântica previsível que vale apenas pelos atores coadjuvantes e pelo humor britânico do personagem de Hugh Grant.

No filme, Meryl e Paul Morgan são um casal bem-sucedido que está separado após a traição dele. Na busca de uma reconciliação, os dois marcam de se encontrar e, na saída do restaurante, acabam presenciando um assassinato. Com suas vidas em risco, são mandados para a cidade de Ray, no interior dos Estados Unidos.

A jogada aqui é assistir os novaiorquinos limitados à uma vida sem tecnologia e distante da cidade grande. Sem alternativas, a dupla é obrigada a conviver e redescobrir um sentimento que ainda existia em ambos. Sarah e Hugh não apresentam o carisma necessário para alavancar o filme. Ela aparece sem muita expressão com sua estética plastificada e ele apático e desmotivado com as situações que enfrenta.

Na falta de química dos protagonistas, quem se destaca são os coadjuvantes Sam Elliot e Mary Steenburgen, como o casal caipira que abriga as testemunhas em sua casa. Os veteranos aproveitam o tempo em cena e tornam seus personagens mais interessantes que os astros. Também ganham a simpatia, a dupla de assessores que cuidam das agendas lotadas dos Morgans.

Apesar dos clichês recorrentes do gênero, “Cadê os Morgans?” apresenta um humor irônico que salva a produção – graças ao personagem de Grant. Quanto ao resto, é mais do mesmo.

Nota: 5,5

Invictus

2010-04-08T12:18:00.000-07:00

“Invictus” retrata um período decisivo na história da África do Sul. Em 1994, o recém presidente Nelson Mandela utilizou de um esporte tipicamente inglês, o rugby, para terminar com as diferenças raciais no país. Esse episódio verdadeiro e inspirador foi registrado com certa deficiência pelo competente diretor Clint Eastwood.

A produção apresenta um conjunto de cenas truncadas, orquestradas por um roteiro com pouca direção, que confere ênfase em certos momentos para questões políticas, depois passa para as partidas de rugby e termina com sentimentalismo duvidoso. A tentativa de abordar com profundidade várias esferas do fato proporciona quebras de ritmo constantes, sem conseguir fluir com êxito na história. Perdidas no roteiro também estão cenas que procuram gerar suspense, como aquela em que um furgão misterioso se aproxima de Mandela, ou então quando vários planos focam um avião prestes a colidir com o estádio.

No meio do furacão, Morgan Freeman desempenha uma boa interpretação como o ídolo do povo e tem no personagem a atuação pela qual sempre será lembrado. Em contraponto, Matt Damon não encontra chances de se destacar como o capitão do time de rugby. O único momento que conhecemos melhor a sua figura é quando ele se mostra inseguro perante o convite de conhecer o presidente.

“Invictus” sequer foi indicado aos principais prêmios (basicamente referentes a atuações) no Globo de Ouro e Oscar. Entre a nova e tão respeitada fase de produções dirigidas por Clint Eastwood, o filme mostra-se um projeto inferior do cineasta. Ironicamente o filme que poderia ser o mais fácil de realizar, conforme a fácil identificação do público com o episódio, acabou se revelando o mais falho de sua carreira. Apesar das ressalvas, o longa pode ser assistido com um olhar despreocupado e revelar-se um bom (e até emocionante) passatempo.

Nota: 7

Entre Irmãos

2010-03-30T00:01:00.000-07:00

Sam e Tommy são irmãos. O primeiro é casado, tem duas filhas e desempenha uma ótima carreira como capitão do exército. O segundo é um malandro, que quando não está atrás de um rabo de saia fica aplicando golpes e se metendo em confusão. O filme inicia quando Sam está partindo para servir no Afeganistão e Tommy está voltando após um período na prisão. Um chega e o outro vai embora.

“Entre Irmãos” é uma refilmagem do filme dinamarquês, “Brodre”, dirigido por Susane Bier. Os direitos do original foram comprados logo após a exibição do longa no Festival de Sundance em 2004. Na versão americana quem protagoniza o triângulo amoroso é Tobey Maguire, Natalie Portman e Jake Gyllenhaal.

Essa situação à três se desenvolve a partir do momento em que Sam é dado com morto. A notícia abala a família e Tommy passa a consolar a viúva do irmão, Grace. Tempos depois, quando Sam aparece vivo - depois sofrer barbaridades na guerra - a situação inverte. O bom e mau irmão trocam de figura. Sam está amargurado e começa a desconfiar que sua esposa transou com o irmão. Estranho e violento, nem mesmo as filhas passam a gostar de sua companhia. Enquanto isso, Tommy que antes era largado acabou encontrando um lar e tomando para si a vida que o irmão levava.

O filme aborda principalmente as relações familiares e a inevitável comparação entre irmãos. O retorno de Sam vai direcionar a trama para um clímax que deixa questões ambíguas – o que é interessante – e outras solucionadas de forma apressada, que terminam comprometendo levemente o desenvolvimento narrativo.

“Entre Irmãos” concilia drama familiar com thriller de guerra, uma estratégia perigosa que termina dando certo. O forte apelo contra as barbáries da guerra constitui uma segunda trama, mostrada através do ocorrido com Sam durante o tempo em que foi tido como morto. Essa vertente ganha maior peso com a mensagem final do projeto. O diretor Jim Sheridan (“Em Nome do Pai”, “Meu Pé Esquerdo”) trabalhou com um dramalhão difícil – e assim como o original - conseguiu torná-lo bastante pertinente e, acima de tudo, real.

Nota: 7,5

Ilha do Medo

2010-03-27T18:07:00.000-07:00

Dezenove anos depois de “Cabo do Medo”, Martin Scorsese embarca pela segunda vez, em toda sua filmografia, no gênero do suspense. A atmosfera de mistério é oferecida desde a primeira cena, quando observamos em meio à neblina uma balsa levando o agente federal Teddy Daniels e seu colega Chuck Aule para a ilha Shutter. A dupla está ali para investigar o sumiço de uma paciente que escapou de maneira inexplicável do hospital psiquiátrico instalado no local.

A partir dessa premissa, o diretor começa a introduzir pistas, como em um filme de David Lynch, instigando a curiosidade e desafiando o público a desvendar o que existe por trás daquele emaranhado de cenas que podem ou não ser reais. A estratégia é semelhante a do seriado “Lost”, que com o decorrer vai apresentando cada vez mais personagens e, com eles, mais enigmas.

Tanto mistério por nada. A resolução de “Ilha do Medo” é tremendamente óbvia, e pode ser descoberta antes da metade do filme por qualquer espectador que já assistiu alguns bons exemplares de suspense e terror. A quantidade elevada de mistérios e subtramas procura dar a impressão de complexidade – o que se mostra pura enrolação. O roteiro ainda tenta justificar os momentos anteriores com um encerramento chocante e possivelmente denso ao mostrar DiCaprio em uma cena dramática que acontece em um lago.

O forte da produção é, sem dúvida, o comando do veterano diretor, que realiza um trabalho elegante e por vezes artificial. Esse exagero visual pode ser identificado através da trilha agressiva, das atuações caricaturais, diálogos forçados e uso de tecnologia grotesca. Todos esses elementos com o propósito de homenagear os filmes de suspense das primeiras décadas do cinema, incluindo também os trash. O clima criado por Scorsese é soturno e tenso, perfeito para um roteiro que visa estimular a mente de quem assiste.

Infelizmente, o projeto não consegue fazer todos os seus instrumentos funcionarem em harmonia. Com esses problemas o labirinto pelo qual Teddy Daniels percorre mais atordoa do que proporciona entretenimento satisfatório.

Nota: 7

O Segredo de Seus Olhos

2010-03-25T13:44:00.001-07:00

Representante do cinema argentino no Oscar 2010, “O Segredo de Seus Olhos” entrou na disputa e surpreendeu. As apostas anunciavam com disparada vantagem a vitória do alemão “A Fita Branca”, realizado pelo diretor Michael Haneke. O prêmio acabou nas mãos dos nossos "hermanos" por uma questão de simpatia com a obra. Entre os dramas indicados, o filme era o único que introduzia um humor contagiante, responsável por tornar a história densa em um entretenimento mais leve.

Na trama, Benjamin Esposito é um oficial da justiça aposentado que decide escrever um livro baseado em um caso que aconteceu há 30 anos. A investigação do passado envolve o estupro e o consequente assassinato da esposa de um bancário. Para encontrar o culpado, ele conta com a ajuda de seu colega e amigo Sandoval e da nova chefe Irene.

O caráter de filme policial é diluído pelas tiradas cômicas do roteiro e as situações dramáticas envolvendo Benjamin e Irene, que protagonizam um caso de amor não concretizado. Nesse caminhar, o filme apresenta diálogos simplórios, cenas com propósito único de serem engraçadas e um ritmo bastante lento. O ator principal (e preferido do diretor do filme Juan José Campanella) não consegue injetar o "fogo" necessário para o importante romance da trama e permanece durante todo tempo com uma cara de “sono eterno”.

“O Segredo de Seus Olhos” ganha pontos com seu curioso final, que conclui a história de forma muito interessante e dando valor para os conflitos dos personagens. Mesmo com um resultado irregular, a fórmula deu certo: tornou-se o filme nacional de maior sucesso de bilheteria na Argentina nos últimos 35 anos e ainda arrecadou o prêmio mais importante do cinema.

Nota: 7,3

Os Homens Que Encaravam Cabras

2010-03-23T13:30:00.000-07:00

Quatro astros de Hollywood e uma cabra. Estes são os integrantes da divertida (e monótona) comédia sobre um programa militar que incentiva o desenvolvimento de poderes paranormais. Baseado no livro de Jon Ronson, a trama aproveita teorias da conspiração tipicamente americanas para criar cenas absurdas e colocar os atores em situações constrangedoras.

“Os Homens que Encaravam Cabras” possui um humor particular, história non-sense e ritmo desequilibrado. Com esses atributos pode-se jurar que é um filme dos irmãos Coen. Por incrível que pareça não é. A direção é do desconhecido Grant Heslov, ator coadjuvante de vários filmes e produtor de seriados, que parece ter se inspirado na filmografia da dupla de cineastas.

Quanto ao elenco, George Clooney é quem paga os maiores micos como um dos soldados com poderes mentais. Jeff Bridges encara o general paz e amor. Ewan McGreggor é o jornalista que investiga o caso. Kevin Spacey volta as telas como o vilão desta história difícil de acreditar. Mesmo com um time de bons atores e um tema interessante, o filme não consegue evitar os altos e baixos durante a sessão, gerando uma inconstância que compromete o aproveitamento como um todo.

Até as cabras, no filme, morreram de tédio.

Nota: 6,5

O Amor Pede Passagem

2010-03-18T02:00:00.000-07:00

Nos últimos meses uma enxurrada de filmes com a palavra “amor” invadiu os cinemas. “Amor Sem Escalas”, “Idas e Vindas no Amor”, “O Amor Acontece” e “O Amor Pede Passagem”. Quanta criatividade dos "tradutores". No meio dessas supostas comédias românticas se destacam um sensacional drama indicado ao Oscar e um bonitinho filme que agrada os apaixonados.

“O Amor Pede Passagem” é esse filme simpático citado no primeiro parágrafo. Na trama, Sue Claussen é uma executiva que, entre suas viagens de trabalho, se hospeda em um hotel de beira de estrada. Lá, ela conhece Mike, filho dos donos do local, que parece estar disposto a conquistá-la. O garoto apresenta problemas de sociabilidade e luta para que a charmosa e solitária hóspede lhe dê atenção.

A eterna fórmula dos filmes de romance funciona aqui, principalmente, pelo talento do ótimo Steve Zahn. A apática Jennifer Aniston até consegue tornar sua personagem interessante e entrega uma boa interpretação. O roteiro redondinho só peca por uma virada totalmente dispensável envolvendo um mosteiro budista. Do restante, a trama “tocante” e a boa química da dupla principal fortalecem essa produção simples e eficaz na sua proposta.

Nota: 7

Por Uma Vida Melhor

2010-03-16T12:47:00.001-07:00

Sam Mendes quer ser um cineasta plural. Ele já passeou pelos gêneros do drama (“Beleza Americana”, “Foi Apenas Um Sonho”), guerra (“Soldado Anônimo”) e noir (“Estrada Para a Perdição”). Agora chegou a vez de realizar um filme menor, com roupagem indie e proposta de cinema independente.

“Por Uma Vida Melhor” conta a história de um casal de trinta e poucos anos que está esperando um filho. Como os dois não possuem empregos fixos, decidem realizar uma viagem pelos Estados Unidos na busca do melhor lugar para construir uma família. Em uma espécie de “road movie”, a dupla passa de cidade em cidade visitando amigos e conhecidos.

O filme retrata uma geração de jovens com mais de trinta anos que se encontra sem formação acadêmica, sem emprego decente, sem perspectiva de um futuro melhor. São adultos perdidos que acabam acumulando obrigações sem ao menos saberem cuidar de si próprios. Esse casal que precisa de ajuda vai encontrar na jornada pessoas ainda mais problemáticas e bizarras que eles. Os personagens secundários falam tanto absurdos – e são tão caricaturais – que chegamos a achar que a sanidade está nos protagonistas.

Sam Mendes, que é um diretor renomado por seus filmes maduros, pisa na bola com essa produção simplória e sem graça. Não há como comparar os demais longas-metragens do cineasta com este último exemplar. Peca até mesmo nos principais quesitos: roteiro, atuações e direção. Mendes introduziu na sua brilhante filmografia um deslize imenso chamado “Por Uma Vida Melhor”. Cabe agora recompensar em um novo projeto.

Nota: 4

Abraços Partidos

2010-03-09T05:19:00.000-08:00

Após uma longa filmografia, o cinema de Almodóvar continua o mesmo: as cores berrantes se sobressaem, os personagens caricatos declamam suas barbaridades, os figurinos seguem extravagantes e as situações mesclam o exagero com a realidade. “Abraços Partidos” é definitivamente um filme do diretor. Considerado pelos críticos “uma obra menor de Almodóvar”, o longa-metragem pode ser comparado a um novelão, mas o importante é que somado a esse “drama mexicano” temos os elementos característicos (e tão adorados) do cineasta.

O filme inicia com duas narrativas, passado e presente, mostrando como o escritor Mateo Blanco ficou cego e perdeu Lena, o amor de sua vida. O roteiro escrito pelo próprio diretor é uma colcha de retalhos, que entrelaça vários personagens, e comprova o talento do realizador como um grande contador de histórias.

Almodóvar reuniu um time de atores com o qual já trabalhou diversas vezes (Penélope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo e Rossy de Palma). Esses rostos já são referências marcantes ao universo criado pelo diretor. Dessa vez, quem se destaca no elenco é Penélope com uma adorável imitação de Audrey Hepburn. Além dessa homenagem ao cinema, temos a apresentação da metalinguagem como elemento fundamental do roteiro. É nos sets de filmagem de um filme dirigido por Mateo (Homar), que ele conhece Lena (Cruz), uma atriz estreante e esposa do empresário que está financiando o projeto. Os dois imediatamente se apaixonam.

“Garotas & Malas” é esse filme dentro do filme, e Almodóvar cria uma auto-referenciação quando confere a essa “película” um visual kitsch e o humor digno de suas produções de início de carreira – algo semelhante a “Mulheres a Beira de Um Ataque de Nervos”. O contraste entre a realidade da trama principal de “Abraços Partidos” e o colorido vibrante de “Garotas & Malas” é evidente.

Tão importante quanto o texto, as imagens nos filmes do diretor representam um artifício gráfico de muita expressão no seu cinema. Nesse novo exemplar, ele realiza belas cenas que traduzem, sem diálogo algum, os sentimentos dos personagens. É o que acontece quando Lena e Mateo fazem sexo pela primeira vez e a câmera se liberta dos planos estáticos delirando de prazer junto deles. O mesmo já não ocorre quando ela tem que se deitar com o marido. As transições de cena também são elegantes, como aquela em que a imagem de uma pessoa descendo as escadas é suavemente transposta para um rolo de filme em execução.

“Abraços Partidos” vai apresentando mais camadas do que se imagina e suas histórias não parecem ter fim. Essa profusão de conflitos pode sugerir uma relação com os dramas de telenovelas. Porém, a comparação não chega a se concretizar porque Almodóvar estabelece uma embalagem refinada para o produto, centrando a história naquele seu universo pessoal e único que é tão bem conhecido e admirado.

Nota: 8

Rever filmes e o mistério dos Coen

2010-03-06T15:31:00.000-08:00

Já me aconteceu de odiar um filme na primeira vez que assisti e em uma segunda exibição acabar gostando. Isso geralmente ocorre com filmes que vi quando era criança e não tinha maturidade para compreender temas voltados para uma platéia adulta.

Gosto de cinema desde muito pequeno. Vivia na locadora, assinava revistas de cinema, comprava outras publicações nas bancas de jornais, revestia as paredes do quarto com cartazes. Com essa paixão desde cedo, assisti com 10 anos “Despedida em Las Vegas”, 11 “Boggie Nights” e 13 “De Olhos Bem Fechados”. Todos filmes densos e difíceis. Óbvio que, na época, não gostei de nenhum. De lá para cá, se passaram quase dez anos e revi cada um deles. Foi como se eu nunca os tivesse assistido. Apreciei esses filmes com surpresa e fiz uma nova leitura. Às vezes isso acontece.

Agora, é mais difícil mudar de opinião em filmes recentes, quando se assiste novamente pouco tempo depois. O que pode ocorrer é passar a gostar mais de um filme que eu já gostava porque em uma segunda sessão pude reparar em outros detalhes. De vez em quando sinto essa necessidade de rever algumas produções que não gostei muito. É o caso de “Um Homem Sério”, indicado ao Oscar e ovacionado pelos críticos. Odiei o filme. O pior filme dos Coen que eu assisti. Filme chato. Parado. Sem originalidade. Atrativos zero.

Acabo sentindo uma obrigação de rever esses filmes para tentar descobrir o que outros tanto gostaram. Assistir com um novo olhar, ir disposto a embarcar no filme e desprender de preconceitos – algo que sempre deve ser feito. O problema é que algumas vezes a expectativa em torno do projeto fala mais alto e o longa-metragem resulta em uma decepção para o espectador.

No caso dos irmãos Joel e Ethan Coen, já vou confessando que não sou fã da dupla. Não gosto do cinema que eles fazem. Não acho que realizaram alguma obra-prima. O premiado “Onde os Fracos Não Tem Vez” apresentava um assassino bacana interpretado por Javier Barden e tinha a história baseada no romance de McComarc (e mal adaptado por sinal). “Queime Depois de Ler” rendeu algumas risadas e olhe lá. “Fargo” é interessante e talvez o melhor filme deles – briga com “Gosto de Sangue”. O restante da filmografia não me serve.

Pois é, tenho implicância mesmo. Não gosto do humor deles, dos finais interrompidos, das cenas sem propósitos, do ritmo lento quase parando, dos diálogos chatos. Parece que a dupla cria uma história para poder estragá-la no decorrer do filme. E o pior é que são aclamados por isso. O sucesso dos Coen é um mistério para mim. Vejo muita gente reclamar de seus filmes, principalmente o grande público. Uma opinião que vai ao contrário da dos críticos e dos festivais que lhe rasgam elogios e oferecem prêmios.

Depois desse falatório revoltado esclarecendo o meu parecer quanto aos irmãos cineastas, repito que gostaria de rever “Um Homem Sério”. Talvez por algum motivo desconhecido eu consiga enxergar o que alguns “cabeções” conseguiram. Como não vai dar tempo de conferir pela segunda vez antes da cerimônia do Oscar, deixo a crítica da primeira impressão que tive do filme. Convido você a encarar o desafio de assistir o filme e escolher o seu lado.

Um Homem Sério

2010-03-06T15:30:00.000-08:00

O novo exemplar dos irmãos Joel e Ethan Coen (“Onde os Fracos Não Tem Vez”, “Queime Depois de Ler”) é uma mistura de filme “tudo dá errado na vida do protagonista” com “homem levado a loucura”. O coitado em questão é Larry Copnik, um professor de física casado e com dois filhos. Tudo ocorre normalmente na classe média até que sua mulher diz que tem um amante e quer o divórcio. Esse é o primeiro passo para tudo desabar.

Ao invés de criar uma história em que o personagem tem um “dia de fúria”, os diretores e também roteiristas preferem deixá-lo como um covarde que não faz nada para sair da pior, optando apenas em se aconselhar com rabinos. A estratégia pode até soar interessante mas não é bem executada. O ritmo do longa-metragem é lento, muitas cenas não levam a lugar algum e para variar a narrativa não é completada, ou seja, termina sem encerramento ou moral.

Um Homem Sério” é mais um filme dos Coen que deixa o público frustrado. O melhor do projeto é Michael Stuhlbarg (praticamente idêntico ao Joaquim Phoenix), que interpreta o personagem do título e tem um desempenho muito convincente. Fora isso, o longa-metragem encontra-se perdido e devendo muito em qualidade para os ótimos exemplares do Oscar deste ano.

Nota: 3

Apostas para o Oscar 2010

2010-03-05T10:26:00.000-08:00

O bolão para acertar os vencedores de cada categoria da 82ª cerimônia do Oscar já começou. Seguindo o modelo criado pelo crítico Pablo Villaça, as minhas apostas estão separadas em quem deve vencer, a explicação dessa escolha, o meu voto pessoal e quem eu não gostaria que levasse o prêmio para casa. A entrega das estatuetas acontece no dia 7 de março. Vamos aos lances!

MELHOR FILME

Avatar
Um Sonho Possível
Distrito 9
Educação
Guerra ao Terror
Bastardos Inglórios
Preciosa
Um Homem Sério
Amor sem Escalas
Up – Altas Aventuras

Vai vencer: “Avatar”

Explicando a escolha: A disputa está tensa esse ano. “Avatar” ou “Guerra ao Terror”? Enquanto as opiniões variam, já me decidi faz tempos em apoiar a superprodução de James Cameron. “Guerra ao Terror” é um filme tão mediano que não se compara ao esplendor criado pelo filme dos Navis.

Qual seria o meu voto: entre os dez indicados ficaria com “Amor Sem Escalas”, o meu preferido. Seguido depois de “Distrito 9” e “Bastardos Inglórios”.

Se vencer, eu mato um: “Guerra ao Terror” e “Um Homem Sério”. Nem deveriam estar entre os indicados.

MELHOR DIRETOR
Kathryn Bigelow (Guerra ao Terror)
James Cameron (Avatar)
Jason Reitman (Amor Sem Escalas)
Quentin Tarantino (Bastardos Inglórios)
Lee Daniels (Preciosa)

Vai vencer: Kathryn Bigelow

Explicando a escolha: Bigelow realizou um bom trabalho e deve se tornar a primeira diretora a vencer o Oscar. O curioso é imaginar uma mulher por trás de um filme como “Guerra ao Terror”.

Qual seria o meu voto: Quentin Tarantino que ainda não venceu e realmente merece.

Se vencer, eu mato um: não gostaria que “Guerra ao Terror” levasse prêmio algum, mas essa categoria é, na minha opinião, o ponto mais forte do filme.

MELHOR ATOR
Jeff Bridges (Coração Louco)
Morgan Freeman (Invictus)
Jeremy Renner (Guerra ao Terror)
George Clooney (Amor Sem Escalas)
Colin Firth (Direito de Amar)

Vai vencer: Jeff Bridges

Explicando a escolha: não assisti a “Coração Louco”, “Invictus” e “Direito de Amar”. Pelos boatos, o grande favorito é Bridges com sua interpretação de um músico fracassado que recupera a carreira – algo semelhante à “O Lutador” no Oscar passado. Ajuda o fato dele já ter sido indicado outras vezes.

Qual seria o meu voto: entre “Amor Sem Escalas” e “Guerra ao Terror”? adivinhem.

Se vencer, eu mato um: Jeremy Renner está bem no filme. É melhor se contentar com a indicação.

MELHOR ATRIZ
Sandra Bullock (Um Sonho Possível)
Meryl Streep (Julie & Julia)
Carey Mulligan (Educação)
Helen Mirren (The Last Station)
Gaboury Sidibe (Preciosa)

Vai vencer: Meryl Streep

Explicando a escolha: depois de 16 indicações e apenas três prêmios, Meryl Streep deve ser novamente consagrada. Fazem mais de vinte anos que a atriz levou seu último Oscar para casa. Em “Julie & Julia” ela mostra que é a grande dama do cinema e que sua concorrente, Sandra Bullock, tem ainda muito caminho a trilhar.

Qual seria o meu voto: Meryl Streep.

Se vencer, eu mato um: Esperava mais da atuação da “preciosa” Gaboury Sidibe.

MELHOR ATOR COADJUVANTE
Christoph Waltz (Bastardos Inglórios)
Woody Harrelson (O Mensageiro)
Matt Damon (Invictus)
Stanley Tucci (Um Olhar do Paraíso)
Christopher Plummer (The Last Station)

Vai vencer: Christoph Waltz

Explicando a escolha: abocanhou praticamente todos os prêmios de 2010 e deve repetir no Oscar. Não há quem assista “Bastardos Inglórios” e não fique impressionado com a performance do Coronel Landa.

Qual seria o meu voto: Heil, Hitler.

Se vencer, eu mato um: qualquer outro.

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE
Mo’Nique (Preciosa)
Anna Kendrick (Amor Sem Escalas)
Vera Farmiga (Amor Sem Escalas)
Maggie Gyllenhaal (Coração Louco)
Penelope Cruz (Nine)

Vai vencer: Mo´Nique

Explicando a escolha: Assim como Waltz é unanimidade na categoria de Ator Coadjuvante, Mo`Nique é uma das maiores barbadas da noite de domingo. O desempenho impressionante da atriz vale todo o filme.

Qual seria o meu voto: Mo´Nique.

Se vencer, eu mato um: qualquer outra.

MELHOR ROTEIRO ORIGINAL
Quentin Tarantino (Bastardos Inglórios)
Mark Boal (Guerra ao Terror)
Joel e Ethan Coen (Um Homem Sério)
Alessandro Camon e Oren Moverman (O Mensageiro)
Bob Peterson e Pete Docter (Up – Altas Aventuras)

Vai vencer: “Bastardos Inglórios”.

Explicando a escolha: o filme de Tarantino deve ser recompensado na categoria de roteiro original. Os demais concorrentes aparecem mais fracos na disputa.

Qual seria o meu voto: “Bastardos Inglórios”.

Se vencer, eu mato um: “Guerra ao Terror”.

MELHOR ROTEIRO ADAPTADO
Jason Reitman e Sheldon Turner (Amor Sem Escalas)
Neill Blomkamp (Distrito 9″)
Nick Hornby (Educação)
Geoffrey Fletcher (Preciosa)
Jesse Armstrong, Samon Blackwell, Armando Iannucci e Tony Roche (In the Loop)

Vai vencer: “Amor Sem Escalas”

Explicando a escolha: o roteiro de “Amor Sem Escalas” é o ponto alto do filme e deve ser agraciado. Na briga, o excelente “Distrito 9” pode surpreender, porém a Academia é muito conservadora para premiar uma ficção científica.

Qual seria o meu voto: “Amor Sem Escalas”.

Se vencer, eu mato um: “Preciosa” é menor perante os demais candidatos.

MELHOR ANIMAÇÃO
Coraline e o Mundo Secreto
O Fantástico Sr. Raposo
A Princesa e o Sapo
The Secret of Kells
Up – Altas Aventuras

Vai vencer: “Up – Altas Aventuras”

Explicando a escolha: “Up” é mais uma das barbadas da noite. Foi indicado a Melhor Filme enquanto as demais animações não. Se perder é porque a Academia está ficando com Alzheimer.

Qual seria o meu voto: “O Fantástico Sr. Raposo”. Sou fã do Wes Anderson.

Se vencer, eu mato um: “Coraline” me decepcionou.

MELHOR DIREÇÃO DE ARTE

Rick Carter, Robert Stromberg, Kim Sinclair (Avatar)
Dave Warren, Anastasia Masaro, Caroline Smith (O Mundo Imáginário do Dr. Parnassus)
John Myhre, Gordon Sim (Nine)
Sarah Greenwood, Katie Spencer (Sherlock Holmes)
Patrice Vermette, Maggie Gray (The Young Victoria)

Vai vencer: “Avatar”.

Explicando a escolha: o mundo criado por James Cameron é um universo impressionante, que mescla elementos gráficos de cair o queixo com a densidade filosófica de crenças de um povo poderoso. Só isso deixa os demais concorrentes bem longe.

Qual seria o meu voto: “Nine”.

Se vencer, eu mato um: “The Young Victoria”. O filme é muito bom e tem uma direção de arte eficiente. Pode ficar contente com a indicação.

MELHOR FOTOGRAFIA
Mauro Fiore (Avatar)
Bruno Delbonnel (Harry Potter e o Enigma do Príncipe)
Barry Ackroyd (Guerra ao Terror)
Robert Richardson (Bastardos Inglórios)
Christian Berger (A Fita Branca)

Vai vencer: “Avatar”.

Explicando a escolha: ganhando o Oscar de Melhor Filme, a produção deve receber os demais prêmios em categorias técnicas - já que não concorre com roteiro e atores.

Qual seria o meu voto: “Bastardos Inglórios”.

Se vencer, eu mato um: “Guerra ao Terror”?

MELHOR FIGURINO
Janet Patterson (O Brilho de uma Estrela)
Catherine Leterrier (Coco Antes de Chanel)
Monique Prudhomme (O Mundo Imaginário do Dr. Parnassus)
Colleen Atwood (Nine)
Sandy Powell (The Young Victoria)

Vai vencer: O Mundo Imaginário do Dr. Parnassus

Explicando a escolha: “Coco Antes de Chanel” decepciona tanto como filme como nos figurinos da protagonista. Espero que não ganhe. “Nine” foi massacrado pelos críticos e não deve levar nada. “The Young Victoria” é apenas correto. “O Brilho de Uma Paixão” não assisti. Deixo a aposta para o universo fantástico do filme de Terry Gilliam.

Qual seria meu voto: “Nine”.

Se vencer, eu mato um: “Coco Antes de Chanel”.

MELHOR EDIÇÃO

Stephen Rivkin, John Refoua e James Cameron (Avatar)
Julian Clarke (Distrito 9)
Bob Murawski e Chris Innis (Guerra ao Terror)
Sally Menke (Bastardos Inglórios)
Joe Klotz (Preciosa)

Vai vencer: “Guerra ao Terror”

Explicando a escolha: “Avatar” e “Bastardos Inglórios” por serem extensos acabam se tornando levemente irregulares na montagem. “Guerra ao Terror” deve vencer por ser mais coerente e criar cenas tensas graças à sua edição.

Qual seria o meu voto: “Distrito 9” é redondinho.

Se vencer, eu mato um: sem mortes aqui.

MELHOR MAQUIAGEM
Aldo Signoretti e Vittorio Sodano (Il Divo)
Barney Burman, Mindy Hall e Joel Harlow (Star Trek)
Jon Henry Gordon e Jenny Shircore (The Young Victoria)

Vai vencer: “Star Trek”.

Explicando a escolha: por eliminatória. Não assisti “Il Divo” e “The Young Victoria” não apresenta revoluções na técnica.

Qual seria o meu voto: “Star Trek”.

Se vencer, eu mato um: sem mortes aqui.

MELHOR TRILHA ORIGINAL
James Horner (Avatar)
Alexandre Desplat (O Fantástico Sr. Raposo)
Marco Beltrami e Buck Sanders (Guerra ao Terror)
Hans Zimmer (Sherlock Holmes)
Michael Giacchino (Up – Altas Aventuras)

Vai vencer: “Up – Altas Aventuras”.

Explicando a escolha: pela sequencia inicial.

Qual seria o meu voto: “O Fantástico Sr. Raposo”. Perfeita trilha.

Se vencer, eu mato um: sem mortes aqui.

MELHOR CANÇÃO ORIGINAL
Almost There, de A Princesa e o Sapo (Música e Letra de Randy Newman
Down in New Orleans, de A Princesa e o Sapo (Música e Letra de Randy Newman
Loin de Paname, de Paris 36 (Música de Reinhardt Wagner; Letra de Frank Thomas)
Take It All, de Nine (Música e Letra de Maury Yeston)
The Weary Kind, de Coração Louco (Música e Letra de Ryan Bingham e T-Bone Burnett)

Vai vencer: “Coração Louco”.

Explicando a escolha: a música representa a superação do personagem de Bridges. Em relação aos demais, podemos descartar as músicas de “A Princesa e o Sapo”, enquanto “Take it All” é ótima, mas não o ápice de “Nine”.

Qual seria o meu voto: na falta de “Be Italian” ou “Cinema Italiano”, fico com a única representante do filme “Nine”.

Se vencer, eu mato um: sem mortes aqui.

MELHOR EDIÇÃO DE SOM
Christopher Boyes e Gwendolyn Yates Whittle (Avatar)
Paul N.J. Ottosson (Guerra ao Terror)
Wylie Stateman (Bastardos Inglórios)
Mark Stoeckinger e Alan Rankin (Star Trek)
Michael Silvers and Tom Myers (Up – Altas Aventuras)

Vai vencer: “Avatar”.

Explicando a escolha: você assistiu no cinema?

MELHOR MIXAGEM DE SOM
Christopher Boyes, Gary Summers, Andy Nelson e Tony Johnson (Avatar)
Paul N.J. Ottosson e Ray Beckett (Guerra ao Terror)
Michael Minkler, Tony Lamberti e Mark Ulano (Bastardos Inglórios)
Anna Behlmer, Andy Nelson e Peter J. Devlin (Star Trek)
Greg P. Russell, Gary Summers e Geoffrey Patterson (Transformers: A Vingança dos Derrotados)

Vai vencer: “Avatar”

MELHORES EFEITOS VISUAIS
Joe Letteri, Stephen Rosenbaum, Richard Baneham e Andrew R. Jones (Avatar)
Dan Kaufman, Peter Muyzers, Robert Habros e Matt Aitken (Distrito 9)
Roger Guyett, Russell Earl, Paul Kavanagh e Burt Dalton (Star Trek)

Vai vencer: “Avatar”

MELHOR FILME ESTRANGEIRO
Ajami (Israel)
El Secreto de Sus Ojos (Argentina)
A Teta Assustada (Peru)
O Profeta (France)
A Fita Branca (Alemanha)

Vai vencer: “A Fita Branca”.

Explicando a escolha: chegou a vez de premiar o cultuado diretor Michael Haneke.

MELHOR CURTA DE ANIMAÇÃO
French Roast, de Fabrice O. Joubert
Granny O’Grimm’s Sleeping Beauty, de Nicky Phelan e Darragh O’Connell
The Lady and the Reaper, de Javier Recio Gracia
Logorama, de Nicolas Schmerkin
A Matter of Loaf and Death, de Nick Park

Vai vencer: “French Roast”.

Explicando a escolha: A Academia gosta das histórias de Wallace & Gromit, mas espero que o fraquíssimo “A Matter of Loaf and Death” não ganhe. “Logorama” tem caráter cult e nerd. Duvido muito. “The Lady and the Reaper” tem animação e história no estilo "Looney Tunes". A dúvida é: “French Roast” ou “Granny O´Grimm´s Sleeping Beauty”. O primeiro é uma linda fábula. Fico com esse.

Qual seria o meu voto: “French Roast”, animação refinada e com moral.

Se vencer, eu mato um: “A Matter of Loaf and Death”.

MELHOR CURTA-METRAGEM DE FICÇÃO
The Door, de Juanita Wilson e James Flynn
Instead of Abracadabra, de Patrik Eklund e Mathias Fjellström
Kavi, de Gregg Helvey
Miracle Fish, de Luke Doolan e Drew Bailey
The New Tenants, de Joachim Back e Tivi Magnusson
Melhor Documentário
Burma VJ, de Anders Østergaard and Lise Lense-Møller
The Cove
Food, Inc., de Robert Kenner and Elise Pearlstein
The Most Dangerous Man in America: Daniel Ellsberg and the Pentagon Papers, de Judith Ehrlich and Rick Goldsmith
Which Way Home, de Rebecca Cammisa

MELHOR DOCUMENTÁRIO DE CURTA-METRAGEM
China’s Unnatural Disaster: The Tears of Sichuan Province, de Jon Alpert e Matthew O’Neill
The Last Campaign of Governor Booth Gardner, de Daniel Junge e Henry Ansbacher
The Last Truck: Closing of a GM Plant, de Steven Bognar e Julia Reichert
Music by Prudence, de Roger Ross Williams e Elinor Burkett
Rabbit à la Berlin, de Bartek Konopka e Anna Wydr

Prefiro não opinar quanto as categorias de curta-metragem e documentários. Não assisti nenhum.

A Caixa

2010-03-04T10:45:00.000-08:00

A ficção científica permeia os filmes de Richard Kelly. Em “Donnie Darko” temos a influência de viagens no tempo e em “Southland Tales” quem dita as regras é o apocalipse que se aproxima. No mais recente longa-metragem do diretor, “A Caixa”, não poderia ser diferente. O filme apresenta fortes tendências ao sci-fi, começando com o personagem de James Marsden, que trabalha para a NASA e ajudou a criar uma câmera fotográfica espacial. No decorrer do projeto várias dicas são dadas para unir esses elementos futuristas com a “resolução” do caso.

Baseado no conto “Buttons, Buttons” de Richard Mathenson (que também já deu origem a um episódio do seriado “Além da Imaginação”), o roteiro adaptado pelo próprio diretor gira em torno de um casal do subúrbio que recebe uma caixa misteriosa. Se eles apertarem o botão do objeto, ganharão a quantia de um milhão de dólares, mas ao mesmo tempo serão responsáveis pela morte de uma pessoa que eles não conhecem.

Unindo o suspense psicológico com a ficção científica, “A Caixa” assume um ritmo de urgência e deixa o espectador em estado de alerta. O filme convida a desvendar o que está por trás do objeto enigmático e também propõe debates filosóficos, sugerindo que apertamos botões como esse diariamente, não matando pessoas, mas demonstrando que cada um de nossos atos geram consequências.

O diretor Richard Kelly inicia a narrativa de forma lenta - como em um filme antigo - para aos poucos aumentar a tensão e deixar a nossa curiosidade em um grau bastante elevado. Cameron Diaz e James Marsden contribuem ao projeto porque são bons atores e fazem com que o público se importe com o casal em desvantagem. Frank Langella (“Frost/Nixon”) está realmente ameaçador como o encarregado pela caixa. O rosto deformado do seu personagem foi criado em computador e causa arrepios. Assim como esse, os efeitos especiais da produção são extremamente eficientes e elegantes.

Após duas horas, “A Caixa” termina e muitas perguntas ficarão sem resposta. O mistério é revelado, mas questões importantes para a história são deixadas de lado e podem gerar irritação no público que gosta de tudo bem explicado. Mesmo com essa fragilidade, não se desmerece a façanha de ter assistido a um filme instigante, tenso e, quem diria, atual. “A Caixa” é um filme diferente, como os outros do diretor.

Nota: 8

Um Sonho Possível

2010-03-02T11:31:00.001-08:00

Há dois anos sem lançar filme algum nos cinemas, Sandra Bullock volta com três produções em 2010 e termina o ano como a atriz mais rentável do período. Depois de algumas bombas (“Premonições”, “Miss Simpatia 2”, “A Casa do Lago”), a atriz apostou no seu terreno mais confiável – a comédia – e realizou “Maldita Paixão” e “A Proposta”, mas foi com o drama “Um Sonho Possível”, que ela confirmou seu carisma e entregou a melhor atuação de sua carreira.

No filme, Bullock interpreta Leigh Anne, uma dondoca que abriga o desamparado Michael em sua casa. Ele é um garoto negro, de quase dois metros de altura e com mais de 100kg. Sem casa ou família, ele é encontrado por Anne andando no acostamento da estrada em um dia de muito frio. Como todo filme sobre superação, o grandalhão é aceito pelo marido e os filhos da ricaça, melhora suas notas nas provas e passa a integrar o time de futebol americano da escola.

Baseado em uma história real, “Um Sonho Possível” ganha força por ser um filme verdadeiro. Caso contrário carregaria uma mensagem positiva exagerada, já que resolve os problemas do personagem marginalizado apenas lhe dando casa e amor. O roteiro utiliza um conflito banal (apresentado logo nas primeiras cenas quando retrocede no tempo) para tornar o projeto mais profundo. O ápice anunciado no início não faz jus ao mistério. O equilíbrio entre o sofrimento e as risadas torna a sessão descontraída, principalmente, pelas cenas envolvendo o Big Mike e seu irmão menor.

Sandra Bullock convence como uma socialite bonitona que realmente se importa com as minorias. Mesmo sendo uma atriz que leva mais jeito em comédias românticas, aqui ela se desvincula do gênero para entregar uma atuação interessante, pontuada por determinação e alguns sentimentos reprimidos – esses que nunca se revelam ao público. Sua personagem, Leigh Anne, aparece em diversos momentos evitando situações e saindo de cena abruptamente. A sensação é de que ela não suporta momentos de muita emoção. Por que? Apesar de ficarmos sem descobrir, essa característica torna a protagonista diferente e mais verdadeira.

Como todo “feel good movie”, a sessão termina em alto astral, com a platéia sentindo que também pode fazer a diferença. Na tela parece tão simples, mas na prática a situação não é bem assim.

Nota: 7,5

CinemaX: 4 anos

2010-03-01T10:32:00.000-08:00

O CinemaX está de aniversário. Em março, o blog completa quatro anos em atividade. Durante esse tempo, ocupou-se de publicar críticas sobre os filmes mais recentes e buscar desenvolver o senso crítico de seus leitores.

A primeira casa do CinemaX foi um site hospedado no programa GooglePages, que ficou em funcionamento durante 2006 e 2007. No primeiro ano foram realizadas 24 postagens e no segundo o número subiu para 70. O endereço ainda está ativo, basta clicar no link para conferir a origem do primeiro CinemaX. De lá para cá, uma evolução. Ainda bem.

Esse primeiro projeto contava também com as sessões “Lançamentos em DVD” (resenha dos principais filmes do mês a chegarem nas locadoras), “Boletim dos Filmes” (lista mensal de todos os longas assistidos com sua devida ficha técnica e nota) e “Notícias de Cinema” (matérias jornalísticas sobre as novidades que em breve entrariam em cartaz).

Conforme algumas limitações (número restrito de postagens, interface complicada, endereço extenso), o CinemaX foi transferido para o Blogger e uma nova etapa iniciou. O “ambiente” possibilitava a realização de enquetes, envio de feeds, comentários dos leitores, contagem dos acessos e um layout mais organizado. Nesse formato, o blog seguiu por mais dois anos (2008 e 2009) e publicou - até o momento - 179 críticas.

Quatro anos depois da primeira publicação, o CinemaX comemora a data mudando o seu layout para um visual clean e moderno. Há pouco tempo, o blog tinha recebido um logotipo, agora conta também com uma identidade visual, marcada pelo azul, vermelho e branco.

Aproveitando o espaço de comemoração, quero agradecer aos leitores que acessam diariamente o blog e me dão motivo para seguir publicando. Peço que sigam comentando os posts. O espaço de discussão é aberto para todos que querem conversar sobre cinema. É com muita satisfação que vejo os comentários de publicações como “Sem Medo de Morrer”, nos quais foram travadas várias hipóteses para o final do filme.

Também não poderia deixar de citar algumas pessoas que me ajudaram na elaboração do CinemaX: primeiramente, à professora Raquel Recuero, uma grande incentivadora de projetos acadêmicos voltados ao jornalismo digital, à Gabriela Zago que me auxiliou no comando das ferramentas do GooglePages e, por fim, ao meu colega e amigo Marcos Leivas, que na época tinha um blog de crônicas bastante acessado (“Palavra de Guri”) e que me deu o empurrão que faltava para criar o meu.

Obrigado à todos e bons filmes.

Max Cirne

Uma Mãe em Apuros

2010-02-26T11:52:00.001-08:00

Todos nós sabemos que as crianças são seres endiabrados e precisam de monitoramento 24 horas. Justamente pela intensa dedicação, as mães acabam abdicando do campo profissional e da vida social para poder cuidar de suas crias. “Uma Mãe em Apuros” aborda essa questão: Eliza abandona sua promissora carreira como escritora para cuidar da casa, do marido e dos dois filhos. Durante o longa, acompanhamos um dia na vida da protagonista, que tenta levar as crianças para a escola, passear com o cachorro, fazer compras, ajudar a vizinha idosa e organizar uma festa de aniversário para a filha no final da tarde.

Vendida como comédia, a produção engana quem está à procura de um passatempo divertido no estilo de “Um Tira no Jardim de Infância” ou “Operação Babá”. Praticamente um drama, o filme observa Uma Thurman sempre descabelada, suada e quase tendo um infarto orque tudo resolveu dar errado. É difícil acreditar que todos os dias de sua vida são assim. As situações são tão estressantes e fora do comum que a lei de Murphy certamente foi aplicada com rigor para sacanear a personagem.

“Uma Mãe em Apuros” ao invés de tratar o assunto de forma verdadeira ou com humor, prefere criar acontecimentos forçados para tentar afirmar que as mães urbanas são “heroínas”. O exagero está presente nas atitudes inconseqüentes de Eliza como, por exemplo, quando ela resolve colocar na internet que sua melhor amiga se masturba com os brinquedos do filho ou então quando ela discute com os vizinhos por não ter tempo de limpar da calçada as necessidades do seu cachorro ou ainda quando briga no trânsito porque ela está trancando a rua e não quer sair.

Seguindo nessa linha, as demais situações também são sofríveis e pouco reais. O roteiro utiliza o recurso da personagem ter um blog para poder desenvolver os seus conflitos de “jovem mamãe”. Essa técnica foi incorporada com êxito no seriado “Sex and the City” e até mesmo no recente filme “Julie & Julia” – porque são elementos vitais para o andamento da narrativa. Aqui, é uma preguiça do texto que prefere trabalhar os problemas através de narrações tediosas. Para completar o acúmulo de insatisfações, ao término, tudo se encaminha para o clássico “final feliz” renunciando os problemas que Eliza vivenciou pouco tempo antes. Tenha dó.

Nota: 2

Mary and Max

2010-02-24T05:18:00.000-08:00

2009 foi um ótimo ano para as animações voltadas ao público adulto. Se não bastasse o adorável e familiar “Up – Altas Aventuras”, recebemos também a excelente surpresa “O Fantástico Sr. Raposo”, no qual Wes Anderson transportou seu universo particular para o formato animado. Entre os três, “Mary and Max” é o longa mais adulto.

Baseado em uma história real, o roteiro de Adam Elliot (também diretor) conta a história de uma menina de oito anos que se corresponde através de cartas com um homem de 44. Ambos solitários e com problemas de encarar o mundo, eles se identificam rapidamente, tornando-se amigos e mantendo essa relação por muito tempo.

Narrado praticamente do início ao fim, “Mary and Max” apresenta diálogos mínimos e consegue com o artifício pouco usual da narração ininterrupta deixar o filme interessante e ágil. A fotografia predominantemente ancorada no preto e branco (com leves toques de vermelho) traduz a visão que os personagens possuem do mundo. Ao contrário das formas fofinhas das demais animações, os personagens aqui possuem traços oblíquos e “gordurosos”, transformando-os em seres estranhos e feios.

O conteúdo "pesado” para um público infantil (autismo, suicídio, alcoolismo, diferença sexual, obesidade) coloca a animação em um patamar mais elevado. Os personagens do título são duas crianças (independente da idade) com problemas sociais graves e que encontram um no outro a força de seguir seus dias sem encontrar uma compreensão maior. “Mary and Max” realiza uma exaltação à amizade e encerra como uma linda história de vida. Apesar de bastante elogiado e vencedor de alguns prêmios, o filme foi ignorado pela Academia. O destino é virar “cult”.

Nota: 8

Nine

2010-02-22T11:47:00.000-08:00

Rob Marshall retornou ao gênero que lhe consagrou em 2002 com o filme “Chicago”, vencedor de cinco Oscar. “Nine”, na verdade, é um musical da Broadway encenado desde 1982 e baseado no filme “8 ½” de Fellini. A missão do diretor era transpor para as telas a versão dos palcos com muito mais glamour, cortes, coreografias e astros do cinema.

Assim como na obra original, a trama gira em torno de Guido Contini, cineasta famoso que cometeu dois fracassos retumbantes nos últimos anos. O próximo filme é um épico sobre o seu país de origem, a Itália, e é com esse projeto que vem a chance de voltar aos holofotes. Conforme a produção técnica vai definindo os cenários, figurinos, casting e outros detalhes, o diretor que ainda não apresentou o roteiro a ninguém sofre com dificuldades de desenvolver a primeira linha do texto.

A crise de Guido reflete na sua carreira, nas mulheres de sua vida e, conseqüentemente, no roteiro do seu novo filme. Para realizar a obra cinematográfica, primeiro ele terá que lidar com as desconfianças da sua esposa (Marion Cotillard), o fogo incontrolável da amante (Penélope Cruz) e a sedução das fãs (Kate Hudson). Tentando sobreviver em meio ao caos, o personagem volta e meia conversa com o fantasma da mãe (Sophia Loren), relembra fatos determinantes para o seu crescimento, como a primeira experiência com a sensualidade feminina (Fergie) e escuta atentamente os conselhos de uma amiga de anos (Judi Dench).

Guido é estereótipo do homem italiano: másculo, sedutor, bem sucedido e de muitas mulheres. Seria essa a mensagem da música mais marcante do longa: “Be Italian” representada pela cantora do Black Eyed Peas. Tentando ser algo além de sua capacidade, o Guido de Rob Marshall vai mergulhando em um abismo, passando de mulher para mulher, e assim as perdendo. A redenção vai depender do que ele absorver dessa jornada.

Os números musicais pontuam a narrativa para que possamos compreender melhor a angústia de Guido e os desejos das representantes femininas. Na maior parte das vezes essas intervenções chegam através de sonhos, fantasias e alucinações, acrescentando ao desenrolar da história. As músicas enriquecem o drama dos personagens e completam as emoções de cada, sem apelar para transições bruscas entre o real e o fantasioso.

A quantidade elevada de personagens, em certos momentos, prejudica o andamento da trama, já que não encontra soluções para todos eles. Apesar de o foco ser em Guido, as figuras que passam por sua vida tornam-se mais interessantes que o próprio protagonista. O ritmo da produção também é enfraquecido com as mudanças de tramas, justamente porque umas são de presença vital e outras nem tanto assim.

Em contrapartida, o time de estrelas encanta a platéia: Daniel Day-Lewis incorpora o cineasta em crise com perfeição; Nicole Kidman está radiante como a estrela de “Itália”; Kate Hudson requebra e seduz tanto Guido como o espectador; Sophia Loren esbanja a elegância e o charme da mulher italiana; Judi Dench mostra que sabe encarar um número musical com muito esplendor; Penélope Cruz tem verve de sobra para ser o caso picante de Guido; Marion Cotillard emprega emoção e delicadeza à personagem mais bem construída e Fergie completa o time com uma interpretação intensa e extremamente sensual.

Acompanhando o poder hipnótico desse time de beldades, o figurino e os cenários deslumbrantes encaixam-se primorosamente com as seqüências musicais. A fotografia do filme também é um destaque à parte, abusando de tons de rosa e roxo, alterando colorido com preto e branco e realizando jogos de luz e sombras para dar um visual refinado e condizente ao glamour do mundo do cinema. O trabalho de edição, com muitos cortes e em sintonia com as batidas das músicas, merece ser salientado.

A direção de Rob Marshall e o estilo que conferiu ao projeto são semelhantes ao de “Chicago”. A nova produção, infelizmente, peca com o seu desenvolvimento irregular, mas possui atributos inegáveis – como todos aqueles já citados – que o tornam igualmente fascinante. Encarando assim, “Nine” pode ser sexy, contagiante, belo e emocionante. Um espetáculo do início ao fim. Basta deixar-se levar pelo ritmo da música.

Nota: 9

Simplesmente Complicado

2010-02-20T10:46:00.000-08:00

A diretora Nancy Meyers, de “Alguém Tem Que Ceder”, retoma o amor na maturidade com um trio protagonista de peso: Meryl Streep, Alec Baldwin e Steve Martin. O triângulo amoroso rende uma comédia divertida que não foge da linha dos outros filmes da diretora: açúcar, risadas e drama.

Meryl interpreta Jane, uma mulher independente, dona de uma padaria, mãe de três filhos e divorciada. Após um longo período sem se envolver em relacionamentos amorosos, eis que surgem dois homens em sua vida: o charmoso arquiteto Adam (Martin) e o retorno do ex-marido Jake (Baldwin). Embora trabalhe com questões comuns entre as mulheres dessa idade, o terreno do jogo é a comédia e isso fica claro quando o roteiro introduz elementos artificiais justamente para provocar risadas.

A briga entre o real e o inverossímil acontece até o encerramento do filme. A cena em que o triângulo é descoberto, por exemplo, parece ter sido escrita para um filme de humor pastelão. O filme perde seu rumo perto do final quando deixa a balança pender para o lado do melodrama. Alguém consegue “engolir” que após dez anos os filhos de Jane e Jake ainda não superaram o divórcio dos pais?

Beneficiado pela presença da ótima Meryl Streep, “Simplesmente Complicado” deixa passar alguns deslizes que acabam mascarados pela competência da atriz. Ela e Alec Baldwin são responsáveis pela melhores cenas, já que apresentam uma boa química. Enquanto isso, Steve Martin parece perdido no projeto com uma constante expressão de “cachorro abandonado”. Ao término, a comédia romântica cumpre a proposta: agrada o público que possui a mesma faixa etária dos protagonistas, e de quebra, rende entretenimento leve e engraçado para as demais idades.

Nota: 7

O Fim da Escuridão

2010-02-18T11:56:00.000-08:00

Depois de oito anos sem aparecer frente às câmeras, Mel Gibson volta a atuar em um filme de ação e mostra que, além das rugas e do cabelo grisalho, ainda tem força para “segurar” um filme sozinho. Nesse período afastado, o astro comandou dois longas polêmicos (“A Paixão de Cristo” e “Apocalypto”) e se envolveu em escândalos por ter realizado comentários anti-semitistas durante uma bebedeira. Com “O Fim da Escuridão”, o ator comprova que sua força continua inalterada na indústria do cinema.

Baseado em uma minissérie britânica de 1985, o roteiro é sobre um policial que vai ao seu próprio limite para vingar a morte da filha. A trama manjada segue a cartilha dos filmes do gênero, utilizando a mesma história de sempre com elementos variados – no caso, uma grande empresa está por trás de um esquema que envolve armas nucleares. O tema levemente complicado aproxima-se ainda de tramas políticas e deixa o espectador comum por oras distante. Para capturar a atenção do público, o diretor investe em cenas de ação violentas e chocantes – sempre bem-vindas.

Ao contrário do que promete, o filme não é recheado de tiroteios e lutas. O diretor Martin Campbell dá um ritmo lento para sua obra, carregando em diálogos e informação, que por vezes recebe intervenções de violência abrupta. O pai interpretado por Gibson entra para a galeria dos “homens vingadores” já construídos pelo ator, estes definidos pelo olhar penetrante, cara de mau e obsessão em descobrir os culpados.

Desconsiderando o encerramento “feliz” extremamente forçado, “O Fim da Escuridão” é um bom filme, que na maioria das vezes, soa realista principalmente pelo tom adotado na narrativa e pela presença de um ator que sabe captar a atenção do público - mesmo depois de quase uma década sem dar as caras.

Nota: 6,9

Amor Sem Escalas

2010-02-05T07:42:00.000-08:00

Depois de explorar o universo adolescente em “Juno”, o diretor Jason Reitman explora o ser humano e suas relações sociais em filme adulto com roteiro brilhante. George Clooney interpreta Ryan Bingham, profissional contratado por firmas que precisam demitir seus funcionários e não tem coragem para isso. Assim, ele viaja por todo os Estados Unidos demitindo pessoas.

Ryan é experiente no assunto: possui técnicas para cada situação, teorias comprovadas, confiança em suas atitudes e lábia na medida certa. Ele demite qualquer pessoa dando um show de segurança e motivação. Eis que surge a jovem Natalie (Anna Kendrick) no seu caminho, uma funcionária queridinha do chefe que sugere o sistema de demissão por teleconferência. A novidade é recebida positivamente pela empresa e as passagens aéreas de Bingham parecem estar com os dias contados.

Procurando provar para o seu chefe que a proposta não funciona, o astuto “demitidor” deve realizar suas viagens padrões acompanhado de Natalie. A jornada pelas várias cidades revela muitas descobertas para ambos personagens, que também recebem como integrante do time uma bela executiva (Vera Farmiga) que, assim como Bingham, passa mais dentro de um avião do que em sua própria casa.

Baseado em um livro, o roteiro adaptado de Sheldon Turner e do próprio diretor fala sobre o individualismo da sociedade moderna e a inevitável solidão que esse meio propicia. Orgulhoso das intermináveis milhas de viagem, o personagem de Clooney passa a reavaliar esse hobby de colecionar horas de vôo e pensar que ao estar “up in the air” todo o tempo, ele não tem chance de conviver com sua família, de ter namoradas e, muito menos, poder casar um dia. O roteiro inteligente e de ironia mordaz trabalha com a rivalidade do amor x trabalho sem ser piegas.

O trio principal personifica esses personagens de forma verdadeira e, por conseqüência, entregam um entrosamento perfeito em cena. O diretor Jason demonstra que conhece cada detalhe da história que quer contar e seu perfeccionismo leva a construção do melhor filme de sua carreira até agora. Sorte dele, que revela-se um diretor maduro e de grande potencial, e do espectador que poderá assistir produções corajosas e espertas sobre incertezas que assombram todos nós.

Nota: 9

Julie & Julia

2010-02-04T11:09:00.000-08:00

A gastronomia já foi bastante explorada no cinema e a continua dando bons frutos, como este “Julie & Julia”. O filme baseado em uma história real trabalha com duas linhas narrativas: no passado, conhecemos a fantástica revolução gastronômica proposta por Julia Child, americana residente em Paris que cria e importa receitas francesas para o cardápio das donas-de-casa de seu país de origem. No presente, Julie Powell é uma grande admiradora dos livros e programas televisivos de Child. Para fugir de uma crise depressiva que se anuncia, ela encara o desafio de cozinhar as 524 receitas do livro de sua grande inspiração no espaço de um ano - e relata estas experiências em um blog.

A produção representa uma biografia inusitada, uma vez que conta a vida de Julia e ainda trabalha com o conceito de “professora” e “aluna” em diferentes épocas, colocando lado a lado as duas figuras femininas, sem deixar de comparar suas semelhanças e detalhar as descobertas de cada. A forma como o roteiro equilibra as duas tramas torna o filme ainda mais fascinante e dá uma lição de vida em ambas partes.

A diretora Nora Ephron, consagrada em comédias românticas, consegue dar suavidade e ritmo a um filme dramático, deixando o tom leve e agradável. Quanto as atrizes, Meryl Streep (sempre impecável) vive magistralmente a adorável Julia Child e Amy Adams dá conta de dividir o papel de protagonista com o ícone do cinema. Bon appetite!

Nota: 8

Trama Internacional

2010-02-03T11:37:00.000-08:00

Clive Owen pode não ter sido escalado para viver o James Bond dos anos 2000, mas certamente tem todos os requisitos necessários para interpretar agentes secretos de forma convincente. “Duplicidade”, “Mandando Bala” e “Vingança Final” estão aí para comprovar. Em “Trama Internacional”, ele assume mais um desses cargos e, junto de Naomi Watts, investiga as atividades ilegais de um dos mais poderosos bancos do mundo. A dupla percorre o globo, passando por Berlin, Milão, Nova York e Istanbul.

A câmera de Tom Tykwer valoriza a arquitetura das cidades modernas ao mesmo tempo que dá forma a um thriller à moda antiga, trocando a linguagem acelerada tão presente nos novos exemplares de ação por cenas mais pontuais e discursivas. A sequência de maior adrenalina do longa se passa no museu Guggenhein e já entrou na lista das melhores do gênero.

Nota: 7

Cold Souls

2010-02-02T12:00:00.000-08:00

“Cold Souls” é a prova de que um belo cartaz vende um filme. As diversas faces de Paul Giamatti no pôster anunciavam um novo filme-cabeça, ao estilo de “Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças”. Os primeiros minutos até condizem com a estratégia de marketing: ator depressivo recorre a um programa diferente para extrair sua alma e deixar de sofrer. Ele não se acostuma em viver praticamente sem emoções e quer sua alma de volta.

O plot é bastante curioso. A desvantagem é que a narrativa lenta não apresenta novos atrativos e passa a encontrar dificuldades na tentativa de sustentar o seu argumento principal. “Cold Souls” tinha uma idéia original, mas morre na praia porque não consegue ser tão ousado e inventivo quanto seu desenvolvimento inicial.

Nota: 3,5

Vício Frenético

2010-02-01T10:29:00.000-08:00

Após ter praticamente destruído sua carreira com os projetos mais recentes (“Presságio”, “O Vidente”, “Perigo em Bangkok”, “O Sacrifício”, “Motoqueiro Fantasma”), o astro Nicolas Cage teve a chance de sair por cima com a refilmagem de um filme policial dos anos 90 que recebeu uma modernização pelo diretor Werner Herzog.

“Vício Frenético” inicia com o caso de uma família de angolanos assassinada em um bairro “barra pesada” de Nova Orleans. Tudo indica que o motivo esteja relacionado ao tráfico de drogas. Lentamente, a investigação é deixada de lado e quem ganha destaque são os conflitos do personagem de Cage.

O tira extremamente violento e drogado deveria ser um papel desafiador para o veterano ator, provocando sua capacidade inquestionável vista em filmes como “Despedida em Lãs Vegas” e “O Sol de Cada Manhã”. Cage realmente parece estar se esforçando em cena, mas o seu empenho apenas resulta em uma atuação razoável. Dificultando ainda mais, sua companheira na tela, Eva Mendes - além de atuar sempre o mesmo personagem (a gostosona) – faz o par romântico do protagonista deixando explícito que lhe faltam muitas aulas de interpretação.

A direção “quadrada” do diretor não investe em ousadias e o roteiro banal também não contribui. Dificilmente vai ser com esse filme que o astro receberá seu prestígio de volta.

Nota: 4,5

O Amor Acontece

2010-01-31T11:48:00.000-08:00

Existe uma teoria de que a primeira frase de um livro ou filme define a obra. Pensando nessa linha de raciocínio, a primeira frase de “O Amor Acontece” traduz bem a sua experiência como entretenimento: “quando a vida te dá limões, você pode ficar chateado ou fazer uma limonada”. Não a interprete no sentido de tentar tirar algum proveito da sessão. A questão é que essa frase é tão batida e simplória que representa com exatidão o conteúdo do filme.

Aaron Eckhart interpreta um homem que perdeu a esposa em um acidente de carro e, para amenizar a sua dor, decidiu escrever um livro sobre o assunto. Ao contrário do que planejava, seu livro se torna um best-seller e ele começa a dar palestras motivacionais. Em um desses encontros, ele conhece a personagem de Jennifer Aniston, uma florista independente à procura de um novo amor.

O filme leva quase duas horas para chegar na cena que exemplifica justamente o que o título diz. Não é óbvio? O problema é que no caminho somos obrigados a aturar as insuportáveis palestras de superação dadas pelo personagem masculino e o seu trauma com a morte da esposa. Ainda pior são os conflitos sem sentimentos, os diálogos pobres, o romance sem química e alguns momentos forçados de emoção. Assim, é fácil certificar que, ao menos, “a diversão do espectador não acontece”.

Nota: 3

A Trilha

2010-01-30T11:55:00.000-08:00

A busca por um desfecho surpreendente acaba sendo responsável por roteiros que traem seus elementos fundamentais e terminam gerando algumas aberrações cinematográficas. No caso de “A Trilha”, o filme não chega ao ponto de ser um espetáculo bizarro, mas está longe de ser decente.

Aparentemente é um filme comum: casal de turistas aproveita sua lua de mel em Honolulu justamente no período que uma onda de crimes anda acontecendo na região. O jogo inverte próximo do final com uma tradicional reviravolta. O que deveria “pegar” o espectador de surpresa realmente o faz, porque não dá para acreditar no rumo que a história toma.

O diretor David Twohy investe em belas imagens do Hawaii (ponto positivo) e cria cenas de ação que não funcionam ao realizá-las com cortes rápidos e divisão da tela em vários quadros (ponto negativo). O elenco levemente conhecido (Milla Jovovich e Timothy Olympat) embarca na “aventura” com gosto. O desperdício é assistir o ótimo Steve Zahn envolvido na produção.

Nota: 4

Educação

2010-01-28T06:22:00.000-08:00

Nick Horny é escritor inglês cuja principal influência é a cultura pop e o humor sarcástico. Suas obras literárias mais conhecidas são: “Alta Fidelidade” e “Um Grande Garoto”, ambas adaptadas para o cinema. “Educação” é o seu primeiro texto escrito especialmente para o cinema.

No subúrbio londrino de 1960 vive Jenny, uma garota reprimida pelos pais e educada desde criança para dedicar-se exclusivamente aos estudos e, assim, ser aceita na Universidade de Oxford. Os planos fogem do controle quando o sedutor David lhe dá uma simples carona de carro e, aos poucos, ele passa a mostrar uma vida boêmia com idas a restaurantes, concertos musicais, “nightclubs” e viagens ao exterior.

O roteiro oferece um caso específico para conversar sobre a formação dos adolescentes e a importante influência daqueles que os cercam. A diretora Lone Scherfig acompanha sua protagonista com segurança e consegue boas atuações do elenco. Pode faltar as principais características do autor (referências pop e ironia) – o que é uma pena - mas “Educação” segue sendo um bom e interessante entretenimento.

Nota: 7,5

Adam

2010-01-27T12:36:00.000-08:00

Adam é portador da Síndrome de Asperger, uma doença semelhante ao autismo que pode causar dificuldade na interação social, falta de empatia, interpretação literal das coisas, e outros sintomas. Após perder o pai, ele se vê desamparado, sem alguém para ajudá-lo nas atividades diárias. Essa carência é preenchida com a presença de uma jovem e simpática vizinha que recentemente mudou-se para o prédio.

Apesar de abordar um tema interessante e pouco conhecido, o filme não discute a situação de Adam com a doença. O espectador testemunha apenas a representação de uma pessoa com dificuldades de se comunicar e termina não sabendo muito além disso. Adam está na frente da câmera, mas é difícil entender o que se passa com ele. A produção não aprofunda o assunto e deixa o motivo central do projeto esvair-se para camadas mais superficiais, direcionando o foco nos olhares vazios de Hugh Dancy (esforçando-se por prêmios) e na tentativa de romance do seu personagem.

O roteiro é tão pouco inspirado que cria tramas secundárias envolvendo os pais da namorada para aumentar a duração e gerar mais conflitos na trama. O conjunto desses elementos é tão insosso, que “Adam” não desperta sentimentos fortes, apenas indiferença.

Nota: 5,0

Sinédoque, Nova York

2009-12-28T11:47:00.000-08:00

Assistir “Sinédoque, Nova York” não é tarefa fácil. Digo isso porque fui muito bem informado a respeito do filme e, já sabia de antemão que a realidade era distorcida conforme a visão do personagem de Phillip Seymor Hoffman. Assim, tinha conhecimento prévio da casa que está em chamas eternas (e qual era sua metáfora), sabia que o personagem central iria interagir com seu alter-ego personificado na figura de um idoso chamado Sammy, sabia também da passagem brusca do tempo, das várias mulheres na vida do protagonista e de sua obsessão sem limites com a idéia da morte. Mesmo com todas essas informações e outras mais, chegou um ponto em que perdi a direção do que estava vendo na tela.

O filme começa mostrando o relacionamento familiar de Caden com sua esposa e filha. Os diálogos e o desenvolvimento das cenas são originais e de um humor negro excelente, ganhando de imediato a confiança dos fãs do roteirista consagrado (e agora diretor) Charlie Kaufman. A narrativa avança cada vez mais interessante, porém, quando beira a metade do filme o espectador “normal” começa a ter dificuldades na tentiva de acompanhar os delírios do protagonista. Quanto mais se aproxima do final, mais confusa se torna a compreensão do que está sendo exibido.

Ao embarcar na proposta de “Sinédoque, Nova York” – assim como os demais filmes do roteirista – é preciso saber que não se trata de um filme convencional. Kauffman ganhou a admiração através dos ótimos “Quero Ser John Malkovich”, “Adaptação” e de sua obra-prima “Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças”. Nenhum deles é um longa-metragem padrão. Assim como essas criações, “Sinédoque” apresenta questões muito interessantes, como a eminência da morte, as realizações pessoais e o sentido da vida. O problema é a forma densa e confusa como esse conteúdo é compartilhado, afastando gradativamente o espectador de um contato maior com a película.

É difícil acreditar que no site IMDB a produção consta com nota 7,3 através de mais de 14 mil votos. Esse dado comprova que boa parte das pessoas gostaram do projeto (mesmo se tratando de um “filme-cabeça”). Será que realmente elas entenderam alguma coisa? Não quero fazer campanha para deixarem bem mastigado tudo que é apresentado na história (até porque sou contra), mas pelo menos peço que o roteiro seja ao menos compreensível. Por isso, ao término da sessão de “Sinédoque, Nova York” fiquei com a sensação de que perdi um grande filme. Talvez assistindo uma segunda vez seja mais elucidativo.

Nota: 6,5

Zumbilândia

2009-12-24T12:51:00.000-08:00

Os zumbis estão comumente empapados pelo sangue de suas vítimas, perambulam famintos em busca de carne fresca, são capazes de transformar qualquer pessoa em um de seus semelhantes com apenas uma mordida e, além de tudo, são mortos-vivos devoradores de miolos. Com todas essas características, eles possuem requisitos suficientes para serem considerados assustadores.

A imagem dessas criaturas mudou quando, em 2004, foi lançado o filme “Todo Mundo Quase Morto”, que ridicularizava a classe zumbi, classificando-os como seres patéticos, lerdos e tão pouco ameaçadores. Na seqüência uma série de filmes aproveitou para inserir os monstrengos em comédias, vide “Fido – O Mascote”.

“Zumbilândia” utiliza os mortos-vivos para provocar o riso e aumentar a adrenalina do espectador. No filme, o planeta foi dominado por essas aberrações e as quatro únicas pessoas que parecem não ter sido infectadas se juntam para lutar pela sobrevivência. Essa mistura de comédia com ação proporciona um filme divertido, que satiriza com os clichês e os filmes de terror que não assustam ninguém. A linguagem da produção atrai pelo estilo acelerado e explícito, que pode ser comprovado logo no início com a explicação das regras de como se prevenir de um ataque de zumbi.

Destaque para o engraçado Tallahasse, matador “profissional” das criaturas e interpretado pelo doidão Woody Harrelson. A participação de Bill Murray também rende bons momentos.

Nota: 7,6

Avatar

2009-12-21T17:25:00.000-08:00

Fã confesso de ficção científica, o diretor James Cameron vem tentando realizar sua obra mais grandiosa desde os meados da década de 90. Após o sucesso de “Titanic” parecia que “Avatar” finalmente ganharia a vida. O que atrasou a concretização foi o aprimoramento de uma tecnologia avançada suficiente para criar um ecossistema completo de plantas e animais, no qual um povo nativo com uma rica cultura e linguagem poderia soar verdadeiro.

A responsabilidade era grande para um dos filmes mais aguardados de todos os tempos, e o veredicto foi dado na estréia mundial da superprodução no dia 18 de dezembro de 2009. “Avatar” é uma experiência fantástica, de um visual deslumbrante e jamais visto na história do cinema. A tribo dos Navi´s, criada no sistema de captura de imagens semelhante ao de Gollum do “O Senhor dos Anéis”, imprime realidade absurda aos seres extraterrestres azuis e, quando os coloca interagindo com os humanos comprova sua perfeição.

O mundo criado por James Cameron é um universo impressionante, que mescla elementos gráficos de cair o queixo, como a variedade infinita de criaturas, com a densidade filosófica de crenças de um povo poderoso. O início do filme é justamente para apresentar essa civilização e seus costumes, e aos poucos, vão sendo introduzidas pinceladas da guerra que se anuncia.A longa duração do filme pode cansar o espectador, principalmente, pelos momentos arrastados no meio da produção. De tempos em tempos, as seqüências de ação movimentam a trama e retomam o ritmo acelerado. Essas cenas mais extasiantes remetem tranquilamente a um jogo de videogame e fica fácil imaginar como será o game baseado no longa-metragem.

Por mais que tente transmitir uma mensagem ambientalista e realizar um alerta sobre o futuro da Terra (podendo até gerar releituras para os dias atuais), “Avatar” é por essência um filme de aventura e sua intenção nada mais é do que proporcionar ao público uma experiência cinematográfica envolvente e de encher os olhos. O direcionamento ficou tanto na estética que o roteiro tornou-se apenas um subsídio para poder criar este mundo fantástico. Nesse sentido, precisaria de um leve tratamento no texto para torná-lo mais enxuto, deixando a adrenalina constante e elevando o projeto a um caráter mais poético.

“Avatar” é sem sombra de dúvidas uma evolução dentro das técnicas de efeitos especiais, porém ainda é cedo para considerar o filme revolucionário. Certamente, está longe de ser um novo “2001” ou “Star Wars”, como era a intenção do diretor. O custo de toda essa perfeição é tamanho que vai demorar bons anos para assistirmos uma produção como esta novamente. Por isso, compre seu ingresso e embarque na magia de James Cameron enquanto o filme está em cartaz. É difícil se arrepender.

Nota: 8

Lua Nova

2009-12-19T09:17:00.000-08:00

Mais inexplicável que o sucesso da saga “Crepúsculo” é a existência de um filme/romance como “Lua Nova”. A estupidez da obra é tão grande que ofende qualquer espectador que tenha um pouco de massa cinzenta. A trama consegue estabelecer como base a clássica situação: “eu te amo mas vou te deixar”. Stephenie Mayer deve ter realizado uma pesquisa dos maiores clichês de todos os tempos e escolhido o vencedor para desenvolver esse livro.

Mesmo tentando superar a banal relação entre Bella e Edward, o filme também não consegue apresentar cenas que sequer sejam interessantes. Salvam-se apenas três sequencias entre as mais de duas horas de exibição: a primeira é o sonho de Bella logo depois dos créditos iniciais quando a própria se imagina envelhecida; a próxima cena é a passagem das estações do ano através das mudanças observadas na janela do quarto da protagonista e, por fim, a transformação de Jake em um lobisomem. O restante é uma perda de tempo total – e não vá achando que essas cenas salvam o filme, porque não salvam. Nem sequer valem o ingresso.

Com Edward afastado da jogada (ele mal aparece no filme), Jake serve de consolo para a jovem Bella, que passa a enxergar mais atrativos no garoto a partir do momento que ele corta o cabelo (!). Divida entre um vampiro e um lobisomem, Bella irrita a paciência do espectador com gritos de depressão sem fim ou crises existenciais intoleráveis.

Para movimentar a trama, surgem novos vampiros e uma trupe de lobisomens sem camisa. Talvez seja por isso o sucesso entre o público feminino: dois galãs (ambos aparecem praticamente despidos o filme todo) e esse time de lobisomens. A tentativa desesperada comprova a falta de atrativos da produção e deixa a platéia masculina ainda mais distante.

Assim como em “Crepúsculo”, as cenas de ação não empolgam – apesar do dobro do orçamento do primeiro filme. A afirmativa se comprova quando temos a aparição de Laurent (o vampiro de dreadlocks) que ao invés de deixar o público tenso, acaba apenas evitando que o sono tome conta do espectador. Sem falar nas sequencias de luta nas quais os vampiros viram fumaça durante os golpes. Haja paciência. Ou então, as cenas rodadas na Itália, que deveriam ser o ápice do projeto, terminam como o exemplo perfeito de anticlímax com locações filmadas em plena tarde com a luz do sol chegando a iluminar toda a sala do cinema. Espera aí... estamos falando mesmo de um filme de vampiros? Onde está o universo sombrio e apavorante?

O segundo filme segue deixando de lado as questões sobre os seres fantásticos (vampiros e agora os lobisomens) e opta por focar no mais simplório: o amor da insuportável Bella. Com tantas questões pendentes, a produção novamente ausenta-se das presas dos sanguessugas, da sede por sangue e do caráter sexual das criaturas da noite. Assim, os vampiros de “Crepúsculo” não chegam a ser ameaças em nenhum momento, são mortos-vivos totalmente desinteressantes. Deve ser por isso que Bella e Edward combinam tanto.

No término dos sofríveis 130 minutos, chega-se a conclusão que esse segundo capítulo é completamente dispensável para a saga, já que não apresenta nada de significante. Pode-se tranquilamente pular de “Crepúsculo” para “Eclipse” sem grandes perdas. “Lua Nova” deve agradar os fãs completamente cegos de amor pela saga, porque do resto é o pior filme do ano.

Nota: 2,0

Por favor, assistam “True Blood”.

Atividade Paranormal

2009-12-10T11:59:00.001-08:00

A tentativa é repetir o que aconteceu dez anos atrás, quando um filme modesto chamado “Bruxa de Blair” pegou todos de surpresa aparentando ser real. Depois da “pegadinha” de 1999, ninguém mais cai em lances como esse - ainda por cima quando é distribuído pela Paramont Pictures.

“Atividade Paranormal” mostra a rotina de um casal que tem um espírito do mal vivendo em sua casa. O lance dos sustos é através de sombras, barulhos estranhos, pegadas, luzes que acendem e apagam. Fica até difícil imaginar onde foram gastos os 15 mil dólares de produção. Em cena, só temos o casal protagonista e duas aparições de um especialista em entidades e os “efeitos”, como fazer uma porta abrir ou se fechar sozinha, não chegam a custar um centavo.

O “buzz” deve-se aos fãs que assistiram o longa-metragem em festivais independentes e divulgaram nas redes sociais. A campanha de promoção foi justamente através do hotsite onde era possível solicitar a exibição do filme na sua cidade. O trailer sugestivo mostrando os sustos da platéia no cinema e os argumentos críticos estampados no cartaz anunciavam um dos filmes mais apavorantes da década. Uma bela jogada de marketing. Aguçar a curiosidade do público sempre dá certo: a bilheteria nos Estados Unidos foi assustadoramente alta.

Pensando no espectador, somente aqueles que nunca assistiram um bom filme do gênero vão se empolgar com o falso documentário. Além de uma produção caseira, com imagem tremidas, é preciso acompanhar a rotina de um casal chato, que ainda por cima é interpretado por fraquíssimas atuações. “Atividade Paranormal” é uma cópia fajuta de “Bruxa de Blair” que não ganha em "cenas de ação”, clima tenso ou final chocante. Praticamente nada acontece no filme; então ao invés de não assistir sozinho (como o pôster oficial indica), o melhor é não assistir mesmo.

Nota: 4

(500) Dias com Ela

2009-11-19T13:04:00.001-08:00

“Esta é uma história ‘garoto encontra uma garota’”. As primeiras oito palavras do narrador tentam definir o filme. O que poderia, no entanto, ser uma comédia romântica comum não atinge esse nível de obviedade porque subverte os clichês do gênero. “500 Dias com Ela” aproxima-se dos dramas realistas de Woody Allen somados ao universo pop do autor inglês Nick Hornby.

O garoto é Tom, um redator de cartões comemorativos, que se apaixona a primeira vista pela nova secretária do chefe, Summer. A moça é tudo o que ele sempre sonhou: bonita, inteligente e, ainda por cima, gosta das mesmas músicas, livros e filmes que ele. A garota Summer é uma mulher independente, livre de escolhas e com pensamentos tipicamente masculinos. Não acredita no amor, julga-o um “conto de fadas” e, por isso, possui uma facilidade tremenda em cortar as pessoas de sua vida – assim como corta seus cabelos que tanto adora.

Essa diferença de personalidade faz com que ele idealize um romance mais profundo do que a relação que está se desenvolvendo. Os 500 dias de Tom, iluminados pela presença de Summer, são contados fora de cronologia, intercalando os perfeitos e conturbados momentos do casal. Esse dinamismo torna-se essencial para o ritmo da trama, mantendo um clima agradável, que caso fosse relatado na ordem dos fatos jamais existiria.

A passagem do tempo é realizada através de uma animação introdutória, na qual os dias felizes do casal são apresentados com um céu limpo, as árvores floridas e um sol intenso. É verão para Tom! Quando o relacionamento está ruindo, vemos um dia cinzento e a falta de folhas nas árvores. Assim, já sabemos de antemão o que o personagem está sentindo e quais cenas virão a seguir. Os encontros do rapaz apaixonado com a cética garota fará com que os dois reflitam sobre o devastador sentimento do amor, colocando em xeque se é o destino que conspira ou se são as coincidências que norteiam as suas vidas.

O tema relativamente denso para um filme “adolescente” rende comparações à Woody Allen e sua visão menos poética do universo. Semelhanças com os filmes do diretor, como “Crimes e Pecados”, “Match Point” e especialmente “Igual a Tudo na Vida”, que coloca dois jovens conversando sobre o relacionamento, são muito claras. Em certo momento, a tela se divide em “realidade” e “expectativa” mostrando que nem sempre o que desejamos realmente acontece. Homenagem captada.

A menção à Nick Hornby é justificada pela presença de inúmeras referências a cultura pop, em diálogos sobre Beatles, The Smiths, Sex Pistols, o seriado televisivo “Night Rider”, o filme “A Primeira Noite de Um Homem”, Bruce Springsteen, entre tantos outros. Talvez sejam esses gostos similares que tenham aproximado o casal, porém isso definitivamente não é tudo em um relacionamento. Como diz um dos personagens para Tom: “não é só porque ela curte as mesmas bizarrices que tu que ela é a mulher da tua vida”.

Também não seria possível um filme tão completo se não fosse a presença do ótimo Joseph Gordon-Levitt e da encantadora Zooey Deschanel. A sintonia perfeita entre o casal ganha o público no primeiro instante em que é demonstrada em cena. Joseph já havia provado que pode carregar um filme nas costas com “O Vigia” e o brilhante “Mistérios da Carne”; já Zooey, que sempre demonstrou ter mais dotes físicos do que artísticos – vide a péssima atuação em “Fim dos Tempos” – tem em Summer o papel de sua carreira.

Como acréscimo nessa fantástica composição, tem-se ainda uma trilha sonora em conexão quase sobrenatural com a história. As faixas são de extrema importância para a construção das cenas e, em sua maioria, reverenciam artistas indie como Regina Spektor, Doves, Feist, Smiths e She & Him – excelente banda de Zooey Deschanel (se você nunca ouviu falar, baixe o cd imediatamente).

O responsável pela originalidade do produto é o diretor estreante Marc Webb, que tem no seu currículo uma série de videoclipes. A bagagem do cineasta é reproduzida na consecutiva utilização de mini-cenas que compõem o painel dos vários dias ao lado da amada. Após o sucesso do filme, o nome de Webb está em alta e uma nova adaptação do musical “Jesus Cristo Superstar” ganhou o seu comando.

Para o público que aguardou tanto por esse filme, “500 Dias com Ela” supera as expectativas e faz o retrato dessa nova geração “cult” na busca pelo amor. Mas não adianta tentar se enganar ao esperar pelo convencional. As intenções do filme estão explícitas nos primeiros minutos. Pode ser que Summer não tenha sido a mulher que Tom tanto procurou, mas os dias em sua companhia certamente foram inesquecíveis –assim como serão as quase duas horas dedicadas pelo espectador com o filme.

Nota: 9,5

Estômago

2009-10-10T23:38:00.001-07:00

“Estômago” pode até sugerir, mas não é uma comédia romântica sobre culinária e afins. A produção nacional dirigida por Marcos Jorge está mais para um suspense dramático com clima bem pesado.

Raimundo Nonato (João Miguel) é um nordestino que chega na cidade grande sem ter o que comer e onde dormir. Consegue emprego em um boteco fritando pastéis e coxinhas de galinha. O sucesso de suas coxinhas faz o movimento do bar aumentar, e logo ele é chamado para trabalhar como chef de um restaurante italiano. Nessa transição, conhece a prostituta Iria (Fabíula Nascimento) e imediatamente se apaixona.

O desenrolar do roteiro transforma “Estômago” em um filme original, único no cinema brasileiro, permeado por um humor negro chocante e com um resultado que retrata o Brasil sem piedade. Curiosamente, a gastronomia, ao invés de despertar paixões nos personagens, é tratada como sinônimo de poder.

O diretor Marcos Jorge e sua equipe criam um filme requintado e essencialmente brasileiro, valorizado também pelas fortes referências ao cinema de Fellini. Engrossando o caldo, João Miguel cria um personagem tão real que é difícil dissociar o ator de sua representação. Na mesma linha, Fabíula Nascimento rouba todas as cenas em que aparece, transformando sua puta em um ser fascinante.

Assistir ao filme é como degustar um prato caprichado e saboroso, feito com tudo que há de melhor, mas que vai se tornando indigesto depois das primeiras garfadas. Portanto, já aviso, acompanhar a tortuosa saga de Raimundo Nonato não é para quem tem estômago fraco.

Nota: 7,5

Os Normais 2 - A Noite Mais Maluca de Todas

2009-10-02T15:00:00.001-07:00

O propósito do seriado televisivo “Os Normais” era apresentar situações comuns do dia-a-dia que levassem as pessoas à loucura. O texto inteligente e afiado de Fernanda Young e Alexandre Machado dificilmente decepcionava e a dupla Luis Fernando Guimarrães e Fernanda Torres interpretaram os personagens de suas vidas: Rui e Vani, um casal neurótico e completamente maluco que não tinha como não cair no gosto do público.

Três temporadas depois e um filme no currículo, eis que chega um novo longa-metragem: “Os Normais 2”. Após o estrondoso sucesso da primeira incursão no cinema, a expectativa com essa seqüência era das mais altas. Inicialmente o filme ficou conhecido pela subtítulo “Ménage a trois”, e bem que poderia seguir com ele, já que a produção gira em torno da aventura do casal em busca de uma terceira para pessoa para fazer sexo.

A sensação é de que “Os Normais 2” é um episódio estendido. Seus míseros 75 minutos logo terminam e a superficialidade da trama fica evidente, ressaltando a fraca história que não merecia ser levada às telas. Também não existe uma linguagem cinematográfica eficiente, é muito semelhante à da série. Os atores principais e nem mesmo os coadjuvantes demonstram empolgação com o projeto. Apesar de toda essa carência, Rui e Vani seguem sendo personagens muito queridos do público e somente pelo retorno deles que a sessão tem seu valor.

Nota; 5,0

Era Uma Vez...

2009-10-02T13:59:00.001-07:00

Os contos de fantasia teimam em começar com o tradicional “Era Uma Vez…”. Essa escolha tem o intuito salientar o conteúdo lúdico da história, fruto da imaginação do autor e de sua liberdade poética. A mesma expressão é utilizada como título para o novo filme de Breno Silveira (diretor de “Dois Filhos de Francisco”) justamente para demarcar que o romance do pobretão D com a patricinha Nina é um conto de fadas repetido e previsível.

Ele mora na favela do Cantagalo e trabalha diariamente em um quiosque na praia do Rio de Janeiro. De seu recanto, observa a bela Nina entrar e sair do prédio da frente, até o dia em que a salva de um assalto. A aproximação deles é inevitável e logo os dois se apaixonam, porém a relação não demora para ser abalada pelas gritantes diferenças sociais e o mascarado preconceito.

Quem já não ouviu essa história? Realmente, “Era Uma Vez…” é um filme do qual todos sabem o que vai acontecer na tela, só que ainda assim, a história acaba surpreendendo o público e revelando ser uma das melhores produções nacionais dos últimos anos. O feito está relacionado com a atualização da trama, romantizada em seus núcleos para sensibilizar o espectador, injetando gás para temas tão discutidos e desgastados no dia-a-dia, como a violência no morro, o caos urbano e a falsa moralidade.

Também não se deve tirar o mérito do entrosamento perfeito entre os atores Thiago Martins e Vítria Frate, que dão sustentação vital ao romance desafiador e quase impossível de um garoto pobre com uma menina rica. Os dois juntos emocionam e levam às mais intençãs emoções, sendo ainda mais tocante que o filme anterior do diretor.

Breno Silveira demonstra em seu segundo longa-metragem que tem domínio completo pela sua obra, criando um estilo evidente e próprio de humanização dos personagens. “Era Uma Vez….” pode ser considerado uma espécie de Romeu e Julieta à brasileira, com doses cavalares de realidade e amor. A intensidade do projeto leva o público ao total comprometimento com a trama, fazendo-o sair da sessão inchado de tanto derramar lágrimas. E talvez essa troca de sensações e cumplicidades faça com que algumas percepções de mundo sejam transformadas. Por isso, e por tudo mais que você só irá descobrir ao assistir o filme, é que “Era Uma Vez…” não pode ficar nem mais um segundo parado na estante da locadora.

Nota: 9

Duplicidade

2009-09-22T21:23:00.000-07:00

Julia Roberts e Clive Owen voltam a contracenar juntos quatro anos depois do excelente “Closer – Perto Demais” e a sintonia permanece intacta. Neste thriller sobre agentes duplos que planejam passar a perna em todo mundo, não existe mocinhos nem bandidos. O importante é se dar bem e, para transmitir esse clima de trapaça e jogo de interesses, o diretor Tony Gilroy imprime seu estilo elegante ao dividir a tela em várias cenas, transmitindo dinamismo para a trama.

O grande mote do roteiro é brincar com a duplicidade dos agentes e abordar a relação de eterna desconfiança entre eles. Embora apaixonados, o casal não consegue por um único instante relaxar e, assim, seguem maquinando estratégias para o funcionamento perfeito do plano - sempre com um pé atrás quanto a fidelidade de seu parceiro.

O filme foi considerado bastante complicado, conforme sua narrativa não linear e a linguagem específica a respeito dos trâmites entre os serviços secretos. “Duplicidade” exige mesmo a atenção do espectador (nada fora do normal), e termina por revelar-se um entretenimento esperto e charmoso, assim como seus protagonistas. Destaque também para a interessante trilha sonora de James Newton Howard com muitos batuques e swing.

Nota: 8

Shortbus

2009-09-14T12:55:00.001-07:00

“Hedwig – Rock, Amor e Traição” foi um marco na carreira de John Cameron Mitchell, tanto como diretor quanto ator. A produção hiper cultuada é uma falsa biografia sobre um popstar do glamrock e conta com deliciosas músicas próprias. Depois de ser catapultado para o sucesso, o astro repentino levou cinco anos para lançar este “Shorbus”, um filme sem pudores sobre a vida sexual de um grupo de jovens.

Para realizar o projeto, o diretor buscou suporte nas relações sexuais para falar sobre aceitação pessoal – em todos os sentidos. A polêmica dessa vez foi com o conjunto de cenas de sexo explícito hetero e homossexual. Embora nada gratuitas, as sequencias não impedem a imediata repulsa dos espectadores mais puritanos.

“Shortbus” é um filme pesado e muito longe de um cinema adolescente pipoca. As cenas são perfeitas de forma independente, quando somadas ao contexto podem não justificar a sua importância. Por isso, a fita não deve ser avaliada como um roteiro linear, a graça está nas sensações que transmite, nos temas que aborda e na experiência total proporcionada. É um grande exercício de linguagem cinematográfica sobre a sexualidade sem ser de mau gosto ou grosseiro.

Nota: 7,7

Arraste-me para o Inferno

2009-09-10T13:27:00.000-07:00

Antes de comandar a franquia “Homem Aranha”, o diretor Sam Raimi ficou conhecido por um de seus primeiros filmes, uma produção de horror chamada “Evil Dead” que ganhou continuação e se tornou cultuada com o passar dos anos. Agora, famoso e com três blockbusters no currículo, ele decidiu relembrar o período em que trabalhou com o gênero prestando uma esperta homenagem aos clássicos do terror.

Na interessante trama, atendente de um banco é amaldiçoada após negar empréstimo para uma senhora. Sentindo-se humilhada, a velha invoca o demônio chamado Lâmia, que durante três dias diverte-se torturando sua vítima para depois levar a alma da pessoa diretamente para o inferno. O roteiro de Raimi e seu irmão Ivan faz uma salada com os mais conhecidos clichês: demônios, videntes, sacrifícios de animais, pragas, pesadelos, espíritos, larvas, vômitos e muito mais.

A proposta é ser trash, com direito a cenas muito escrachadas e até cômicas, mas o que dá maior força ao projeto é a forma como a história é levada a sério, envolvendo o público e tornando-o cúmplice dos absurdos. A homenagem pode ser conferida já nos créditos iniciais, quando o título salta na tela - bem como os primeiros longas de horror.

O filme de orçamento modesto para padrões hollywoodianos foi bastante elogiado pela crítica e bem recebido pelo público. Mais um ponto para Sam Raimi. Se dá sustos? Sim, alguns bons sustos estão no conjunto.

Nota: 8

Inimigos Públicos

2009-08-31T13:49:00.000-07:00

Era de John Dillenger o primeiro lugar na lista dos mais procurados pela polícia dos Estados Unidos em 1930. O ladrão de bancos conseguia realizar cada operação em menos de dois minutos e, por estes incríveis roubos despertou uma aura de fascinação ao seu redor. Contrariando a entusiástica população, o detetive Charles Makley trabalhava obsessivamente para capturá-lo.

O thriller lotado de sequências de tiroteios não nega que é dirigido por Michael Mann. Sua concepção de cenas de ação segue com o inconfundível formato: câmera nervosa + barulheira de pistolas e/ou metralhadoras + som ambiente sem trilha sonora. A extrema valorização dessas tomadas tirou o foco da construção do personagem icônico e deixou o retrato de Dillenger enfraquecido.

Com muitos tiros e poucas falas, Johnny Deep alia o lado durão do personagem com sua face mais sensível e romântica, personificada pela bela Marion Cottilard. Embora a trama histórica não seja bem desenvolvida, o filme rende um entretenimento de boas atuações, ótimas cenas de ação e muito jazz.

Nota: 8,0

O Visitante

2009-08-24T21:53:00.000-07:00

“O Visitante” é mais um filme sobre imigrantes clandestinos que disputou algumas categorias no Oscar 2009 e figurou na lista de indicações com Richard Jenkins ao prêmio de Melhor Ator. A estatueta acabou nas mãos de Sean Penn por “Milk” – por sinal, mais merecido.

O filme escrito e dirigido por Thomas McCartney é sobre um professor universitário que retorna a Nova York para apresentar um artigo científico em um congresso e decide passar esses dias no apartamento do qual dono. Chegando lá, descobre que está sendo habitado ilegalmente por um casal de imigrantes da Síria e do Senegal. Sua primeira atitude é esperar que os “invasores” deixem o local – e eles o fazem. Mas, o professor fica mobilizado com a situação do casal e dá abrigo para ambos.

A convivência com os dois (e futuramente com a mãe de um deles) fará o protagonista rever a forma patética como estava levando sua vida, anulada por uma rotina tediosa e sem objetivos. Essa nova relação se torna benéfica tanto para “o visitante” do título como também para os mais recentes amigos. O “twist” do roteiro acontece quando a polícia descobre a ilegalidade dos imigrantes.

Além da atuação bastante elogiada de Jenkins, o desconhecido Haaz Sleiman mostra-se muito competente e carismático na pele do músico sírio Tarek. Tristemente belo e nada clichê, “O Visitante” é um drama envolvente e terno sobre a vontade de viver (embora que em uma injusta realidade).

Nota: 8

A Mulher Invisível

2009-08-23T13:38:00.000-07:00

Um dos filmes mais lucrativos do cinema nacional em 2009 foi “A Mulher Invisível”, do diretor Cláudio Torres. Nele, Selton Mello vive um cara extremamente romântico que de tanto mimar acaba sufocando suas namoradas. Após sofrer diversas desilusões amorosas, ele passa a acreditar que a vizinha gostosona (Luana Piovanni) está a fim dele. O grande senão é que ele não sabe que a sua nova amada é fruto de sua imaginação.

O principal objetivo de um filme como esse é levar o público as risadas – proporcionando também entretenimento de qualidade. “A Mulher Invisível” pode até gerar alguma graça com suas situações cômicas, mas apresenta no desenvolver vários obstáculos. O primeiro, certamente, é a atuação forçadíssima de Selton Mello – um dos melhores atores brasileiros que dessa vez exagera nos trejeitos do personagem e faz uma voz fina (irritante e inverossímel) que mal dá para entender.

Ainda no conjunto de defeitos, temos o ritmo quebrado da produção, que intercala a levemente interessante trama da mulher invisível com a história chata da outra vizinha (a morena). O filme extende-se demais justamente por isso e, sem a menor necessidade. Com 75 minutos, poderia ser mais objetivo, concentraria melhor seus momentos engraçados e terminaria como um entretenimento bobo, porém funcional. No final, quem sai ganhando mesmo é Luana, que brilha em todas as cenas (até mesmo como atriz).

Nota: 4,5

Os Informantes

2009-08-21T14:00:00.001-07:00

Os livros de Bret Easton Ellis apresentam como temas centrais drogas, sexo, violência, rock e muita grana. Adaptação de um livro de contos do autor, “Os Informantes” aborda justamente esses tópicos para retratar o hedonismo dos anos 80 em Hollywood, que até hoje ainda vigora mas de forma disfarçada. Esse culto ao lazer é destrinchado pelas diversas narrativas, demonstrando que essa vida deslumbrada leva a auto-destruição.

O pacote inclui uma equipe de atores totalmente empenhados em convencer na pele de seus personagens e muitos realizam uma de suas melhores interpretações. Os novatos Jon Foster e Amber Heard representam perfeitamente os jovens perdidos na cidade do pecado – o que pode ser analisado em diferentes esferas.

Ao compará-la com o livro, a versão cinematográfica ganha pontos por conseguir unir as histórias e transformá-las em uma única. Os encaixes desse quebra-cabeça proporcionam uma adaptação justa – embora que não consiga transpor toda a acidez da escrita de Ellis, que só será inteiramente compreendida ao ter o livro em mãos. O longa-metragem cria desfechos novos para alguns personagens e torna o filme mais completo, deixando às claras a discussão sobre aproveitar o brilho efêmero desta vida de luxo ou reduzir-se a mediocridade e pequenez dos demais. O lance é a futilidade de quem está no topo, que só vai perceber o que está realmente fazendo quando as luzes que ofuscam a sua visão forem embora, deixando a realidade exposta.

“Os Informantes” é um filme para poucos – assim como os livros do autor – e a crítica a esse mundo vazio fica para quem conseguir captar a essência por trás das tortuosas tramas. Se você acabar odiando a produção, pelo menos terá assistido Amber em cenas deliciosas na qual comprova toda sua estúpida beleza e só por isso o filme já terá valido a pena.

Nota: 8,5

Trabalho Sujo

2009-08-20T16:21:00.001-07:00

Os produtores de “Pequena Miss Sunshine” chegam com uma nova comédia dramática, só que desta vez é sobre duas irmãs “fracassadas” que resolvem ter um negócio próprio para subir na vida. A empresa até que se torna bem lucrativa, porém é algo fora do comum e nada agradável. Elas trabalham com o serviço de remoção de indícios após as cenas de crime, ou seja, limpam todo o sangue e derivados dos locais.

A personagem de Amy Adams não quer mais trabalhar como faxineira em casas de pessoas bem sucedidas que foram suas colegas no tempo de escola. Quando decide mudar de situação econômica, ela dá a cara para bater e chama sua irmã na realização da primeira limpeza. Essa purificação reverte-se também na alma dos personagens, que aos poucos vão ganhando mais confiança e passam a se livrar de pesos que os prendem ao passado.

“Trabalho Sujo” é um filme modesto, que ganha a simpatia do público logo nos créditos iniciais quando exprime toda a angústia vivida pelas duas irmãs - em poucos segundos já conhecemos quem são aquelas pessoas. O trio Adams, Emily Blunt e Alan Arkin ajudam (e muito) para a consistência desses seres transgressores, que representam a vida ordinária a qual os norte-americanos não querem levar de jeito nenhum.

Os míseros 80 minutos de duração tornam-se o maior empecilho do projeto, já que poderiam ter abordado mais assuntos e com maior profundidade do que encerrar de forma abrupta. Como curiosidade, o filme ainda demonstra a facilidade de subir na vida na “América”, bastante diferente do que acontece no terceiro mundo onde o fator pobreza possui uma conotação totalmente díspar.

Nota: 7,4

Rio Congelado

2009-08-17T23:07:00.000-07:00

O filme da estreante Courtney Hunt não é apenas sobre duas mulheres que se unem para introduzir imigrantes ilegais a partir da fronteira canadense. “Rio Congelado” aborda, principalmente, os motivos pelos quais estas personagens são levadas a esse tipo de atitude. No foco central temos Ray Eddie, uma mãe que vive em um trailer com os dois filhos e foi abandona pelo marido. A situação financeira chega a um nível insustentável e a chance de mudar de vida, comprando uma casa nova e pré-moldada, é mais tentadora que os argumentos contra a prática do crime. Assim, ela e uma contrabandista realizam o esquema ilegal através de uma reserva indígena Mohawk, tida como território neutro.

Melissa Leo transborda sensibilidade e emoção como uma mulher judiada pela vida e que não consegue um futuro melhor para sua família. Mais do que merecido, a atriz foi lembrada (ao menos em indicações) em diversas premiações do ano passado. Também tremendamente elogiada foi a diretora e roteirista Hunt, que dá um enfoque humano – e tenso - para a história, privilegiando essencialmente suas crias.

Nota: 7,8

Amantes

2009-08-16T20:32:00.000-07:00

Faz quatro meses que Leonard voltou a morar com os pais. Apesar de ter mais de trinta anos, estes ainda o tratam como criança - isso porque ele recentemente foi abandonado por sua noiva, tentou se suicidar duas vezes e ainda descobriu que possui transtorno bi-polar, precisando de medicação constante. Durante o processo de recuperação ele conhece a filha do sócio de seu pai, Sandra, que revela estar interessada em um futuro amoroso com Leonard. Ao mesmo tempo, ele também passa a se relacionar com a vizinha do andar de cima, Michelle, e imediatamente se apaixona por ela. Sem poder firmar essa paixão, já que ela está envolvida com um homem casado, ele começa a namorar Sandra.

“Amantes” dialoga com o público sobre essas barreiras que impossibilitam o teste da felicidade idealizada, frustrando ou levando a atitudes extremas. A dor do personagem de Joaquim Phoenix contagia de forma crescente e a medida que seu personagem “sangra” na tela é possível sentir com maior intensidade as suas angústias. O clima pesado presente desde o início anuncia um final trágico, como em “Match Point” – aliás, ambos apresentam diversas semelhanças – mas é não bem o que acontece. O desfecho realista conclui a obra com maestria, provando ser uma história de amor adulta e que provavelmente deixará um gosto bastante amargo no espectador.

Nota: 8,0

O Segurança Fora de Controle

2009-08-15T22:44:00.000-07:00

No cartaz original do filme está escrito: “Right now, the world needs a hero (agora mesmo, o mundo precisa de um herói)”. É chocante constatar que o suposto herói proposto é Ronnie Barnhardt, um segurança de shopping completamente maluco – digno de cadeia. O cara é um ser desprezível: racista ao extremo, utiliza drogas em pleno trabalho, bate em crianças e toma as atitudes mais estúpidas. A frase do pôster pode estar brincando com a situação, sendo até mesmo irônica, mas a narrativa abraça essa figura e enaltece o personagem revoltante.

O ponto de partida é bastante interessante e seu desenvolvimento inicial comprova isso. O dia-a-dia mesquinho de Ronnie muda quando um pervertido passa a atacar no shopping expondo para os clientes suas partes íntimas. O segurança enxerga nessa ação a chance de mostrar que é capaz de prender um criminoso, conquistar o amor da sua vida, a atendente na de uma loja feminina, e ainda ingressar na polícia. Seus sonhos encontram um obstáculo na figura do detetive Harrison que assume o caso e tira Ronnie da jogada.

O filme começa divertido, por vezes, soando grosseiro – mas algo ainda esperado numa comédia. Porém, aos poucos as situações tornam-se cada vez mais ofensivas, de um humor negro desconfortável e o personagem que deveria gerar no mínimo um pouco de simpatia torna-se detestável. A salvação do projeto são os bons atores: Seth Rogen é convincente até demais no papel principal e Anna Faris e Ray Liotta são ótimos coadjuvantes.

Ao término do filme é normal questionar o estado mental de uma criatura que escreve um roteiro desses, que só pode ser alguém doente da cabeça. Mesmo assim, apesar das brincadeiras de mau gosto, “Observe and Report” tem seus momentos engraçados.

Nota: 5,0

The Young Victoria

2009-08-11T14:08:00.000-07:00

De forma rápida e objetiva esta cinebiografia sobre a Rainha Vitória origina uma espécie de esboço sobre uma das figuras mais importantes que governaram a Inglaterra. Com baixa duração, o filme transcorre pela vida da personagem com certo pique e retrata melhor o seu lado humano, desnundado o ícone real ao mostrá-la como uma jovem influenciada por vários conselheiros. Apesar dessa questionável característica, a rainha é determinada, rebelde e preocupada com o seu povo.

Felizmente, “The Young Victoria” não é um filme essencialmente político. O casal Emily Blunt e Rupert Friend encontra química como protagonista da trama e o seu romance toma conta da tela. Também é interessante o jeito que apresentam a importância do Príncipe Albert na histórial – altamente relevante. Vale muito a pena assistir o filme para conhecer a história da Rainha Victória, e o melhor é que não causa bocejos em nenhum instante.

Nota: 7,9

What Goes Up

2009-08-10T15:27:00.000-07:00

Repórter obcecado por heróis locais viaja para cidade do interior em busca de mais um desses casos. Ao invés de investigar o episódio que lhe foi destinado, fica fascinado pela história de um professor suicida que deixou um grupo de alunos inconformados. Aos poucos o repórter se envolve com os estudantes e passa a servir como um nada convencional modelo para os jovens.

“What Goes Up” possui aquele estilo de filme alternativo típico dos Estados Unidos – explicando melhor, possui como característica principal uma galeria de personagens que são por natureza bizarros (comprovando isso temos como destaque a dupla de “gêmeas” que só realiza ações estranhas). O projeto ainda apresenta um Steve Coogan extremamente confiante à frente do elenco e a bela e simpática Hillary Duff em um papel mais sério e dramático. Desprezando a curiosidade inicial com o longa, temos por fim um filme chato, que engatinha durante duas horas para não significar muita coisa. Que azar!

Nota: 4,9

Férias Frustradas de Verão

2009-08-09T21:27:00.000-07:00

Após “Superbad”, o mega hit do verão norte-americano em 2008, o diretor Greg Motolla lança com altas expectativas sua mais nova comédia. “Adventureland” foi vendido como um mais um exemplar do riso – algo semelhante ao filme anterior de Motolla. O que vemos aqui é um drama simpático sobre inseguranças e relacionamentos na adolescência.

James recém se formou no colégio e seu plano imediato é cursar jornalismo em uma faculdade de Nova York. Logo de cara recebe a notícia que seu pai foi rebaixado de cargo na empresa, e a situação financeira não está das melhores. Para ajudar nas despesas e realizar seu sonho, ele decide procurar um emprego temporário durante o verão. Acaba sendo admitido apenas no parque de diversões como instrutor de jogos. Dessa forma ele conhece boa parte dos personagens do filme: seu interesse amoroso, a garoto gostosona, o mal-caráter, o amigo nerd, o proprietário psicopata e outras figuras estereotipadas.

As aventuras amorosas de James integram o principal direcionamento da produção, deixando de lado a “clássica” comédia. Essa escolha não repercute de forma negativa, até pelo contrário. Raramente se assiste um drama honesto (e descontraído) sobre adolescentes dentro da indústria hollywoodiana. “Adventureland” poderia ter alçado voos maiores em sua narrativa, explorando melhor o ótimo cenário do parque de diversões para introduzir elementos diferentes na estrutura. Já que não o faz, torna-se um filme agradável, porém inofensivo.

Nota: 7,0

Nossa Vida Não Cabe Num Opala

2009-08-07T14:00:00.000-07:00

Decididamente não entendo como produzem filmes como este aqui. “Nossa Vida Não Cabe Num Opala” me chamou a atenção inicialmente pelo curioso título e pelo cartaz em forma de animação. Ao assistí-lo constatei estar frente a frente a um dos piores filmes nacionais dos últimos anos.

O longa-metragem inicia com a morte do patriarca de uma família humilde, que deixa desemparados quatro filhos. Estas criaturas são deprimentes, consideradas vítimas da sociedade por um roteiro grosseiro que não encontra justificavas para as cenas grotestas que revela. A crítica social que julga fazer não chega a ter força suficiente, e convenhamos, poderia ser realizada de outras formas muito mais eficazes.

Me admira bons atores como Leonardo Medeiros, Maria Luisa Mendonça e Marília Pera estarem envolvidos nesta produção – também fiquei surpreso ao descobrir que é baseado em uma peça teatral. Tenho convicção que o público não possui intenções de assistir um espetáculo como este, já que em nenhum momento chega a ser um entretenimento de qualidade. A nota que consta ao final desta crítica só vai para os créditos iniciais e alguns momentos interessantes nas interpretações, como a figura do fantasma do pai dos quatro irmãos.

Nota: 2,0

Tinha Que Ser Você

2009-08-06T13:31:00.001-07:00

O encontro de dois atores prestigiados, Emma Thompson e Dustin Hoffman, são o principal atrativo deste delicado filme adulto. De um lado temos Kate, uma desiludida quarentona que só pensa no seu trabalho e nos cuidados com a mãe. No outra ponta, Harvey é também quarentão e viaja de Nova York para Londres somente para prestigiar o casamento da filha. Ele é um sujeito amargurado, que sofre pela influência cada vez mais intensa do novo marido da ex-esposa, agindo agora como se fosse o verdadeiro pai de sua filha. A situação piora quando recebe a notícia de que não precisa voltar tão cedo para os Estados Unidos porque seu emprego foi pelos ares. Esses dois seres insatisfeitos se conhecem por acaso em um dia comum na cidade grande e a oportunidade de mudança mexe com o cotidiano habitual que antes compartilhavam.

“Tinha Que Ser Você” leva tempo para desenvolver seus personagens e quando os coloca cara a cara transforma-se em uma espécie de “Antes do Amanhecer” em que os dois conversam como velhos conhecidos sobre diversos temas. A dupla não só encontra afinidade, como também serve de ajuda um para o outro. A chance do título original acaba servindo não só para Harvey como também para Kate, e juntos eles ganham um novo incentivo para suas vidas desistimulantes.

O romance adulto é um tema que vem sendo explorado com certa frequencia no cinema atual e encontrando bom público para o mesmo. Este exemplar é bastante simplista, sem diferenciais perante as demais histórias já vistas. O que o qualifica são pequenos tons na narrativa que elevam o tradicional enfoque e, somado a isso estão as impecáveis atuações dos protagonistas.

Nota: 7,0

Eu Te Amo, Cara

2009-08-05T18:08:00.000-07:00

Às vésperas de seu casamento, Peter Klaven percebe que não possui amigos homens para convidar como padrinho. Inicia então uma busca por um cara que seja verdadeiramente seu amigo, nem que para isso tenha que desenvolver uma amizade às pressas. Após algumas investidas mal sucedidas ele bate um papo sem pretensão alguma com o excêntrico Sydney Fife. Surge entre ambos uma amizade honesta que colocará Peter em algumas enrascadas.

O roteiro de Larry Levin e do diretor John Hamburg deixa escapar a grande oportunidade de explorar o universo da amizade masculina e desvia o curso para situações sem a menor graça, apoiando-se em cenas escatológicas e de pouca empatia. A premissa de alto potencial revela-se um texto raso e típico das demais comédias americanas.

Ao menos, espera-se mais de Paul Rudd que andava destacando-se em projetos anteriores, como o divertidíssimo “Modelos Nada Corretos (ou “Faça o que eu digo, não faça o que eu faço”). Jason Segel, do seriado “How I Met Your Mother”, apresenta o mesmo personagem de estilo desleixado e repugnante já visto em filmes como “Ressaca de Amor”. A combinação de todos elementos de “Eu Te Amo, Cara” não formam uma junção digna de divertimento. O filme possui raros momentos interessantes, mas não justificam o valor total do ingresso.

Nota: 5,0

17 Outra Vez

2009-08-04T13:11:00.001-07:00

A velha história de um adulto voltar a ser adolescente já foi vista em inúmeras produções, mas parece que a indústria cinematográfica hollywoodiana não cansa de repetir fórmulas do passado. Mike O´Donnell, aos seus 30 e poucos anos, ganha a chance de voltar a sua época de glória no colégio. Ao invés de usufruir dos benefícios da juventude e reescrever sua vida de forma totalmente diferente, ele opta por aproximar-se dos filhos e da ex-mulher.

Apesar de não ser desta produtora, “17 Outra Vez” é um típico filme da Disney. Justamente por ter esta atmosfera de fábula que ninguém percebe a gigantesca mudança do personagem. Ou seja, os filhos não chegam a perceber que o novo garoto é idêntico ao pai deles quando jovem ou que este é conhecedor de todos os detalhes da família. Aliás, Mike na versão colegial dá furos demais dando sermões ridículos em adolescentes ou agindo como se fosse mesmo o pai de seus filhos.

Se não levarmos em consideração essas características inconvenientes e alguns personagens extremamente estúpidos, como o amigo Ned e a diretora da escola, podemos assistir um divertido filme. O clima de Sessão da Tarde é óbvio, então desconte também a trama previsível. Caso você não assista agora nos cinemas e nem depois em DVD, não se preocupe: o filme repetirá incansavelmente nas tardes da Globo.

Nota: 7,0

O Solista

2009-08-03T09:35:00.000-07:00

Em menos de cinco anos, o diretor Joe Wright se tornou referência de bom cinema. O principal motivo foi a bela adaptação do clássico de Jane Austen “Orgulho e Preconceito”, em 2005, e logo após, o também de época “Desejo e Reparação”. Se alguém esperava que Wright ficaria preso entre os clássicos romances de outrora, se enganou feio. O filme seguinte, lançado este ano, foi “O Solista”, uma história verídica atual sobre a relação de um jornalista com sua fonte.

Na trama, Steve Lopez possui uma coluna própria no LA Times e precisa entreter seu leitor com novidades a cada semana. Buscando inspirações, ele depara-se com Nathaniel Ayers, um violinista que estudou na famosa escola de música Jillard School e agora está vivendo nas ruas de Los Angeles. O que seria apenas uma nova pauta para Lopez transforma-se em uma parceria muito além dos limites profissionais.

A amizade entre os dois é natural e a forma como a relação é desenvolvida não cai em artifícios baratos. O envolvimento do jornalista procurando ajudar Nathaniel é emocionante. Em certo diálogo, o personagem de Robert Downey Jr diz que nunca chegou a amar algo na mesma intensidade como Nathaniel ama a música. Ele completa afirmando que está muito satisfeito em fazer algo útil na sua vida. A ex-esposa de Lopez rebate dizendo que este é um momento de graça e é preciso dar valor para estas passagens. A troca mútua entre o jornalista e o músico transforma ambos e gera lentamente mudanças em suas atitudes.

“O Solista” não é um filme basicamente sobre superação como muitos outros. Ao todo é uma história sobre aprendizado e amizade. O inusitado é que o personagem mais interessante acaba sendo o próprio jornalista ao tornar seu conflito mais real e digno de questionamentos. O músico cheio de problemas fica para o segundo plano porque sua figura tornou-se clichê através de diversos filmes que utilizaram de personagens semelhantes. Ainda assim, o duelo de atuações é intenso. O trabalho de Robert Downey Jr destaca-se ao comprovar mais uma vez que está em sua melhor fase na carreira, superando o belo desempenho do colega Jammie Foxx.

O filme aparentemente pode parecer chato, mas “O Solista” após seus segundos iniciais não decepciona o público. Talvez uma de suas melhores qualidades seja a forma humana como lida com os personagens e situações, resolvendo seus impasses do mesmo jeito que acontece na vida real. Chegamos a esperar cenas básicas de filmes nesse estilo, mas elas nunca ocorrem. “O Solista” é um projeto cuidadoso, bonito e nada artificial. Esta é a sua glória.

Nota: 8,5

Sete Vidas

2009-08-02T17:14:00.000-07:00

Sabe aquele filme que não se entende o que está acontecendo durante todo o tempo e nos cinco minutos finais o segredo é revelado e tudo deve fazer sentido? Você já deve ter assistido vários nesse estilo, e “Sete Vidas” é mais deles. Seu grande mérito é despertar a curiosidade no espectador para que ele permaneça até o último segundo grudado na trama. Falando nela, Will Smith interpreta um agente da Receita Federal que após um trauma recente decide ajudar pessoas desconhecidas. “Sete Vidas” é feito para emocionar, mas a sua resolução força um pouco a barra. Ainda assim, é um bom passatempo. Ah, e só para constar, Will Smith se amargurou tanto para o papel que não atinge o carisma esperado.

Nota: 7,5

A Troca

2009-08-01T10:21:00.000-07:00

A luta de uma mãe para encontrar seu filho desaparecido é o cerne deste drama noir dirigido por Clint Eastwood. Christine Collins é uma personagem forte, incansável em sua busca e que enfrentará a polícia de Los Angeles para obter qualquer pista sobre o seu menino Walter. A história de “A Troca” é baseada em fatos reais, mas se não fosse a mão segura do diretor poderíamos assistir um novelão chatíssimo.

Eastwood dá charme para a produção e nos apresenta um filme contemplativo sobre um escândalo do início do século XX. O brucutu dos filmes de ação mostra que é muito sensível e aborda o caso de Christine com todos os cuidados necessários. Angelina Jolie completa com uma atuação irretocável.

Nota: 7,8

Noivas em Guerra

2009-07-14T12:22:00.000-07:00

Emma e Liev cresceram juntas como melhores amigas e desde pequenas sonham em realizar seus respectivos casamentos no mês de junho no luxuoso Hotel Plaza. Por ironia do destino, as duas são pedidas em casamento na mesma semana. A confusão inicia quando a secretária da planejadora de casamentos confunde as datas e marca as duas festas para o mesmo dia. Sem querer desistir e perder a chance de concretizar o sonho de casar no badalado salão, as “amigas” passam a competir pela melhor cerimônia numa guerra em que a baixaria não possui limites.

Transvestida de comédia, “Noivas em Guerra” tenta despertar as risadas no público através das sacanagens que uma apronta para a outra. Essa jogada não é bem sucedida porque em cada ação maldosa das jovens permanece um sentimento de arrependimento e a sensação de desconforto ao constatar que a amizade está sendo destruída. Justamente por isso que quando este sentimento é resgatado no final existe nele uma veracidade importante.

Este é um filme exclusivamente feminino, desde o tema casamento até as cenas de despedida de solteiro em clube das mulheres e brigas pelo melhor sabor de bolo. Qual homem possui paciência para discussões como estas? O único fator que talvez chame a atenção da platéia masculina são as presenças (histéricas) de Kate Hudson e Anne Hathway. O diretor Gary Winick sabe que sua história é extremamente superficial e para amenizar o enfraquecido conteúdo procura dar maior destaque para a poderosa amizade das garotas. Ele também acerta ao promover agilidade e certa graça para a óbvia narrativa, finalizando seu projeto com menos de uma hora e meia. “Noivas em Guerra” não é inteiramente sofrível, longe disso, é apenas banal.

Nota: 6,0

Garoto Nota 10

2009-06-17T14:08:00.000-07:00

Ao assistir “O Último Rei da Escócia” não fiquei apenas encantado com a história verídica e a fantástica performance de Forrest Withaker. O que mais me chamou a atenção foi o ator que encarnava o protagonista da história: um tal de James McAvoy. Nunca tinha sequer ouvido falar nesse nome (depois descobri que já havia assistido alguns filmes em que o cara fez algumas participações).

Na sequência vieram outros trabalhos como “Penélope”, “Desejo e Repação”e “O Procurado”. A partir desse momento não me restaram dúvidas de que McAvoy era realmente um ótimo ator (e que se envolvia em projetos interessantes). Foi com esta expectativa que esperei três anos para presenciar o lançamento de “Garoto Nota 10” em circuito nacional. O filme de 2006 é um comédia estudantil que se passa na década de 80 e conta a história de um nerd que tem “fome” pelo conhecimento. Ele mesmo confessa saber que não é uma pessoa inteligente, e por isso seu caminho para o “hall dos intelectuais” será tortuoso.

A parte inicial evidencia esse sujeito inseguro, que estuda 24 horas por dia para ser aceito na faculdade e cujo sonho é participar do programa televisivo Desafio Universitário. Quando este vira calouro, o filme parece abandonar a figura do CDF e o transforma em um conquistador atrapalhado, que não sabe lidar com duas gostosas correndo atrás dele. As patetices envolvendo o triângulo amoroso seguem até o final. De forma estúpida, o roteiro descarta as origens e os anseios do personagem inicial.

A aparente evolução do protagonista faz com que o filme perca tudo que tinha de bacana, e seu andamento daí para frente é previsível, onde nem mesmo a atuação de McAvoy apresenta algum brilho. Depois de conferir o fraco “Amor e Inocência” e este filme aqui, fico com a impressão de que quando existe um texto bom, o ator esmera-se para corresponder à altura. Caso contrário, o navio naufraga mesmo. “Garoto Nota 10” perdeu sua chance.

Nota: 4,0

Crepúsculo

2009-06-16T14:06:00.000-07:00

Baseado no fenômeno de vendas escrito por Stephenie Meyer, esta adaptação para o cinema rende um filme de vampiros tipicamente adolescente. Talvez seja por isso que “Crepúsculo” não chega a se enquadar no gênero de suspense ou terror, na verdade é um romance ou até mesmo um drama. Aqui os vampiros não possuem dentes pontiagudos e nem saem matando humanos inocentes para saciar sua sede de sangue. Aliás, sangue é o que menos se vê na tela.

Esta é a história de Isabela Swan, uma jovem que vai morar com o pai numa cidade onde os dias são basicamente nublados ou chuvosos. Na escola, ela fica fascinada por Edward Cullen, um garoto misterioso que revela ser um vampiro. Isabela não demonstra surpresa com o fato e decide levar o namoro adiante. A família de Robert é vegatariana, ou seja, se alimenta apenas de animais – poupando assim os “pobres” humanos. A presença de Isabela no clã vai despertar os mais primitivos desejos e ainda chamar a atenção do grupo de vampiros do mal.

Pouco focado no quesito ação, as cenas de confronto entre a família do bem contra o grupo do mal não chegam a empolgar. A trama tem seu forte na decoberta de Isabela e no romance que desenvolve com alguém que a qualquer momento pode morder seu pescoço. O casal protagonista deixa um pouco a desejar com interpretações blasé, mas a força dos personagens de Meyer suaviza a perda.

Apesar de faltar a malícia da classe dos sanguessugas, “Crepúsculo” consegue ser entretenimento divertido e passageiro. E não há mal algum nisso.

Nota: 7,5

Ele Não Está Tão A Fim de Você

2009-06-01T07:06:00.000-07:00

Ken Kwapis dirigiu “Licença para Casar “ e “Quatro Amigas e Um Jeans Viajante”. Bom, por aí já dá para se ter uma ideia do que vamos assistir em “Ele Não Está Tão a Fim de Você”. A trama açucarada não é nenhuma novidade, mas o que surpreende nesta carismática comédia romântica é o seu tema principal: exatamente o que título diz.

A análise é feita em cima de situações em que as pessoas não estão tão a fim das outras – algo muito comum e pouco explorado pela mídia. Mesmo mantendo um relacionamento ou “ficando” continuamente com alguém pode ser que não se esteja gostando tanto ou tão envolvido a ponto de querer namorar ou casar. Observamos durante o filme diversas situações em que um parceiro ama demais o outro e não é correspondido com a mesma intensidade. É uma barbada se identificar com as pequenas tramas do enredo: você já gostou de alguém que não queria nada com você? E se queria, foi um caso excepcional? Você já esteve na situação oposta? Quando alguém está apaixonado por você e você não quer nada com essa pessoa?

Identificações à parte, o filme é baseado no livro de Greg Behrendt/Liz Tuccillo e passeia pelos diversos capítulos do original. Dá para perceber que o livro deve ser de auto-ajuda, porém o filme não chega a tanto. O charme está em trabalhar um tema tão corriqueiro de forma leve e descontraída – óbvio que descontando o fato de apresentar alguns clichês e de ser uma comédia romântica.

Outro ponto inevitável na discussão é o elenco de estrelas, que inclui Drew Barrymore, Scarlett Johansson, Kevin Connoly, Jennifer Aniston, Ben Affleck e Jennifer Connely. O time representa um colírio para os olhos, mas em qualidade de interpretações não acrescentam muito. As pequenas tramas também impedem atuações de destaque.

“Ele Não Está Tão A Fim de Você” é essencialmente feminino, mas isso não impede que o público masculino também encontre graça no projeto. Dando enfoque maior para as versões segundo as mulheres, o filme também se dispõe a mostrar o lado dos homens e por tudo isso, querendo ou não, você acabará se identificando com algum dos casos e, então a simpatia com a produção vai ser imediata.

Nota: 7,6

Franklyn

2009-05-29T13:53:00.000-07:00

São três os personagens de “Franklyn”: Ryan Phillipe interpreta um anti-herói mascarado que vive numa sociedade futurística dominada pela religião; Eva Green é uma estudante obcecada em arriscar a vida em seus projetos de arte para a faculdade e Sam Riley é um jovem que recém foi largado pela noiva e começa a reviver a inocência de seu primeiro amor.

As três figuras só irão conviver no mesmo plano ao final da projeção, quando o sentido de cada história deveria vir à tona. As respostas estão ali, mas ainda assim é meio complicado elaborar a linha do tempo e de suas interferências. Para completar, o fechamento não tem força suficiente para encerrar (e unir) as tramas com “chave de ouro”.

Independente disto, o decorrer do filme é bastante interessante e cada história possui seus pontos altos. A primeira delas é a mais fascinante, principalmente pelo universo gótico de uma direção de arte brilhante que encanta o espectador. Até mesmo as motivações dos personagens são mais justificáveis. Logo em seguida, a trama da estudante suicida também merece atenção – seus vídeos são mórbidos mas incrivelmente belos. Por último e com menor graça é o drama do rejeitado que redescobre uma paixão de criança.

Assim, “Franklyn” é um projeto dividido em partes, facilmente identificáveis. Não rende um filme por completo, porém cada experiência apresenta seu valor. Só assistindo para entender.

Nota: 7,0

Feliz Natal

2009-05-28T11:03:00.000-07:00

Que Selton Mello abandonou a televisão para se dedicar ao cinema todo mundo sabe. Para comprovar isto, vale relembrar a sua última aparição no seriado “O Sistema” (2007), e antes disto em “Os Aspones” (2004). Já nas telas da sétima arte o astro não cansa de trabalhar: em 2008 protagonizou o maior sucesso nacional do ano, “Meu Nome Não é Johnny”, e ainda lançou seu primeiro filme como diretor, este “Feliz Natal”.

Apesar das ótimas críticas e diversos prêmios, o que muita gente não sabe é que “Feliz Natal” é uma tremenda bomba. Aquele tipo de filme que só os críticos gostam. Ao tomar conhecimento do projeto, esperava-se algo mais profundo quando a sinopse é de um cara que depois de anos longe de casa visita sua família desajustada em plena noite de Natal. Ou então, supunha-se que seria algo mais complexo/intelectual vindo dos olhares de Selton Mello.

O resultado é o deslumbramento de um diretor estreante, que opta por planos inusitados, próximos demais dos atores, e a presença de uma câmera inquieta, atordoante. A edição picoteada utiliza imagens entrecortadas que incomodam e quebram o ritmo das cenas. Desconsiderando o péssimo trabalho na direção, o roteiro também não ajuda com um texto fraco, grosseiro e sem atrativos. “Feliz Natal” é um teste de paciência, um filme que cura qualquer insônia. E falo isso com enorme pesar, já que admiro por demais o trabalho de Selton.

Nota: 2,0

Gran Torino

2009-04-13T13:43:00.000-07:00

Clint Eastwood é um rabugesto veterano da Guerra da Coréia que vive em um bairro dominado por imigrantes asiáticos. Após a morte da esposa, ele passa a alimentar uma revolta contra a própria família, o padre que tenta ajudá-lo e os “bárbaros” que moram nas casas vizinhas.

O astro de 79 anos mostra-se completamente à vontade tanto na frente como atrás das câmeras. A direção precisa dá o tom certo para a narrativa tipicamente masculina e sabe trabalhar pouco a pouco com as rachaduras emotivas. O intransigente personagem de Eastwood acaba salvando sem querer a vida de Thao, um garoto oriental que em outra ocasião tentou roubar seu Gran Torino 1972. Surge entre o velho e o moço uma delicada relação.

O projeto foi injustamente esquecido nas principais premiações, e merecia no mínimo algumas indicações – principalmente para a atuação de Clint e sua obra como um todo. “Gran Torino” satisfaz alguns conflitos da trama com certa rapidez (algo inverossímel) e apresenta um bom número de clichês, mas ainda assim é um belo filme. Certamente está entre os melhores de 2008.

Nota: 8,5

A Verdade e Só a Verdade

2009-04-12T13:12:00.000-07:00

Jornalista escreve um artigo para o jornal Sun-Times revelando a identidade de uma agente secreta da CIA e sua mais recente missão na Venezuela. Mesmo sofrendo duras pressões para confessar quem é a sua fonte, ela recusa-se a falar e é presa. O transcorrer do caso é o que acompanhamos nas quase duas horas de “A Verdade e Só a Verdade”, um drama inspirado livremente em uma história real.

O filme suscita muitos questionamentos éticos considerando as atitudes por parte da jornalista, do juri e da CIA. O processo é polêmico por natureza e a produção tenta não julgar as partes envolvidas – por mais que deixe claro ser à favor da mocinha. O pulso firme do diretor Rod Lurie gera um bom andamento para a história mantendo-a sempre interessante. Porém, o brilho é de Kate Benckinsale que na pele da protagonista apresenta uma de suas melhores atuações. “A Verdade e Só a Verdade” não possui intenções de fazer muito alarde entre os lançamentos, mas é uma fita que pode surpreender.

Nota: 7,8

O Efeito da Fúria

2009-04-08T11:54:00.001-07:00

O ponto de partida deste drama é um tiroteio dentro de uma lanchonete. Na sequência, acompanhos por meio de histórias paralelas o que mudou na rotina dos sobreviventes ao trágico acontecimento. O estranho é que algumas das histórias não possuem ligações entre si, outras não apresentam o mínimo propósito e as demais nem chegar a ser abaladas pelo incidente na lanchonete. Ao assistir “O Efeito da Fúria”, sente-se que o roteiro procura filosofar sobre a sociedade americana, mas nunca chega a fazê-lo.

Me pergunto qual foi o interesse de tantos atores conhecidos (Kate Beckinsale, Dakota Fanning, Guy Pearce, Jackie Earle Haley e Josh Hutcherson) e mais alguns recentemente oscarizados (Forest Witaker e Jennifer Hudson) por esta produção. Boa parte dos personagens não necessitava de figuras renomadas para interpretá-los, chega a ser um desperdício de talentos - ainda mais em um filme que não leva a lugar nenhum.

Nota: 4,0

Choke

2009-04-07T13:51:00.001-07:00

É perceptível o estrago que fizeram no texto corrosivo de Chuck Palahnick nesta adaptação da obra “No Sufoco”. O autor de “Clube da Luta” tem seu livro massacrado por uma falta de cuidados e escolhas criativas muito abaixo do óbvio. A narrativa possibilitava tantas liberdades poéticas que é deplorável constatar o resultado frustrante e enfadonho.

Victor Mancini é viciado em sexo, trabalha em um parque temático vestido de vassalo irlandês e costuma afundar grandes pedaços de comida goela à abaixo em restaurantes para se sentir querido. Este é o personagem central de “Choke”, uma comédia de humor negro que funciona nas páginas de Palahnick, mas nas mãos do ator Sam Rockwell isso não acontece.

O astro de “Confissões de Uma Mente Perigosa” e “Os Vigaristas” tentou despontar em Hollywood mas não conseguiu. Porém quando quer, ele é um bom ator e aqui não parece que Rockwell tenha se esforçado: sua interpretação não é nada empolgante. Angelica Huston, como a mãe do personagem alterna bons momentos com cenas robotizadas. Ao geral, dá raiva de assistir o desastre de um texto genial sendo tão mal aproveitado na tela. Os culpados não são só os atores, mas toda a equipe que não consegue realizar uma cena memorável perante a transposição de uma obra de sequências inesquecíveis.

Incrivelmente, o longa foi premiado no Festival de Sundance com o Prêmio Especial do Júri.

Nota: 4,0

Milk - A Voz da Igualdade

2009-04-03T13:47:00.001-07:00

“Milk” dá novo gás para o diretor Gus Van Sant, que deixa um pouco de lado seu experimentalismo de filmes como “Elefante” e “Últimos Dias” para realizar uma produção caprichada e de roteiro no ponto. Sean Penn assume a figura icônica do primeiro político assumidamente homossexual na história dos Estados Unidos. O astro vencedor do Oscar por “Sobre Meninos e Lobos” ganhou seu segundo prêmio da Academia pela ótima interpretação, sem beirar o exagero ou repulsa.

Harvey Milk lutou pelos direitos gays e causou muita polêmica nos anos 70 e nesta cinebiografia sua história é contada com ritmo e envolvendo o espectador na trajetória do personagem. Vale destacar a reconstituição da época, perfeita em figurinos e direção de arte. O elenco coadjuvante merece considerações: Emile Hirsh como assistente de Milk consegue agradar, James Franco cada vez melhor ator merecia mais espaço e Josh Broslin mal aparece e levou uma indicação ao Oscar (!).

Nota: 8,0

Segurando as Pontas

2009-04-02T14:01:00.001-07:00

Olha que nem chapado dá para aproveitar a sessão de “Segurando as Pontas”. O filme foi concebido pela turma de Judd Apatow, que antigamente realizou os ótimos “O Virgem de 40 Anos”, “Ligeiramente Grávidos” e “Superbad”. Após a trilogia, o roteirista, produtor e diretor envolveu-se em projetos sofríveis ou no mínimo questionáveis, como “Quase Irmãos”, “Ressaca de Amor”, “Zohan”, “Meu Nome é Taylor, Drillbit Taylor” e esta produção aqui.

Para começar, “Segurando as Pontas” não é terrível. A ousadia em trabalhar a maconha como um de seus principais temas tinha tudo para render uma engraçadíssima comédia. O resultado é morno. No início até empolga, mas logo desanda pela falta de graça. A extensa duração massacra o filme e as cenas de ação próximo ao final já não possuem chance de levantar a moral do projeto.

Na trama, Seth Rogen trabalha fumando maconha e entregando mandatos judiciais. Após presenciar um assassinato, ele procura seu traficante e acabam os dois sendo perseguidos pelos criminosos. James Franco rouba a cena como o eterno chapado Saul Silver, companheiro de fuga. O restante são poucas cenas merecedoras de atenção, muitas beirando o humor pastelão e com personagens caracturais. Desta vez parecia que Judd Apatow iria acertar. Será que ainda vai demorar?

Nota: 5,5

Simplesmente Feliz

2009-04-01T12:41:00.001-07:00

Entre as baladas produções que concorriam ao Globo de Ouro em 2009 um singelo filme britânico destacou-se pelas indicações como Melhor Comédia e Melhor Atriz. O filme era “Simplesmente Feliz”, que conta a história de Poppy, uma professora de escola primária apaixonada pela vida e que possui um otimismo invejável. Como diz o título, ela considera-se uma pessoa feliz e satisfeita com o que construiu, porém, esse universo harmônico será sacudido pelas interferências de Scott, seu instrutor de direção, que revela-se um homem perturbado e descrente da filosofia de Poppy.

Sally Hawkins está fantástica como a personagem exagerada e merecidamente venceu como Melhor Atriz (Comédia ou Musical) na premiação. Poppy é a alma do filme, mesmo que algumas vezes tome atitudes infantis e irritantes. Ainda assim, estamos frente a frente a uma criatura encantadora que faz com que esse sentimento se espalhe pelo conjunto do filme. “Simplesmente Feliz” tem a intenção de procurar no espectador o mesmo amor que sua personagem transborda na tela. Todos nós possuímos, só falta deixá-lo ativado por mais tempo.

Nota: 7,8

Os Melhores Filmes de 2008

2009-03-30T14:02:00.000-07:00

Estão aqui os 15 melhores filmes lançados no ano passado. Vale esclarecer alguns pontos: a lista está em ordem alfabética e só contém produções cujo lançamento oficial foi em 2008, ou seja, filmes de 2007 que chegaram ao Brasil em 2008 estão de fora. Justamente por isso que excelentes produções como "O Nevoeiro", "Senhores do Crime", "Desejo e Reparação" e "Sweeney Todd" não se encontram na lista. Agora, é só conferir a seleção! Concordar, discordar ou anotar os que ainda faltam assistir! Com vocês, as dicas do que teve de melhor no último ano!

AINDA ORANGOTANGOS

O longa de Gustavo Spolidoro destaca-se perante “Meu Nome Não É Johnny” e “Linha de Passe” - os nacionais mais consagrados do ano - pela filmagem frenética em um único e deslumbrante plano sequência. Atinge o auge pela linguagem experimental em histórias cruzadas que discutem o primitismo beirando a bizarrice.

BATMAN - O CAVALEIRO DAS TREVAS

O avanço de "Batman Begins" para "O Cavaleiro das Trevas" é impressionante. Cristhoper Nolan cria um filme de suspense dentro de uma trama de super-herói. O dono do filme, o Coringa, deita e rola na telona. Heath Ledger está fantástico e sua tese sobre a maldade conduz até o desfecho emocionante.

CLOVERFIELD - MONSTRO

Hollywood finalmente percebeu que em filme de terror/suspense o importante é gerar tensão. Vale mais deixar o monstro no imaginário do espectador do que entregá-lo de mão beijada, sem impacto algum. "Cloverfield" tem tudo que um filme desses pede: sangue, nervosismo, uma criatura cool e um roteiro esperto.

DÚVIDA

Muito mais que um filme sobre pedofilia, “Dúvida” levanta questões referentes ao posicionamento da igreja moderna e ainda faz uma análise sobre como surgem os boatos e as intrigas. A bela fotografia e a majestosa direção com planos por vezes audaciosos contribuem para a elegância visual – nada mais justo para um texto vencedor do prêmio Pulitzer.

ENSAIO SOBRE A CEGUEIRA

Fernando Meirelles reproduziu na tela o que muitos consideravam infilmável. O resultado visual, cuja edição, textura, e trilha sonora são impressionantes, soube traduzir a importante análise de Saramago sobre a convivência em sociedade. Com "Ensaio Sobre a Cegueira", o diretor promove um espetáculo para os olhos (e para mente).

FOI APENAS UM SONHO

Sam Mendes retoma a questão familiar que trabalhou de forma sublime em “Beleza Americana” através do casal Frank e April em “Foi Apenas Um Sonho”. A dupla deseja largar sua vida de subúrbio e tentar a sorte em Paris. Atores, direção e tema contundente brilham em um drama íntimo e bem realizado.

FROST/NIXON

Ron Howard foge do padrão de que filme político tem que ser incompreensível e tedioso, e sendo assim, origina um conjunto harmônico de dados históricos e entretenimento. A construção dos fatos é de fácil entendimento e rende muito mais do que a primeira vista aparenta.

MILK - A VOZ DA IGUALDADE

Cinebiografia do primeiro político assumidamente homossexual na história dos Estados Unidos. Sean Penn assume a figura icônica do personagem com verve, enquanto o diretor Gus Van Saint ganha novo gás em sua filmografia com uma produção caprichada e de roteiro no ponto.

O CASAMENTO DE RACHEL

O hábil diretor Jonathan Demme e sua brilhante roteirista, Jenny Lumet, conduzem este drama sem nunca cair no lugar comum. O ambiente acolhedor gera a empatia do público com os persongens e seus problemas. As atuações de Anne Hathway e Rosemarie DeWitt faíscam na tela. “O Casamento de Rachel” é, sobretudo, verdadeiro.

O CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON

A trajetória de um bebê com a aparência de um idoso que vai rejuvenecendo com o passar dos anos é muito bem desenvolvida e não deixa furos. O filme levanta questionamentos referentes a morte, o amor e o tempo, além de apresentar um talentoso diretor completamente apaixonado pela história.

O LUTADOR

A mistura de realidade e ficção transforma “O Lutador” em um filme comovente, no qual o competente diretor Darren Aronofsky promove a ressureição de um astro. 2009 foi o ano de Mickey Rouke.

QUEM QUER SER UM MILIONÁRIO?

O grande vencedor do Oscar é a obra mais comercial da carreira do diretor Danny Boyle (“Trainspotting”, “Exterminio”). Esta fábula moderna indiana conquista ao misturar açúcar com violência de forma tensa e emocionante.

ROCK´N´ROLLA - A GRANDE ROUBADA

A construção de Guy Ritchie permanece a mesma: edição rápida, violência exarcebada e humor mordaz. O cineasta bebeu de várias fontes para construir seu próprio estilo. “Rock´n´Rolla” é um filme para ninguém colocar defeito, um dos melhores exemplares de ação e, consequentemente, o amadurecimento de um diretor. Que venha a continuação!

TROVÃO TROPICAL

Misturando ação com comédia, “Trovão Tropical” resulta em um filme bacana, que brinca com Hollywood e seus estrelismos, mas que além de tudo, faz o público rolar de rir. Até mesmo a história meio furada funciona na tela. E, para variar, o show é de Robert Downey Jr!

VICKY CRISTINA BARCELONA

Como a maioria das obras que integram a filmografia de Woody Allen, “Vicky Cristina Barcelona” aborda temas simples de forma encantadora, valorizando o texto nas tradicionais sutilezas. O filme é um total deleite: personagens boêmios, muita tensão sexual, belos diálogos, cenas verdadeiramente engraçadas e tomadas de uma Barcelona deslumbrante.

Amigos, Amigos, Mulheres à Parte

2009-03-25T12:15:00.000-07:00

Depois do completo non sense de “Maldita Sorte” e “Zohan” não dá para se esperar mais nada de uma comédia. Esta em particular não é tão bizarra, mas parte de uma ideia nada normal. Tank (Dane Cook) é contratado por ex-namorados para levar as garotas perdidas em encontros terríveis. Traumatizadas, elas voltam para seus companheiros.

A bobagem finalmente atinge o ponto quando Tank é contratado para recuperar (ou assustar) a garota de seu melhor amigo (Jason Biggs). O problema é que o cretino se apaixona por ela. A história inusitada até diverte, levanta algumas risadas, porém a sensação que fica é de assistir um filme completamente vazio. Nem mesmo os atores se esforçam. É triste.

Nota: 6,0

Passageiros

2009-03-24T13:37:00.000-07:00

Quando a história já é batida não dá para abusar da paciência do espectador. “Passageiros” sabe disso e condensa sua existência em 90 minutos. Sábia escolha! A jovem psiquiatra Claire (Anne Hathway) é encarrecada de clinicar cinco sobreviventes de um grave acidente aéreo. O mais enigmático do grupo, Erik (Patrick Wilson), vai levá-la a descobrir a verdade por trás da misteriosa queda do avião, enquanto os demais pacientes começam a desaparecer.

Este intrigante thriller serve para mostrar o quanto a dupla principal é talentosa. Hathway e Wilson impressionam em uma fita simplista, valorizada por atuações dedicadas. Sem atores deste calibre, provavelmente, seria um filme B que passaria despercebido. O final surpreendente funciona e computa maior crédito.

Nota: 7,2

Rock´n´Rolla - A Grande Roubada

2009-03-17T12:29:00.000-07:00

Com “Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes”, o diretor Guy Ritchie foi considerado o imitador de Quentin Tarantino que deu certo. As influências incluem edição rápida, violência exarcebada e humor mordaz. Ritchie bebeu de várias fontes para construir seu próprio estilo. Depois de alguns deslizes na carreira (“Destino Insólito” e “Revolver”), ele volta melhor do que nunca.

A ação se concentra em um grupo de mafiosos que é trapaceado por criminosos menos profissionais. Como já é tradicional em seus filmes, o número de tramas e personagens ultrapassa o normal, tornando complicado descrever a trama. O que importa é que Gerard Butler está hilário e Tom Wilkson encarna o chefão de forma impecável.

O roteiro, também assinado por Ritchie, aposta suas melhores sacadas na comédia, mas não deixa de criar cenas de ação fantásticas. O cuidado com o ritmo é imenso, as cenas nunca são desnecessárias e, o melhor é reservado para o final. “Rock´n´Rolla” é um filme para ninguém colocar defeito, é o amadurecimento de um diretor e seu estilo. Que venha a continuação!

Nota: 9

Por Amor

2009-03-16T13:24:00.000-07:00

Este filme pode ficar marcado pela estreia de Ashton Kutcher em um papel sério. Seu desempenho difere do jeito bobalhão, estabanado e histérico de seus outros trabalhos. O astro rouba a cena como um personagem mais íntimo e deixa sua parceira de cena para atrás.

Kutcher interpreta Andrew, um jovem tímido que retorna à cidade natal após receber a notícia do assassinato de sua irmã. Inconformado, espera que o suspeito pelo crime receba da justiça a pena que merece. Assim, nos corredores do forum, ele conhece Linda (Michelle Pfeifer), que também perdeu uma pessoa querida. Ela teve seu marido assassinado pelo amigo e acompanha no tribunal o julgamento. Ambos fragilizados encontram forças um no outro para superar suas perdas.

"Por Amor" poderia ser um drama contundente sobre essas feridas que nunca cicatrizam, mas opta pelo óbvio quando introduz um romance que, por mais que faísque na tela, não deveria ser abordado como o prato principal. Os crimes que destroíram a vida dos protagonistas renderiam um projeto melancoólico e mais profundo do que a banalidade comprovada ao final.

Nota: 6,0

A Promoção

2009-03-12T13:00:00.000-07:00

O roteirista do ótimo “O Sol de Cada Manhã” ganha a chance de mostrar seu talento também no comando de uma produção. Este longa-metragem conta a história de dois sujeitos que disputam um cargo na gerência da filial de um supermercado. Ambos fazem inúmeros planos caso sejam escolhidos. Ao invés de cair na comédia pastelão, a competição dos funcionários torna-se mais dramática.

Doug Stauber, interpretado por Sean William Scott, quer deixar de cuidar dos insuportáveis problemas do trabalho, como as gangues que geram confusão no estacionamento ou ainda, as fichas de reclamações dos clientes. Ele sonha em mudar-se do minúsculo apartamento para uma casa decente, junto com sua namorada. O mais deprimente é que uma simples promoção, com um salário pouco maior, já representa muito na vida destes dois homens, um pai de família e o outro querendo construir uma.

Sean William Scott é eficiente como protagonista e mostra ser um bom ator dramático. O diretor Steve Conrad, que também assina o roteiro, só poderia entregar uma obra como esta. O filme possui muitas características em comum com “O Sol de Cada Manhã”, apresentando o mesmo clima de filme (semi) independente e ainda, criticando o capitalismo que gera situações como esta.

Nota: 8,0

Marido por Acaso

2009-03-11T11:50:00.000-07:00

Emma Lloyd (Uma Thurman) é uma radiasta que dá conselhos amorosos num popular programa feminino. Tudo está indo bem na sua vida: o talk show atinge bons níveis de audiência, ela conseguiu lançar seu primeiro livro de auto-ajuda e, ainda, está prestes a se casar com o bom-partido Richard (Colin Firth). Pouco antes do “grande dia” ela descobre que está casada civilmente com outro homem. Surpresa, Emma procura o estranho para anular a infundada união. Porém, quando conhece o encantador Patrick, ela fica na dúvida com qual dos dois deve subir ao altar.

Naturalmente, o filme é previsível. O trio protagonista segura as pontas, mas não tira a produção do básico. “Marido por Acaso” é ideal para aqueles que não se enjoam de assistir as mesmas comédias românticas.

Nota: 7,0

O Dia Em Que a Terra Parou (2008)

2009-03-10T16:35:00.000-07:00

Assim como seu companheiro “Guerra dos Mundos”, esta refilmagem foi massacrada pela crítica especializada, que vem mostrando-se cada vez mais preconceituosa quando o assunto é ficção científica no cinema. A pontuação fica ainda pior ao constatar que o longa é refilmagem de um clássico.

Esta nova versão do filme de 1951 conta praticamente a mesma história: o alienígena Klaatu chega ao nosso planeta para alertar sobre uma crise global. Os humanos enxergam a visita como uma ameaça e preparam-se para o ataque. A cientista Helen Benson ajuda o estrangeiro a completar sua missão.

O extraterrestre que chega à Terra em forma humana tentando se adpatar ao diferente corpo é bem interpretado por Keanu Reeves. As limitações artistícas do ator contribuem para a falta de expressão do personagem. Os efeitos especiais podem receber duras críticas por pecar em raros, mas determinantes momentos. O restante é bem feito, como o clima de tensão e o interesse do espectador que permanecem em igual frequência.

A mensagem do projeto segue em evidência, mostrando-se ainda atual, porém o remake não pode ser comparado ao original. "O Dia Em Que a Terra Parou" (2008) é blockbuster, então não dá para ter grandes expectativas. Se fores assim para o cinema, dificilmente irá se decepcionar.

Obs: Embora tenha sido citada no começo do texto, "Guerra dos Mundos" (2006) é uma adaptação muito superior a esta aqui.

Nota: 7,5

Marley e Eu

2009-03-09T12:40:00.001-07:00

Marley é mesmo o pior cão do mundo. Ele rasga o sofá, come tudo que vê pela frente, não pára de latir, se joga na piscina cada vez que tem a oportunidade, dorme em cima da cama … enfim, suas travessuras não possuem limites. A história do mascote é verdadeira e, como todos já deveriam saber, o filme é baseado no livro do jornalista John Grogan.

A vida ao lado de Marley é um pesadelo tão grande que o casal adotivo (Owen Wilson e Jennifer Aniston) chega a cogitar livrar-se do infernal cachorro de uma vez por todas. Claro que isso não acontece. Ao mesmo tempo que Marley gera terror por onde passa, ele é um animal adorável. Essa dualidade permeia todo roteiro e torna-se mais interessante quando o dono aproveita as peripécias do bichano para sua coluna no jornal de Michigan.

A trama bastante simples aposta na identificação das pessoas com o cachorro, já que é difícil encontrar quem não teve um ou desgosta deles. Então, o público é conduzido, aos poucos, para o trágico final e certamente será levado pelas emoções. “Marley e eu” é um filme correto e respeita a fórmula básica – apesar de ousar em uma sequência acelerada, que é cópia descarada de “Regras da Atração”. No mais, é um bom filme.

Nota: 7,2

What Just Happened

2009-03-05T10:13:00.001-08:00

Eu que pergunto! O que está acontecendo??? Robert DeNiro mais uma vez se mete em roubada. E se não bastasse, levou com ele um super time de estrelas: Sean Penn, Catherine Kenner, John Turturro, Robin Wright Penn, Kristin Stewart e Bruce Willis. Porém, quem sai pior da experiência é o astro principal.

Baseado no livro de Art Linvin, a produção narra as peripécias reais de um produtor de cinema em Hollywood. DeNiro interpreta o charmoso protagonista e, incrivelmente, é um de seus melhores papéis nos últimos anos. O entrave do projeto é a chatisse do roteiro, que não faz a crítica que tanto alarde e muito menos diverte.

A consequência é um entretenimento praticamente vazio – triste para o diretor de pérolas como “Bugsy”, “Rain Men” e “Mera Coincidência”. Ainda mais prejudicado é o ator que encabeça o longa, já que aos poucos vai perdendoa confiança do público ao demonstrar ser péssimo em escolher novos projetos.

Nota: 5,0

Modelos Nada Corretos

2009-03-04T09:42:00.000-08:00

O modelo de comédia norte-americana parece que não muda. Todo ano estréiam dezenas de exemplares do gênero no mesmo formato, com piadas grosseiras e programadas, de tom humilhante ou de personagens bizarros. O mesmo acontece com esta aqui, só que temos alguns diferenciais.

A dupla Sean William Scott e Paul Rudd está numa ótima sintonia e suas tentativas de fazer rir são bem sucedidas. Os dois são vendedores de uma marca de energético e trabalham percorrendo escolas para apresentar o produto e fazer campanha contra o consumo prejudicial de álcool. Enquanto um se fantasia de minotouro, o símbolo da bebida, o outro ensina a gurizada. A reviravolta surge quando estragam o caminhão da empresa e, para não serem presos, são condenados a cumprir 150 horas de serviço comunitário como mentores de jovens. Cada um fica responsável por uma criança.

É um alívio assistir uma comédia que consegue prender o público e proporcionar um bom divertimento. A última safra (“Quase Irmãos”, “Ressaca de Amor”, “Pagando Bem, Que Mal Tem”, “O Guru do Amor”) deixou muito a desejar. “Modelos Nada Corretos” é aquela típica comédia que você já viu, sabe de cor o que vai acontecer, mas que ainda assim diverte. Além disso, no fundo, é um filme com coração, bonitinho mesmo.

Nota: 7,8