Crítica: Paranorman

Misturando comédia e terror, “Paranorman” mostra-se uma animação um tanto interessante. Reúne elementos de filmes de horror – aí vale-se de algumas referências – com a comédia pastelão comum às produções infantis. Em sua estética, aposta em traços à la Tim Burton, explorando um universo sombrio que envolve espíritos, zumbis e uma bruxa malvada. Se por um lado acerta na direção artística e no argumento do roteiro, por outro, perde uma oportunidade preciosa de ser um entretenimento nerd, com apreciação também pelos adultos.

Na trama, Norman é um garoto que consegue ver e falar com fantasmas. Ele sofre bullying na escola e não tem amigos, justamente, por ser diferente dos demais. Mesmo sem ser o cara mais popular, está sempre acompanhado: em casa, pelo espírito de sua vó e, na rua, pelos diversos seres ainda presos ao plano terrestre. A aventura de Norman inicia quando seu tio – que possui o mesmo dom – o alerta sobre uma antiga maldição que será despertada naquela noite. Sem conseguir impedir que a desgraça venha à tona, o rapaz tentará salvar a cidade do retorno de mortos-vivos e do espírito de vingança de uma menina que foi considerada bruxa no passado.

O charme da produção concentra-se nas pequenas homenagens aos filmes de terror, como os créditos de abertura e de encerramento que reproduzem os filmes B do gênero. Além desse exemplo, tem-se ainda a fascinação do protagonista por filmes de zumbis, possuindo despertador, pantufas, cartazes, escova de dentes e outros objetos referentes aos monstros. O roteiro também ironiza a estupidez dos mortos-vivos em cenas divertidas. É o caso da sequência em que um personagem, prestes a ser devorado pelas criaturas, espera o salgadinho cair de um máquina automática para depois correr.

No geral, as referências ao macabro não sustentam o projeto. Ainda mais, o filme mantem um tom comedido para não assustar os espectadores menores. Não há sustos. Também fica carente de piadas inteligentes no estilo da Pixar. “Paranorman” segue a cartilha previsível de uma animação tipicamente infantil e, por isso, seu destino acaba sendo as crianças, que vão curtir a atmosfera “sinistra” e, de quebra, aprender/reforçar uma mensagem importante: deve-se sempre aceitar as diferenças. O resgate à trabalhosa técnica de stop-montion acrescenta uma graciosidade extra ao projeto.

Nota: 6

Crítica: Cinco Anos de Noivado

O jovem casal Vic (Emily Blunt) e Tom (Jason Segel) decide se casar. Ao começar o planejamento da cerimônia, ela recebe uma carta da Universidade de Michigan com a oferta irrecusável de um emprego com validade de dois anos. Para não perder a oportunidade, os dois mudam-se de cidade e optam por adiar o casamento pelo período. Este será o primeiro empecílio do casal. Muitos ainda virão, porque, não por menos, o título dessa história é “Cinco Anos de Noivado”. Acompanhar os altos e baixos desse relacionamento é uma experiência interessante, cansativa e carismática.

O roteiro escrito por Segel e Nicholas Stoller (“Ressaca de Amor”), que também dirige o longa-metragem, é calcado na atual realidade em que ambas figuras do casal possuem individualmente suas carreiras profissionais – o que pode gerar conflitos. Tom, por exemplo, abdicou do cargo de chef de cozinha para morar com a noiva em uma cidade do interior que não tem apresenta um mercado em desenvolvimento para a gastronomia. O filme, ao abordar temas da vida moderna, representa novos impasses que se apresentam frente a instituição do casamento – esta que já não demonstra a mesma importância do passado.

No filme, a cerimônia simboliza o final feliz para os protagonistas. O problema é que esse encerramento parece ficar cada vez mais difícil ao passo que o casal cria lentamente uma distância entre si. Dessa forma, a comédia romântica insere uma pitada amarga quanto o desgate dos relacionamentos, promovendo perguntas como “Por que adiamos as coisas? Nunca estamos satisfeitos? Estamos sempre esperando um melhor momento?”.

Enquanto tentam resolver seus problemas antes de casar, Tom e Vic acabam esticando a duração do longa-metragem, deixando-o massante para o público. Inevitavelmente, a trama extensa de mais de duas horas torna-se cansativa – o que salva é o carisma absurdo de Emily Blunt, que ilumina cada uma de suas cenas. Um bom corte na edição resolveria esse problema. Fora isso, Cinco anos de noivado encerra em alta e consegue fazer uma análise válida sobre as relações humanas. Só é preciso ter um pouco de paciência.

Nota: 6,5

Crítica: Ruby Sparks - A Namorada Ideal

Quem nunca imaginou como seria o seu par perfeito? Um homem ou uma mulher de seus sonhos? Em “Ruby Sparks – A Namorada Ideal”, o jovem escritor Calvin Weir-Fields (Paul Duno) cria para o seu próximo livro uma personagem feminina tão encantadora que acaba se apaixonando pela garota da ficção. Como uma travessura do destino, a musa das páginas se materializa, saindo de sua mente, para a vida real. A partir dessa premissa, o filme explora a idealização do ser amado, brincando com os conceitos de perfeição e destino.

Dirigido por Jonathan Dayton e Valerie Faris, do sucesso “Pequena Miss Sunshine”, o longa-metragem possui uma aura indie e realista – apesar de ser um conto de elementos fantásticos. A história não se exime da possibilidade de Calvin interferir nas ações de Ruby (Zoe Kazan), sua criação. Em cada momento que o protagonista encontra-se insatisfeito com os rumos de seu romance, ele escreve as atitudes que espera da namorada, moldando-a à sua vontade. Aos poucos, calvin vai aprender que vale mais a pena deixar a vida ter seu rumo próprio.

Na pele do casal principal, Paul Duno e Zoe Kazan demonstram a química necessária ao projeto. Tarefa extremamente fácil já que os dois são namorados fora das telas. Enquanto Duno conquistou seu espaço em produções como “Sangue Negro”, Kazan tem no currículo pequenas participações em dramas e comédias, mas ainda é desconhecida do grande público. Neta do consagrado cineasta Elia Kazan, a jovem prodígio também assina o roteiro de “Ruby Sparks” e, por seu talento frente às câmeras e na produção, tem tudo para despontar na indústria cinematográfica.

“A Namorada Ideal” é uma combinação do romantismo de “500 dias Com Ela” com o realismo fantástico de “Mais Estranho Que a Ficção”. Uma fórmula relativamente original (longe de muitos clichês do gênero) que não poderia dar errado. Esta comédia romântica terna e inteligente mostra o quanto o amor pode ser mágico e, que apesar da realidade não ser aquela que esperamos, a perfeição encontra-se justamente na imperfeição.

Nota: 7,7

Crítica: Ted

Um urso boca-suja desbancou concorrentes de peso e garantiu vaga no ranking das maiores bilheterias do ano. “Ted” é o sucesso surpresa de 2012, com mais de 470 milhões de dólares arrecadados pelo mundo, tornando-se a comédia número 1 entre aquelas com classificação R (proibida para menores de 18 anos). O segredo do filme está nos diálogos espertos preenchidos por um humor sarcástico e infame, na maior parte das vezes proferido por um fofo bichinho de pelúcia.

Na produção da Universal Pictures, Mark Wahlberg interpreta John, um adulto infantilizado, que ainda não encontrou seu lugar no mundo. Quando criança, ele ganhou um urso de presente e pediu a uma estrela cadente que Ted fosse seu amigo. A partir disso, o brinquedo ganha vida e transforma-se em celebridade. Trinta anos depois, John trabalha como balconista em uma loja de aluguel de carros e Ted, sem a fama do passado, virou um vagabundo profissional. O impasse surge no momento em que Lori (Mila Kunis), a namorada de John, pede que o urso saia de casa para ter sua independência.

A comédia marca a estreia de Seth MacFarlane no cinema, o criador da série televisiva “Family guy”. O diretor e roteirista, que costuma atacar a moral e o conservadorismo americano, recebeu críticas fervorosas por incentivar as drogas e a vida fácil, sem estudo ou emprego, como foi o caso polêmico do deputado Protógenes Queiroz que se pronunciou revoltado no Twitter. O feito só incentivou a repercussão do filme e o aumento de sua arrecadação no Brasil.

Tanto alvoroço se justifica porque Ted é um urso que aparece cercado de prostitutas, fumando maconha, bebendo cerveja, falando inúmeros palavrões, dirigindo carro usando celular, apalpando seios de uma mulher e simulando sexo com um picolé e uma máquina registradora, além de disparar comentários preconceituosos. Curiosamente, esse conjunto de piadas ácidas funciona tão bem que as gargalhadas são involuntárias. E afeição com uma critura adorável e grotesca torna-se imediata.

“Ted” é um filme ousado, que segue à risca a cartilha das piadas policamente incorretas e aproveita-se de referências da cultura pop (Susan Boyle, Flash Gordon, Superman, Katy Perry e outros) para tirar muito sarro. A história de amizade com doses de humor negro e pastelão virou sensação nos cinemas e sua continuação está aprovada. Extremamente engraçado, o filme pode ser considerado, junto a “American Pie - O reencontro”, uma das melhores comédias do ano.

Nota: 8,1

Crítica: Até a Eternidade

Os maiores atores franceses da atualidade estão reunidos na produção “Até a Eternidade”, de Guillaume Canet, sobre um grupo de amigos que passam as férias em uma casa da praia. Marion Cotillard, François Cluzet, Gilles Lellouche e o vencedor do Oscar por “O Artista”, Jean Dujardin, integram o excepcional elenco. A produção de 2010 foi um dos principais sucessos de bilheteria dos últimos anos na França, com arrecadação de 44 milhões de dólares, e, após dois anos de atraso, finalmente chega ao circuito brasileiro. Um filme envolvente que trata de forma sincera e verdadeira diferentes assuntos, como relacionamento, homossexualidade, casamento, morte e, claro, amizade.

Na trama, um grupo de adultos formado por homens e mulheres entre 30 e 50 anos encontra-se anualmente na casa de veraneio do anfitrião Max (Cluzet). O encontro é um ritual para esses companheiros de longa data. Porém, desta vez, a viagem tem um gosto amargo: um dos companheiros, Ludo (Dujardin), sofre um acidente de moto e vai para o hospital em estado grave. Mesmo com a fatalidade, o grupo decide manter a reunião de férias sem a presença do amigo. Entre almoços, passeios de barco, partidas de futebol, jantares e conversas íntimas, segredos e mentiras que contam entre si acabarão sendo revelados. E, num último estágio, a indiferença ou a impotência quanto ao ocorrido com Ludo será colocada à prova.

O maior mérito de “Até a Eternidade” é a sólida construção de personagens, que faz as duas horas e meia de duração passarem sem que se perceba. São figuras bem definidas, com personalidades desenvolvidas com precisão a ponto de o espectador esperar a exata reação de cada um deles perante os fatos. Essa característica deve ser atribuída a Canet, que, além da direção, assina o roteiro. Talvez seja por isso que a personagem feminina de maior destaque ficou a cargo de sua esposa, Marion Cotillard – sempre competente em cena.

Inevitavelmente, o filme é comparado ao clássico “O Reencontro”, longa-metragem de 1983 que reúne um grupo de amigos no funeral de um deles. O título concentra grandes astros americanos: Kevin Kline, Glen Close, Tom Berenger, William Hurt e Jeff Goldbum. Canet assume sua inspiração no passado e sai vitorioso por conseguir criar um projeto próprio. Atualiza os conflitos para os dias de hoje, como quando introduz a história de Vicent (Benoît Magimel), casado e pai de dois filhos, que passa a sentir atração pelo amigo Max. Aliás, esta é uma das mais emocionantes narrativas que integram o filme.

A trilha sonora de “Até a Eternidade” merece um destaque em especial - semelhança que também divide com “O Reencontro”. Uma seleção de sucessos de Janis Joplin, David Bowie, The Isley Brothers, The Band, Damien Rice, Ben Harper e Jet embala as cenas dos amigos franceses. E nesse decorrer de situações casuais, a produção faz rir e chorar com a mesma intensidade. Apesar de se basear em alguns clichês e ter um jeitão de novela, consegue capturar o espectador desde a primeira cena, com um belo plano sequência. Ao final, é difícil se despedir do convívio com personagens que se tornam tão familiares.

Nota: 8

Crítica: Moonrise Kingdom

O novo filme de Wes Anderson segue a mesma e deliciosa cartilha utilizada em "Os Excêntricos Tenembaums", "A Vida Marinha com Steve Zissou", "Viagem a Darjeeling" e "O Fantástico Sr. Raposo". Os quatro são considerados “filmes de diretor”, em que o cineasta imprime uma marca própria e inconfundível. Na elaboração de seus projetos, Anderson costuma utilizar como figuras centrais pessoas esquisitas, desajustados sociais, fracassados. Para constituir esse universo geralmente melancólico, introduz uma fotografia que abusa da paleta de cores e aposta em trilha sonora composta por faixas dos anos 1960 e 1970. O cinema de Anderson permanece peculiar em "Moonrise Kingdom", produção em tom de fábula infantil sobre o primeiro amor.

A história se passa em 1965, em uma ilha da costa da Nova Inglaterra, onde dois jovens de 12 anos, Sam (Jared Gilman) e Suzy (Kara Hayward), se apaixonam. O casal decide fugir. Enquanto se aventuram vivendo na floresta, autoridades locais tentam localizar as crianças que sumiram. O filme consegue ir além da destemida fuga dos enamorados e apresenta surpresas para o seu segundo ato. Grande elenco integra o projeto: Bill Muray e Frances McDormand interpretam os pais de Suzy, Bruce Willis é o xerife que comanda as buscas, Edward Norton atua como o chefe do grupo de escoteiros e Tilda Swinton assume como a assistente social. Ainda tem participações especiais de Harvey Keitel e Jason Schwartzman.

Apesar de tantos astros na produção, os protagonistas são os estreantes Gilman e Hayward, totalmente encantadores como o jovem casal. Eles são os responsáveis por apresentar uma visão inocente e pura sobre o amor. Através desse delicado universo, o diretor proporciona um retrato sobre o período entre a infância e a adolescência, utilizando como metáfora o fato de estarem isolados em uma ilha. E, em cada frame, imprime sua plasticidade sedutora e particular, transformando o filme em uma peça gráfica de um charme estético irresistível.

"Moonrise Kingdom" é uma história de amor infantil que vai do triste ao engraçado, da aventura ao drama, do romântico ao esquisito. Entre seus acertos, cabe destacar a aposta em uma fórmula mais doce do que o habitual gosto pelo azedo do diretor. Com uma carreira de sucesso, de inúmeros elogios por onde é exibido, o filme apresenta-se como um forte concorrente ao Oscar 2013. Sem dúvidas, é uma obra de arte apaixonante, que resgata um espírito de aventura juvenil e a poesia do primeiro amor. Deve se tornar o principal projeto de Anderson a ser lembrado no futuro.

Nota: 8,4

O Que Esperar Quando Você Está Esperando

Manual básico para qualquer casal grávido, o livro “O Que Esperar Quando Você Está Esperando” tornou-se um sucesso imediato, com mais de dez milhões de cópias vendidas em todo o mundo. Tamanho êxito não passaria em branco por Hollywood, que encomendou uma versão para o cinema do best-seller escrito por Heidi Murkoff, Arlene Eisenberg e Sandee Hathaway. Um superelenco dá vida a várias histórias que retratam experiências dramáticas e divertidas com a gravidez.

O filme de Kirk Jones transforma as dicas do livro em cinco narrativas: Holly (Jennifer Lopez) quer muito adotar uma criança, mas seu marido (Rodrigo Santoro) possui dúvidas quanto à tarefa de ser pai, Jules (Cameron Diaz) é a estrela de um programa televisivo sobre emagrecimento e, de surpresa, fica grávida do atual namorado Evan (Matthew Morrison), Wendy (Elizabeth Banks) consegue engravidar após inúmeras tentativas, porém, ela perceberá que a gestação não será nada fácil, o sogro de Wendy (Denis Quaid) acaba de casar com a jovem Skyler (Brooklyn Decker), que está esperando gêmeos, e, por fim, Rosie (Anna Kendrick) envolve-se por uma noite com o sedutor Marco (Chace Crawford) e passa a esperar um filho dele.

O emaranhado de episódios, como de costume, apresenta seus altos e baixos. A melhor história é protagonizada por Banks, que abusa da comédia para mostrar como a gravidez pode ser massacrante. Em oposição, a trama que envolve Kendrick não é bem aproveitada, repercutindo em um romance sem graça e de pouca relação com a ideia central do filme. Nessa mesma linha, o núcleo envolvendo Diaz é completamente dispensável. Alguns momentos cômicos salvam a presença do enredo de Decker no projeto.

A parte que discute a adoção, protagonizada por Lopez e Santoro, oscila entre humor raso e cenas emocionantes, como aquela em que o casal encontra pela primeira vez a criança que será seu filho. O ator brasileiro destaca-se em um papel de relativa importância para a trama e apresenta um bom e convincente desempenho. Pena que ele participe de situações vergonhosas, como a do grupo de homens que se une para cuidar de seus bebês. Uma bobagem completa, principalmente quando Joe Manganiello entra em cena como um ganharão que todos veneram.

“O Que Esperar Quando Você Está Esperando” pode ser um guia literário bastante útil para os futuros pais, porém, como cinema não encontra essa relevância. É apenas um retrato pouco aprofundado e repleto de clichês sobre a gravidez. São poucos momentos que o salvam da completa inutilidade. O filme é recomendado para as plateias femininas e casais que estão vivenciado essa etapa da vida. Do resto, não vale tanto a espera por assistir.

Nota: 5,0

Crítica: 360

Um quebra-cabeças formado por numerosos personagens não é novidade no universo da sétima arte. Desde as sete indicações ao Oscar de Babel, a narrativa chamada de multi-plot (literalmente “multienredo” ou “enredos múltiplos”) foi experienciada por diversos cineastas. Porém, nem todos conseguiram o feito de Alejandro Gonzáles Iñarritu ao enlaçar os diversos núcleos de maneira orgânica. Utilizando praticamente o mesmo formato, o diretor Fernando Meirelles realizou o despretencioso longa-metragem 360, um passeio por nove histórias passadas nos Estados Unidos, Eslováquia, Inglaterra, França e Áustria. O filme, apesar de inconstante, apresenta um resultado satisfatório.

O giro pela vida dessas figuras inicia com uma garota tirando fotos para um site de agenciamento de prostitutas. Jude Law interpreta o executivo que contrata o serviço da novata e está prestes a trair sua esposa (Rachel Weiz). Não por menos, ela tem um caso com um fotógrafo brasileiro (Juliano Cazarré), recém-abandonado pela namorada após descobrir sua infidelidade. A jovem traída (Maria Flor) embarca em avião e conhece um homem obcecado pelo desaparecimento da filha (Anthony Hopkings). No aeroporto, flerta com um ex-presidiário (Ben Foster), acusado de agressão sexual. Soma-se ao conjunto, o motorista de um gângster russo, a esposa dele que está apaixonada pelo chefe dentista e, para completar o ciclo, a irmã da garota de programa lá do início.

As inúmeras tramas paralelas possuem apenas um objetivo: confirmar que estamos todos conectados, já que a decisão de um afeta a dos demais, independentemente de onde estejam. Em oposição a Babel, o filme de Meirelles não ambiciona discutir questões mundiais. O foco é no retrato íntimo de pessoas comuns, com os personagens dividindo o mesmo sentimento de melancolia, pois a maior parte deles encontra-se insatisfeito com suas escolhas. O roteiro de Peter Morgan (A rainha, Frost/Nixon) cruza essas histórias pessoais e oferece destinos curiosos, influenciados pelo mantra que rege a produção: “apenas vivemos uma vez”.

Em certos momentos, a combinação de muitos enredos fica desarmônica. Conflitos essenciais da trama são resolvidos com uma praticidade anormal. É o caso da personagem de Maria Flor, que sofre uma forte decepção e se recupera num estalar de dedos. O mesmo ocorre com o casal em crise formado por Law e Weiz, distantes um do outro nas primeiras cenas e apaixonado instantes depois. Um fato interessante é que a narrativa concentra-se mais nos núcleos dos artistas menos conhecidos do público, deixando de se aprofundar justamente nos contos dos quatro atores que estampam o cartaz do filme.

O renomado diretor brasileiro mergulha em casos simples, do dia a dia, e imprime sua técnica impecável atrás das câmeras, conferindo à produção um clima urbano e contemporâneo urgente. O projeto tem seu ápice nos 40 minutos iniciais, com um desenvolvimento impecável no entrosamento das histórias. Ganha fôlego novamente com um discurso emocionante de Hopkings e chega a apostar em um eficiente cinema de suspense e ação no encerramento. Ao final, esse envolvente giro de 360º pelo universo de diversas pessoas reforça uma mensagem essencial: não deixar a vida passar sem usufruir dela cada segundo.

Nota: 7,8

Crítica: Rock of Ages

"Rock of Ages" é um guilty pleasure (misto de prazer com culpa). O musical da Broadway que ganhou versão cinematográfica dirigida por Adam Shankman ("Hairspray") possui diálogos ruins, trama clichê, ritmo irregular e atuações artificiais. Porém, por outro lado, as cenas são contagiantes, as músicas deliciosas e a atmosfera dos anos 80 é visualmente encatadora. Apesar dos problemas, o filme é um prato cheio para quem gosta de musicais – e, principalmente, para quem curte o som das guitarras.

Considerado um jukebox musical, "Rock of Ages" utiliza canções populares previamente lançadas para contar sua história. As mais de 25 faixas que integram os números coreografados são conhecidas do público: sucessos de Dep Leppard, Bon Jovi, Foreigner, Journey, Poison, Twisted Sister e outros clássicos do rock da década de 1980. A produção ousa e promove mashups interessantes, oferecendo maior dinamismo e um ar contemporâneo para o projeto.

O filme acompanha dois jovens sonhadores, Sherrie (Julianne Hough) e Drew (Diego Boneta), que tentam a carreira musical em Los Angeles. Os dois se conhecem na Sunset Strip e acabam trabalhando juntos no bar do rock, o famoso The Bourbon Room, administrado por Dennis Dupree (Alec Baldwin). A casa se prepara para receber o último show do astro Stacee Jaxx (Tom Cruise), antes de deixar a banda Arsenal e trilhar carreira solo. No papel de vilã, a carola Patricia Whitmore (Catherine Zeta-Jones) é a esposa do prefeito que mobiliza a cidade para banir o rock.

De todo elenco, Tom Cruise é disparado o melhor em cena. Sua caracterização como Stacee Jaxx é incrível, uma mistura de Bon Jovi com Axel Rose. Quando está no palco, o artista brilha em suas performances musicais, evocando "Wanted Dead or Alive" e "Pour Some Sugar on Me". Catherine também está admirável, vide o show que oferece em "Hit Me With Your Best Shot", mas não tão fenomenal como esteve em outro musical, "Chicago". Enquanto isso, o lindo casal protagonista (Hough e Boneta) esforça-se para convencer e sustentar o desenrolar bobo de seus personagens, mas tudo soa pouco natural. Já o restante dos atores parece divertir-se com o clima alegre de danças e cantorias.

"Rock of Ages" é uma grande brincadeira. Não se leva a sério em nenhum instante, promovendo piadas constantemente - a principal delas vem de Dupree e seu “ajudante” Lonnie (Russell Brand). O projeto tem sua força no poder das músicas e no carisma dos astros. Divide com "Nine" um resultado semelhante: os dois são cheios de equívocos, mas ao mesmo tempo, maravilhosos. As duas horas de duração chegam ao final deixando a sensação de que poderiam ser mais enxutas. Porém, o filme é um musical delicioso de assistir, independente que não tenha profundidade ou carga dramática intensa. O alvo de "Rock of Ages" é registrar as aspirações de uma geração, com som e imagens pulsantes.

Nota: 7,8

Crítica: American Pie - O Reencontro

Um grupo de amigos dispostos a tudo para perder a virgindade antes do baile de formatura marcou o retorno das comédias adolescentes picantes para as novas gerações. "American Pie - A Primeira Vez é Inesquecível" foi um tremendo sucesso em 1999 e rendeu duas sequências com o elenco original e quatro títulos lançados diretamente em vídeo. Treze anos depois do primeiro filme, Jim e sua turma voltam para conferir um nostálgico e hilário capítulo final à série com "American Pie - O Reencontro".

Os icônicos personagens precisam encaram a vida adulta nesta nova produção. Jim e Michelle estão casados e têm um filho de dois anos, o que faz com que se afastem sexualmente. Kevin também é casado e interpreta o marido exemplar. Oz virou apresentador de um programa esportivo na televisão e namora uma modelo. Finch mantém contato apenas pelo Facebook, postando fotos em diversos países do mundo. Todos eles, incluindo o incorrigível Stiffler, irão se encontrar para a festa de reunião da turma de 1999.

Apesar do humor escrachado, vulgar e grosseiro que não poderia faltar, o projeto apresenta maturidade ao mostrar que os tempos mudaram. Na casa dos trinta anos, todos agora possuem responsabilidades, seja com a esposa, com o filho, com o trabalho ou com as demais escolhas que foram feitas nesse caminho. O filme faz questão de revisitar amores antigos e boas lembranças que a turma viveu. Existe uma busca pela satisfação e felicidade em cada um deles, aspirações urgentes que os jovens tanto almejam atualmente.

A aura que cerca o projeto é de nostalgia ao observar um autêntico reencontro - porque, além de reunir personagens, é a união de atores que tiveram suas carreiras lançadas pelo sucesso do original. E, para o público, que se divertiu com essa turma durante a adolescência, revê-los é um terno prazer. A identificação vem ainda de qualquer pessoa que integrou um forte grupo de amigos durante a escola.

O novo "American Pie" é um filme de grupo. Com um roteiro muito bem executado, promove o retorno de todos os personagens da série, mantendo-se fiel às suas características e conferindo a devida importância a cada um deles na conclusão. Incluindo nesse conjunto, os característicos (e constrangedores) diálogos entre Jim e seu pai - aliás, o veterano é responsável por cenas impagáveis nessa produção.

Quem, para variar, rouba a cena é Sean William Scott como Stiffler. Ele é o único que não mudou: continua festeiro, sacana e conquistador. Stiffler não se enquadra nessa nova realidade e não consegue lidar bem com as dificuldades da vida, permanecendo um adolescente. O interessante é que o roteiro valoriza sua figura e o coloca como a essência de que todos perderam, de quem eles eram anteriormente.

"American Pie - O Reencontro" consegue trazer de volta toda loucura da juventude e proporcionar muitas gargalhadas. Um resultado admirável para o oitavo filme de uma série de comédia. É ao mesmo tempo perceber e não perceber que o tempo passou. É reencontrar uma turma que fez parte da nossa vida, tanto na tela como nas memórias pessoais. É rever um divertido passado que deixamos para trás.

Nota: 8,4

Crítica: O Segredo da Cabana

A sinopse é a mesma: grupo de amigos viaja para lugar inóspito e é aterrorizado por assassino/criatura que os mata um a um. "O Segredo da Cabana" parte de uma premissa comum, mas subverte os clichês do terror com uma reviravolta surpreendente e apoteótica. O cartaz, o trailer e a primeira cena do filme entregam de imediato que tudo é, na verdade, um sádico experimento. Ir além disso estraga a surpresa ou, melhor, a revelação do tal segredo. 

Na trama, cinco amigos decidem passar o final de semana em uma cabana no meio da floresta. A viagem de diversão e descanso começa a ficar esquisita logo na primeira parada: um posto de gasolina desativado. Recebidos com hostilidade pelo proprietário do estabelecimento, os jovens são advertidos que o retorno de Tillermane não será tão simples. O suspeito aviso não é levado a sério. Chegando à casa, deparam-se com um recanto rústico e simpático situado na encosta de uma montanha e à beira de um lago. Lugar perfeito para relaxar longe da cidade. Porém, na primeira noite, o grupo desperta o desconhecido e terá que lutar por sua sobrevivência.

O filme é dividido em duas linhas narrativas. A principal fica por conta das assustadas vítimas na cabana, enquanto, paralelamente, funcionários de uma corporação observam e interferem no destino dos jovens protagonistas. Elementos de produções como "O Albergue", "Cubo" e "Jogos Vorazes" são de fácil identificação. Até esse momento, o longa-metragem parece seguir uma cartilha - mesmo que estranha.

Alternar as histórias acaba por quebrar a permanência de um clima de suspense desenvolvido na trama principal. Porém, provocar medo e sustos não é o objetivo central do projeto. A ambição dos realizadores vem à tona no terceiro ato, quando a "brincadeira" na montanha foge do controle e descamba para o cinema fantástico. "O Segredo da Cabana" mostra suas reais intenções e une terror, ação, ficção científica e muita violência em uma proposta original. Está aí a sua melhor parte.

Surgem deliciosas referências a clássicos, como "O Iluminado", "It", "Hellraiser", "Evil dead", "Os Estranhos", "Anaconda" e outros exemplares, em uma mistura de homenagem e sátira. Sua motivação é bastante curiosa e acaba por restringir o filme ao grande público. Inclusive, a crítica nos Estados Unidos ficou dividida quanto ao incomum conteúdo do projeto. Tanto foi chamado de obra-prima como de lixo completo. 

Essas denominações se justificam porque a produção é diferente de qualquer outro modelo do gênero. Parte do total clichê para um terreno inexplorado da narrativa de terror. Comprar essa ideia pode não ser das mais fáceis, mas sua experiência é válido porque apresenta interessantes novidades. Quem está acostumado com a fórmula tradicional de sustos e mortes bizarras, tem aqui o acréscimo de tensão, humor negro, carnificina e uma inteligente revelação. Como a maioria dos filmes que se tornam cult, "O Segredo da Cabana" é para poucos.

Nota: 7,7

Crítica: O Vingador do Futuro

Na onda de refilmagens (remake), prelúdios (prequels), reinícios (reboots) e sequências (sequels), Hollywood lança mais uma produção que se baseia numa obra lançada no passado. O conto de Phillip K. Dick que rendeu o clássico da ficção científica, “O Vingador do Futuro”, com Arnold Schwarzenegger, ganha nova versão pelo olhar do diretor Len Wiseman (“Anjos da Noite”/“Duro de Matar 4.0”). Com um show de efeitos especiais, algumas mudanças na trama e um novo astro à frente do projeto, a refilmagem pretende agradar a nova geração sedenta por deslumbrantes cenas de ação.

Ao invés de centralizar a história no planeta Marte, como no original, esta refilmagem se passa em uma Terra arrasada, cujas imagens são uma mistura de “Blade Runner” com “Minority Report”. O protagonista, Douglas Quaid (Colin Farrell), é um operário que começa a questionar o sistema opressor e, a fim de fugir da realidade, procura a empresa Rekall para participar de um experimento que transforma sonhos em uma simulação quase verdadeira. Algo dá errado e ele descobre ser um espião procurado pela polícia.

O filme coloca em dúvida se a nova identidade de Quaid é ou não uma consequência do procedimento pelo qual foi submetido. A provável reativação dessa parte da memória que havia sido apagada possibilita incessantes cenas de aventura. Duas delas se destacam: a sequência em que ele luta pela primeira vez com sua esposa (Kate Beckinsale), com início dentro no apartamento e depois por todo bairro; e, também, a tensa perseguição entre caixas de metal que servem como elevadores. Fora esses dois momentos, faltam emoção e adrenalina na caçada ao protagonista.

O que surpreende no novo projeto é a rica concepção do futuro, com uma fantástica direção de arte e os efeitos mais deslumbrantes e convincentes dos últimos anos no cinema. Em comparação com o filme de 1990, a refilmagem dá um nocaute em tecnologia. As imagens do primeiro longa-metragem envelheceram bastante nesses 12 anos e hoje podem ser consideradas trash. O investimento de 125 milhões de dólares na produção de 2012 é justificável.

Na substituição do protagonista, Colin Farrell cumpre seu papel como herói - apesar de certas vezes parecer no piloto automático - e se sai melhor que suas colegas de cena: Kate Beckinsale está canastrona demais como a vilã e Jessica Biel permanece apática ao meio das correrias e explosões. Mas, ainda assim, o principal problema do projeto é a história que acaba sendo um total clichê, uma desculpa para reproduzir muitas cenas de ação. Sem conseguir torcer pelo personagem, “O Vingador do Futuro” pode ser um passatempo facilmente esquecível logo após a sessão.

Nota: 6,8

O Ditador

Sacha Baron Cohen é daqueles atores que realmente vivem o personagem. Suas crias mais famosas, Borat e Bruno, são figuras semelhantes ao real esculpidas à base de estereótipos e preconceitos. Essa dupla enganou muitas pessoas em 2006 e 2009, respectivamente, através de falsos documentários (mockumentary) promovidos por Cohen. Em seu quarto projeto autoral (já que assina também como produtor e roteirista), ele utiliza a representação de um tirano para criticar regimes totalitários, guerras nucleares, técnicas de tortura e o medo de terroristas por parte dos norte-americanos. O contexto político tem uma missão específica: fazer rir.

Diferente dos anteriores, "O Ditador" é um filme de ficção. Não há nenhuma linguagem cinematográfica que remeta ao estilo de documentário ou que transmita a sensação de que as cenas são verdadeiras. Na trama, Cohen interpreta o almirante Aladeen, governante da República de Wadiya, que arrisca a própria vida para que a democracia nunca chegue ao país que ele amorosamente oprime. Em visita aos Estados Unidos, Aladeen é sequestrado e tem sua marcante barba cortada. Ele consegue fugir, mas, com o visual diferente, ninguém o reconhece como líder de Wadiya. Acaba recebendo a ajuda da militante Zoey (Anna Faris) e passa a trabalhar de atendente em uma cooperativa ecológica, sem deixar de planejar sua volta ao trono.

Uma novidade bem-vinda do projeto é a participação de astros como Ben Kingsley, Megan Fox, John C. Reilly e Anna Faris. Mais que oferecer seu trabalho artístico, esse time demonstra que apóia a mensagem do filme. A figura de um ditador opressivo, racista e ofensivo torna-se válida para qualquer líder mundial que queira acabar com os direitos dos cidadãos. E, o bom, é que o roteiro defende essa conduta até o final, sem promover uma transformação de caráter do vilão.

O filme tem momentos realmente engraçados. Possui diálogos absurdos que invariavelmente provocam o riso, mas esse humor inteligente não é constante. Estão no conjunto cenas completamente sem graça, escatológicas e ridículas; porém, ainda bem longe das piadas de mau gosto de Bruno, por exemplo. Se não fosse por sequências alongadas e grotescas, como a do parto, da descoberta da masturbação e da luta com peitos superpoderosos, "O Ditador" poderia ter um resultado mais consistente e satisfatório.

Por outro lado, é preciso creditar a Sacha Baron Cohen a ousadia em produzir um longa-metragem politicamente incorreto, repleto de humor negro e que critica ferozmente os Estados Unidos. Nesse quesito assemelha-se a "Borat – O Segundo Melhor Repórter do Glorioso País Cazaquistão Viaja à América". Em comparação aos outros projetos, "O Ditador" ainda é o mais comercial em fórmula, com uma história redondinha, e com maiores chances de agradar o grande público.

Nota: 7

Batman - O Cavaleiro das Trevas Ressurge

Cercado de expectativas, a conclusão da trilogia do Batman, O Cavaleiro das Trevas ressurge, consegue dar fim à história do Homem-Morcego com uma brilhante jogada: conectar os dois filmes anteriores e formar uma trinca perfeitamente ajustada sobre o herói mais sombrio das HQs. O último capítulo da saga adota o tom épico e despede-se dos personagens de Gothan City com um quebra-cabeças típico do diretor Christopher Nolan.

O principal conselho antes de conferir esta nova aventura é reassistir a Batman begins e O Cavaleiro das Trevas. Estando atualizado com os dois filmes, o espectador certamente não irá perder as diversas relações que o terceiro longa-metragem promove com os capítulos iniciais. Figuras marcantes como a de Espantalho e Ra's Al Ghul retornam em importantes momentos da produção.

O ponto de partida da trama ocorre oito anos depois do herói ter assumido a culpa pelo assassinato de Harvey Dent. Com a criminalidade quase zero, a cidade não precisa mais de Batman. O aparecimento do brutamontes Bane (Tom Hardy), a fim de promover um ajuste de contas com Gothan City, faz o Homem-Morcego deixar o seu exílio e lidar com uma real e destruidora ameaça.

Mais uma vez, o roteiro introduz novos personagens à história: o policial Blake (Joseph Gordon Levitt), a ladra Selina Kyle (Anne Hathaway) e a executiva Miranda Tate (Marion Cotillard). E o resultado não poderia ser diferente. A intrincada teia de personagens funciona tão bem que a reivenção da Mulher Gato é plenamente satisfatória (superar a imagem fetichista de Michelle Pfeifer em Batman - O retorno seria impossível). Além disso, o destino conferido a Blake é uma das escolhas mais acertadas da produção. Somente a presença de Miranda que não se encaixa - e até compromete - a história.

O vilão Bane também merece alguns apontamentos. Se por um lado, ele é imponente e imbatível, como demonstra na sensacional sequência de invasão a um estádio de futebol ou quando luta ferozmente contra o herói do filme, por outro, ele é extremamente fraco, já que a risível revelação de suas motivações acaba enfraquecendo e desprezando o personagem. Além do mais, Bane não é tão assustador e impactante como deveria ser o último adversário do Batman.

Outros tropeços do projeto são as cenas de luta, que certas vezes não convencem. Em um momento, Batman precisa lutar contra vários capangas do vilão e, ao contrário do natural, os homens armados preferem esperar que o herói bata em cada um deles e, quando partem para o ataque, optam por proferir coronhadas ao invés de tiros. Extramemente artificial. Falso também é a forma como as participações de Miranda e Bane são finalizadas no longa-metragem.

Apesar desses (pequenos) pontos falhos, o derradeiro capítulo possui alta carga dramática, destaque para as cenas com Michael Caine, abusa de tecnologia, como exemplo o batmóvel à la nave espacial, conecta as aventuras anteriores de maneira precisa, tornando a trilogia redondinha e empolga com em seu combate final, no qual Gothan é levada sem piedade à destruição. Apesar de um pouco cansativo - o filme tem nada menos que 164 minutos - o ritmo calculadamente tenso só é afetado por um instante, quando o herói é capturado e preso. Fora isso, a sessão desenrola-se de forma concisa.

O diretor encerra uma série que ultrapassou a barreira do puro entretenimento das aventuras de super-herói e apostou na profundidade psicológica dos habitantes deste fantástico universo. Próximo da realidade, a reivenção do Batman no cinema conquistou até mesmo quem não era fã dos gibis. E, apesar dos últimos minutos deixarem a dúvida sobre a continuidade da lenda do Homem-Morcego, o retorno de Bruce Wayne e sua Gothan City só será devidamente descoberto nos próximos anos. Enquanto isso, sua saga fica muito bem representada pelos três filmes de Nolan.

Nota: 7,9

Solteiros com Filhos

Maturidade no cinema sempre é bem-vinda. “Solteiros com Filhos” destaca-se por ser um entretenimento sincero sobre os relacionamentos modernos. Discute o sexo entre recém-casados, sexo entre pais e sexo entre amigos. Três estágios diferentes da vida que são experienciados pelos casais que formam o mesmo grupo de amigos. Na faixa dos 30 e poucos anos, esses homens e mulheres servem de espelho para o que significa a vida adulta e como a presença de um filho pode interferir na felicidade e no amor que sentem um pelo outro.

Um time de astros em ascensão - a maioria oriunda do sucesso “Missão Madrinha de Casamento” -, compõem esse quadro de pura análise comportamental. O casal Leslie (Maya Rudolph) e Alex (Chris O´Dowd) deixaram os filhos tomarem conta e estão sempre esgotados. Já Missy (Kristen Wiig) e Ben (Jon Hamm) substituem o desejo sexual pelas provocações mútuas quando o primeiro filho surge no pedaço. Ao observar esses dois relacionamentos, os amigos Julie (Jennifer Westfeldt) e Jason (Adam Scott) decidem burlar as chatices advindas do casamento e ter uma criança, mesmo sem formarem um casal.

Apesar de possuir boas cenas cômicas, o que nutre “Solteiros com Filhos” é o drama. O roteiro formado por diálogos afiados e o elenco extremamente carismático contribuem para formar um filme agradável e comovente. O ápice é a tensa sequência de discussão entre Jason e Ben durante as férias em grupo. Verdades são ditas sem pudores e mostram as reais intenções do projeto. Quem se sobressai praticamente todo tempo é Jennifer Westfeldt (“Beijando Jessica Stein”), encatadora como a protagonista, que ainda assina como roteirista e diretora do filme.

O excelente longa-metragem tem apenas um deslize: os 20 minutos finais. O encerramento aposta em clichês típicos de comédia romântica e estraga o que poderia ser um projeto mais verdadeiro e ousado. Ao mudar de rumo, transmite um recado que desde o início parece ser contra. Se investisse mais na linha dramática, poderia arrancar algumas indicações a prêmios, como foi o caso de “Minhas Mães e Meus Pais”, que concorreu ao Globo de Ouro e ao Oscar.

Ainda assim, “Solteiros com Filhos” não perde sua força. É uma deliciosa e inteligente comédia dramática que provoca questionamentos interessantes para além das dúvidas sobre paternidade. Vale também por trazer bons (e novos) atores da comédia americana em papéis mais humanos.

Nota: 7,9

O Espetacular Homem-Aranha

A pergunta recorrente durante a sessão de “O Espetacular Homem-Aranha” é: "por quê?". Dez anos depois do primeiro longa-metragem de Sam Raimi, os produtores decidiram reinventar a série e contar novamente a história do super-herói mais popular da Marvel. O novo projeto acaba encontrando obstáculos justamente por ser praticamente uma repetição do filme de 2002.

Desentendimentos entre o diretor Raimi e os produtores Avi Arad e Matt Tolmach inviabilizaram a realização de “Homem-Aranha 4”. Para dar continuidade a uma franquia de alto retorno financeiro para a Sony, os produtores aproveitaram a onda da reinvenção de Batman, por Christopher Nolan, e apostaram em fazer o mesmo com o aracnídeo.

Ao contrário da nova cara que Nolan imprimiu em sua trilogia, o diretor Marc Webber, do ótimo “(500) Dias com Ela”, reproduziu praticamente a mesma história com a mesma abordagem, unindo ação, romance e humor. Sem injetar a personalidade tão necessária. Então, assistimos novamente Peter Parker ser picado por uma aranha e descobrir seus poderes. As semelhanças entre os dois filmes são absurdas, até os créditos iniciais são idênticos.

O argumento de marketing insistiu que essa versão seria mais fiel aos quadrinhos, sugerindo no cartaz que é “a história não contada”. De modo geral, troca-se o vilão Duende Verde pelo Lagarto e o par romântico Mary Jane por Gwen Stacy (Emma Stone). A principal novidade é aparição dos pais de Peter, interpretados por Cambpell Scott e Embeth Davidtz. 

O melhor do filme, sem dúvidas, é Andrew Garfield como o super-herói. O ator convence na pele do Aranha e tira de letra a missão de substituir Tobey Maguire. A versatalidade de Garfield funciona tanto nos momentos em que se apresenta de nerd sofredor de bullying como quando veste a fantasia e assume a segurança em usufruir de seus poderes.

Ainda assim, “O Espetacular Homem-Aranha” encontrá resistência por ser um remake recente que não apresenta resultados significantes em sua reinvenção. A pergunta “por que assistir tudo de novo?” pode ser respondida após os créditos finais. Esse primeiro filme preparou terreno para as próximas aventuras do personagem. A intenção dos produtores é realizar no mínimo uma trilogia e explorar inúmeros elementos que os anteriores deixaram de lado.

Apesar de assistir mais uma vez a origem do super-herói, o novo longa-metragem não é ruim. Diverte como passatempo e encontra seu público principalmente nas crianças e adolescentes. Comparado com o primeiro “Homem-Aranha”, perde em não ter uma trilha sonora empolgante e cenas marcantes, como o personagem aprendendo a escalar os prédios de Nova York ou o clássico beijo na chuva e de ponta cabeça. Devem ficar para os próximos filmes!

Nota: 7,1

Bel Ami - O Sedutor

Um ex-soldado sem dinheiro tenta a sorte na Paris de 1890, considerada, na época, uma cidade cheia de oportunidades. George Duroy (Robert Pattinson) é um jovem ambicioso que utiliza seu charme para conquistar mulheres da aristocracia e elevar sua situação social. No centro de um jogo de intrigas, desejo e traições, o rapaz se envolve com Madeleine (Uma Thurman), Clotilde (Christina Ricci) e Virginie (Kristin Scott Thomas). A trama faz parte do clássico romance francês de Guy de Maupassant, “Bel Ami”, que recebeu mais uma adaptação cinematográfica e chega ao Brasil sob o título de “O Sedutor”.

Os diretores Declan Donnellan e Nick Ormerod, oriundos do teatro britânico, conduzem a narrativa de muitos acontecimentos com rapidez, atropelando momentos de intensidade na tela. Por ter um ritmo ágil, os dramas e, principalmente, a complexidade do protagonista ficam em desvantagem ao conferir um aprofundamento raso. Em contrapartida, a direção de arte e a trilha sonora encontram a exuberância ideal para garantir atenção ao desenrolar da história.

Equívoco total da produção foi escalar o limitado Pattinson como o galã da trama. Emburrado a maior parte do tempo, o ator não convence como o pobretão sedutor que deixa as mulheres desatinadas. O poderoso personagem seria um deleite para qualquer ator competente, mas para o vampiro de “Crepúsculo” cada cena parece ser mais um dia de trabalho enfadonho. Falta verve e emoção em seu “bel ami”.

Se por um lado o atrativo principal do filme decepciona, por outro, o trio de coadjuvantes compensa roubando todas as cenas. Uma Thurman é a que mais se destaca como a bela esposa do editor de política do jornal La vie française. Cada expressão e olhar da atriz denotam tudo que não é dito por sua personagem. A sumida Christina Ricci mostra talento e sedução como a fogosa Clotilde, cujo marido está sempre viajando. Por último, a recatada Virginie, interpretada de forma adequada por Kristin Scott Thomas, é casada com um dos homens mais poderosos da cidade.

Atraindo as três mulheres, trocando de cama como quem troca de roupa, o destemido Georges entra na sociedade parisiense e dela não pretende sair, nem que para isso tenha que manipular as suas presas. E nesse emaranhado a la “Ligações perigosas”, dissipando sentimentos como ganância, orgulho e vingança, “O Sedutor” comprova que possui uma grande história. Um atraente conto de ascensão social a qualquer custo, que, por escolhas duvidosas da produção, acaba deixando muito de seu potencial desperdiçado.

Nota: 6,9

Amor Impossível

Duas pessoas se conhecem e enfrentam diversos obstáculos até ficarem juntas ao final. Essa fórmula deu certo em inúmeras comédias românticas. Mas, depois se conferir o previsível histórico do gênero, por que não contar um caso de amor que, além do romance, utiliza uma trama verdadeiramente interessante sem utilizar os tradicionais coadjuvantes cômicos? Assim como outros raros exemplares, "Amor Impossível" utiliza uma narrativa de pano de fundo tão importante quanto a aproximação entre o casal protagonista.

Baseado no livro homônimo de Paul Torday, o filme é sobre o doutor Alfred Jones (Ewan McGreggor), um cientista que se vê envolvido em um projeto para introduzir pesca de salmão no Yemen. Apesar de relutante à investida, precisa atender o capricho milionário do sheik Muhammed e satisfazer o governo britânico que enxerga no programa a possibilidade de obter boas notícias vindas do Oriente Médio. Nessa empreitada, Alfred conhece Harriet (Emily Blunt), a assessora do sheik, que se revela uma ótima companhia. Aos poucos, os dois vão se aproximando e começam a depositar, juntos, credibilidade ao inusitado projeto.

O tom de comédia acompanha o longa-metragem com diálogos e cenas simpáticas, utilizando muitas vezes a política como inspiração. Esta personificada na figura de Kristin Scott Thomas, que interpreta a assessora do primeiro-ministro. O humor escrachado não tem chance - até porque este é um filme inglês. Assim, estamos frente a uma história para adultos, longe das comédias românticas adolescentes. O que pode provocar confusão é o infeliz título em português, Amor impossível, que, além de não se encaixar na proposta, “vende” a sessão como mais uma trama romântica e bobinha. Equívoco. No original, chama-se "Salmon fishing in the Yemen" ("Pesca de Salmão no Iêmen"), como na obra literária.

Quem espera se apaixonar com o relacionamento entre McGreggor e Blunt irá se decepcionar. A trama investe bastante na construção dos personagens e os apresenta como “pessoas reais”, possíveis de encontrar ali na esquina. Os dois estão em relacionamentos duvidosos que apresentarão mudanças imediatamente. Quando juntos, formam na tela um belo casal, conferindo o charme essencial para o filme, calçado principalmente na competência dos atores.

"Amor Impossível" vale o ingresso porque vai além do óbvio - mesmo que não seja totalmente original. É um entretenimento agradável que de tão interessante quase convence como uma história real. É pura ficção, mas passível de acontecer. Ponto positivo para o diretor Lasse Hallstrom, de "Chocolate" e "Regras da Vida". Mais um bom filme para o seu currículo.

Nota: 7

Para Roma, Com Amor

Nos últimos anos, o diretor Woody Allen realizou um roteiro turístico por cidades da Europa. Em 2005, saiu da sua habitual Nova York, retratada em inúmeros filmes da carreira, e filmou “Match Point” em Londres. Na sequência, a metrópole inglesa serviu de locação para “Scoop - O Grande Furo” (2006), “O Sonho de Cassandra” (2007) e “Você Vai Conhecer o Homem dos Seus Sonhos” (2010). A Espanha também recebeu sua ilustre visita em “Vicky Cristina Barcelona” (2008), assim como a França com “Meia-noite em Paris” (2011). Agora, este ano, é a vez da capital da Itália ser retratada com todo seu charme pelo olhar inconfundível do cineasta na encantadora comédia “Para Roma, Com Amor”.

O flerte de Allen com a cidade é delicioso de assistir. Assim como nos filmes antecessores, a vontade é de comprar uma passagem de avião e embarcar para o país imediatamente. A trilha sonora, composta por clássicos como “Amada Mia, Amore Mio” e “Nel Blu Dipinto di Blu (Volare)”, somada às belas imagens de cada recanto de Roma conferem a ambientação perfeita para os romances que se desenham na tela. Pequenos fragmentos de visitantes e moradores da cidade compõem o roteiro do longa-metragem.

Como diz o personagem que abre o filme: “Em Roma tudo é uma história”. Na produção de Allen, são precisamente quatro tramas: trabalhador (Roberto Benigni) vira celebridade da noite para o dia, arquiteto (Alec Baldwin) volta ao passado e confronta suas escolhas, jovem casal acaba se desencontrando em plena lua de mel e aposentado diretor de ópera (o próprio Allen) descobre um novo talento artístico.

A melhor história é de Baldwin, que revive momentos da juventude como estudante na Itália. Através da figura de Jesse Eisenberg, ele conhece a envolvente aspirante a atriz Monica (Ellen Page). A narrativa por si só, com um certo aprofundamento, já renderia um filme inteiro. Bastava injetar mais doses dos inteligentes diálogos para se ter um conto apaixonante e melancólico,  característico do veterano diretor.

No emaranhado de histórias interessantes, “Para Roma, Com Amor” apresenta uma narrativa que quebra o ritmo e difere do tom adotado pelo projeto. É a de Roberto Benigni, que poderia ser excluída sem comprometer o resultado. Sua crítica à fama possui uma conclusão pouco inspirada que termina por não cumprir o objetivo. Ao menos serve para rever o comediante Benigni em ação. Nesse mesmo sentido, o retorno de Allen como ator é muito bem-vindo - desde “Scoop” que não aparecia frente às câmeras. Ele vem acompanhado de Judy Davis, parceira de loga data que volta em forma de deleite para quem acompanhou a carreira dos dois.   

A viagem do cineasta à Itália inevitavelmente sofrerá comparações com o maravilhoso “Meia-noite em Paris”. Um confronto desleal, já que “Para Roma, Com amor” é um filme menor do diretor. Suas histórias são divertidas e de um humor delicioso, mas, no geral, não possuem uma mensagem definida. Resultam apenas em agradáveis análises sobre o comportamento humano, combinadas de forma tão interessante que conquistam a simpatia e provocam muitos risos. “Para Roma, Com Amor” pode não estar entre os melhores filmes de Woody Allen, mas será a melhor escolha entre as produções em cartaz atualmente.

Nota: 8

Sombras da Noite

Chapeleiro maluco, barbeiro assassino, dono de fábrica de chocolates, homem com mãos de tesoura, pior diretor de todos os tempos, investigador de uma lenda americana e noivo de mulher morta. Esse rol de personagens esquisitos é fruto da parceria entre o ator Johnny Depp e o diretor Tim Burton. Em sua oitava realização juntos, o galã interpreta um vampiro amaldiçoado na comédia “Sombras da Noite”, novo filme do cineasta apaixonado pelo gótico.

No século 18, o aristocrata Barnabás Collins (Depp) é transformado em criatura das trevas por uma bruxa ciumenta (Eva Green) e aprisionado em um caixão para toda a enternidade. Dois séculos depois, ele é encontrado e precisa conviver com a nova geração da sua família, em plenos anos 70. Sua missão é fazer com que os falidos negócios dos Collins voltem à antiga glória. Porém, a bruxa permanece apaixonada por ele e está disposta a conquistá-lo de qualquer jeito. Se não conseguir, buscará destruir Barnabás e seus familiares.

A trama é baseada na série “Dark Shadows”, exibida entre 1966 e 1971 pelo canal americano ABC. O TV show adorado tanto por Burton como Depp motivou mais uma reunião desses dois talentos. Se antes proporcionaram obras fantásticas, vide “Edward Mãos de Tesoura” e “Sweeney Todd”, dessa vez, apresentam a primeira derrapada desse belo histórico conjunto. Diferente do habitual, a direção de Burton é sem personalidade e convencional. E até o estilo dark é suave. Já Depp não encontra um personagem carismático e desafiador, ficando apagado por atuações mais interessantes, como a hipnotizante bruxa de Eva Green - finalmente bem aproveitada após encantar o mundo em Os sonhadores.

O universo de “Sombras da Noite” é rico em personagens curiosos. Ótimos atores (Michelle Pfeiffer, Helena Bronham Carter, Jackie Earle Haley e Chloe Grace Moretz) esforçam-se para conferir veracidade aos moradores da mansão dos Collins, mas a história fraca e previsível impede qualquer aprofundamento ou sequer investida no carisma dessas figuras. E, infelizmente, o que recebe atenção na tela é o romance besta entre o vampiro e nova tutora da família (Bella Heathcote).

Outro fato questionável é como um ser horroroso, com mãos deformadas, profundas olheiras, cabelo colado na cabeça e pele mais branca que papel, consiga despertar o interesse amoroso em Green, Carter e na novata Heathcote. Para compensar certos absurdos, a produção investe no humor, com piadas pouco inspiradas, que enfraquecem o clima sombrio e de suspense que permeia o filme.

Sem sair-se bem na comédia, no drama ou no “terror”, “Sombras da Noite” fracassa em tentar igualar-se aos demais projetos da dupla. É uma “sessão da tarde” simpática, perfeita na reconstrução de época e até com um certo charme. A divertida participação especial de Alice Cooper ganha pontos, assim como a cena de sedução/destruição entre o vampiro e a bruxa. O filme possui uma última chance de conseguir envelhecer bem e, quem sabe, obter um caráter cult no futuro.

Nota: 6,5